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出版者:W W Norton & Co Inc

作者:Boardman, John

出品人:

页数:252

译者:

出版时间:1985-2

价格:$ 22.54

装帧:Pap

isbn号码:9780500201633

丛书系列:

图书标签:

• 希腊
• 雕塑
• 希腊
• 艺术
• 历史
• 古典艺术
• 古希腊
• 艺术史
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• 考古学
• 西方艺术

雕塑之魂：从古至今的形体叙事 一部深入探索人类雕塑艺术演变、技术革新与精神表达的宏大史诗。 本书旨在带领读者穿越时空，对人类文明史上最引人入胜的艺术形式之一——雕塑，进行一次全面而细致的考察。我们聚焦于雕塑如何超越简单的三维造型，成为记录社会变迁、宗教信仰、哲学思辨和个体情感的永恒载体。 第一部：起源与奠基（史前至古典时期早期） 本部分追溯雕塑的远古根源，探究早期人类如何从自然材料中“发现”或“塑造”出具有象征意义的形象。 第一章：泥土与岩石的低语 讨论史前雕塑的特征，重点分析维纳斯形象的普遍性及其可能代表的生育崇拜或母性象征。深入考察新石器时代巨石阵（Megalithic）文化中，大型石结构雕塑的社会功能和组织能力要求。我们区别对待了“雕刻”和“塑造”的早期技术差异，并阐述了材料的稀缺性如何影响了早期艺术品的尺度和复杂性。 第二章：美索不达米亚与埃及的权力镜像 细致分析苏美尔、阿卡德、巴比伦以及古埃及雕塑的程式化特点。重点剖析埃及“卡”（Ka）与“巴”（Ba）的概念如何决定了雕塑的固定姿态、尺寸比例以及面部表情的永恒性——这是一种抵抗时间流逝的艺术策略。对《书记官坐像》和拉美西斯二世的巨像进行个案研究，阐释这些作品如何服务于法老的神圣权威和国家叙事。 第三章：爱琴海的初啼：米诺斯与迈锡尼 考察克里特岛（米诺斯文明）和希腊本土（迈锡尼文明）对雕塑发展的过渡性贡献。米诺斯艺术中流动的、更具生命力的形态，与迈锡尼建筑中雄狮门楣等浮雕的军事化主题形成对比。探讨爱琴海地区如何开始引入动物和人物动态的观察，为后来的希腊艺术突破奠定基础。 第二部：形式的革命与理想的追求（希腊化与罗马的继承） 本部分聚焦于古典艺术的巅峰，阐述雕塑如何从程式化走向对自然主义和理想化的人体美的极致探求，并分析其在罗马世界的实用化转型。 第四章：古风时期的觉醒：科罗斯与科蕾 详细解析古风时期（Archaic Period）雕塑的标志性特征——“古风式微笑”（Archaic Smile）和僵硬的正面姿态。通过对比不同城邦（如雅典和萨摩斯）的雕像，展示区域风格的差异。分析这些雕塑如何从早期对埃及模式的模仿，转变为对独立个体形象的初步尝试。 第五章：古典的辉煌：动态与比例的法则 这是对雕塑史上一次重大飞跃的深度剖析。重点讨论“对立平衡”（Contrapposto）的革命性意义，它如何使人物从静态的并列转变为内在张力的体现。详细研究菲狄亚斯、波留克利托斯和普拉克西特列斯等大师的理论（如波留克利托斯的《法典》），以及他们对“黄金分割”和理想人体比例的数学化追求。对帕特农神庙雕饰群的残片进行空间复原性的解读。 第六章：希腊化时代的激情与戏剧 探讨亚历山大大帝逝世后，雕塑风格如何从古典的克制转向宏大叙事和强烈情感的表达。分析“希腊化风格”的三个主要流派（如帕加马学派），重点剖析《萨莫色雷斯的胜利女神》和《拉奥孔群像》中对运动、痛苦和戏剧性瞬间的极致捕捉。这些作品标志着雕塑从服务于城邦公共理想，转向探索个体悲剧命运。 第七章：罗马：实用主义与肖像的艺术 考察罗马文化如何吸收希腊的雕塑技法，并将其服务于帝国的政治目的。着重探讨罗马写实主义肖像雕塑的独特贡献，特别是对老年人面部特征（Verism）的强调，这与希腊的理想化倾向形成鲜明对比。分析公共纪念碑雕塑（如图拉真纪功柱的连续叙事浮雕）在历史记录和政治宣传中的作用。 第三部：信仰的载体与中世纪的转型（早期基督教至哥特式） 本部分关注雕塑在宗教权力结构中的核心地位，探讨其如何适应新的神学需求，并经历从自然主义到高度象征化的转变。 第八章：从世俗到神圣：早期基督教雕塑的困境 研究罗马帝国晚期，雕塑艺术如何为新兴的基督教服务。分析早期基督教艺术如何在避免偶像崇拜的禁令下，通过象征符号（如好牧人形象）进行表达。讨论从大型独立雕塑向浮雕和石棺装饰的重心转移。 第九章：拜占庭的圣像与神性之光 深入拜占庭艺术，分析其高度程式化、平面化的雕塑和浮雕风格（如象牙雕刻），如何强调超验性而非世俗的物质感。探讨“圣像”在东正教信仰中的核心地位，以及它们在神学上的重要性。 第十章：罗马式：建筑的融合与教化的工具 考察罗马式时期（Romanesque），雕塑如何重新回归建筑的叙事功能，主要体现在教堂的门楣（Tympanum）和柱头装饰上。分析此时期作品的教化目的：通过描绘末日审判、圣徒生平等场景，对文盲大众进行道德教育。探讨此时期对人体比例的再次扭曲，以适应建筑框架的需求。 第十一章：哥特式的垂直升腾与情感的复苏 分析哥特式雕塑的突破性进展，特别是其对人体自然形态的回归（“微笑的复苏”）。重点研究法国兰斯大教堂和沙特尔大教堂上的人像雕塑，它们开始展现出独立于建筑墙体的姿态和细腻的衣褶处理。探讨圣母形象在这一时期如何从威严的“王后”转变为充满母爱的人性化形象。 第四部：文艺复兴的复兴与巴洛克的张力（近代雕塑的探索） 本部分探讨西方雕塑如何重拾古典的理性精神，并在随后的巴洛克时期将情感与动势推向新的极限。 第十二章：文艺复兴的回归：科学、人文与完美人体 详细阐述文艺复兴早期（如多那太罗）如何通过对古罗马肖像和希腊理想的重新学习，重新掌握了解剖学和透视法。分析布鲁内莱斯基和多那太罗在透视浮雕上的开创性实践。重点研究米开朗基罗对人体潜能的终极探索，分析《大卫》和《摩西》如何将古典的静穆与内在的英雄主义熔铸一炉。 第十三章：样式主义的优雅与迷惘 讨论盛期文艺复兴后，雕塑家（如詹波隆那）如何通过拉伸、扭曲和复杂的螺旋结构（Serpentinata），表达一种更加精致、甚至略带不安的贵族审美趣味。分析这种风格如何预示了即将到来的巴洛克戏剧性。 第十四章：巴洛克的狂想：运动、光影与感官冲击 聚焦于巴洛克雕塑的核心特征：对动态的极致追求、对材料极限的挑战以及与光线的互动。贝尼尼作为绝对的核心人物，被系统性地研究。深入分析《圣特蕾莎的狂喜》等作品中，雕塑如何打破了传统的封闭性，与周围空间进行对话，营造出强烈的剧场效果。 --- 结语：跨越媒介的对话 本书最后将简要展望近代雕塑（从新古典主义到现代艺术的早期探索）如何继续在古典的遗产与不断变化的社会需求之间寻求平衡与突破。雕塑，作为一种最直接触碰“实在”的艺术形式，其演变史本身就是人类对自身存在、信仰体系和美学理想不懈探索的最好证明。

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这本书的学术深度是毋庸置疑的，但真正让我感到惊喜的是其跨学科的视野。它没有将雕塑艺术孤立地看待，而是将其置于古希腊社会、宗教、军事和哲学思潮的巨大熔炉之中。作者巧妙地将柏拉图的“理念论”与写实主义雕塑的发展联系起来，探讨了艺术家们如何在追求“理想美”与记录“真实面貌”之间进行艰难的平衡。有一段落专门分析了希腊化时期，尤其是在亚历山大东征之后，雕塑题材如何从庄严的众神转向更具戏剧性和情感张力的个体叙事，这几乎就是对整个希腊化世界精神面貌变迁的微观缩影。书中对特定地区雕塑流派的区分，如岛屿学派与小亚细亚学派的风格差异，分析得极其细致，甚至涉及到不同地区石材的硬度如何影响了雕刻的刀法和细节的精细程度。这种由宏观历史背景向微观技术细节的无缝切换，体现了作者深厚的功底和严谨的治学态度，读起来酣畅淋漓，既有知识的满足感，又不失阅读的乐趣。

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这本书的叙事节奏把握得极好，它不像传统的艺术史著作那样堆砌人名和年代，而是采用了一种更具故事性的线性推进方式，仿佛带着读者亲身走过帕特农神庙的重建工地，或者潜入亚历山大港那些隐秘的雕刻工作室。我最欣赏的是作者在论述中对“缺席”的强调。他花费大量篇幅讨论那些失传或残缺不全的作品，以及我们今天所见的“完美”的罗马复制品与原作之间的巨大鸿沟。这种“不完美中的完美”的探讨，使得阅读过程充满了悬念和反思。例如，关于菲狄亚斯的作品，书中没有给出太多确凿的证据，反而是通过引用同时代诗人的赞美，以及对后世艺术家模仿的分析，构建了一个既真实又带有神话色彩的“想象中的原型”。这种处理手法非常高明，它承认了历史记录的局限性，并将解读的权利部分地交还给了读者。书中的插图选择也十分考究，很多都是从未在主流读物中出现的侧面或细节放大图，它们的出现总是在最关键的论点处，起到画龙点睛的作用，让人对细节的关注程度大大提高。

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这本书的排版和装帧设计简直是一场视觉盛宴。在如今这个信息碎片化的时代，能够遇到一本如此重视阅读体验的实体书，实属难得。纸张的质感非常高级，即便长时间翻阅，手感也极其舒适，这对于一本需要反复对照图片的专业书籍来说至关重要。特别是那些全景大幅面的插图，色彩还原度极高，细节纤毫毕现，让我能清晰地分辨出不同时期雕塑眼睛的神态变化——从早期的“伊特鲁斯坎式微笑”的僵硬到古典盛期的宁静博大，再到希腊化时期的极端情绪表达。我尤其喜欢随书附带的那个简易的时间线图表，它将不同时期的主要艺术家和代表作品进行了交叉索引，对于我这样偶尔会混淆不同时期的读者来说，提供了极大的便利。阅读这本书的过程，就像是在一个布置精美的、光线柔和的博物馆里，由一位博学多才的向导全程陪伴，他不仅指引你欣赏展品，更会悄悄告诉你每一件作品背后的故事和它在人类文明长河中占据的确切位置。这是一本值得反复品读的经典之作。

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这本书的封面设计着实抓人眼球，那种古朴的米黄色调，配上几块精心挑选的、轮廓清晰的古典雕塑局部特写，立刻把我带入了一种沉静而肃穆的历史氛围中。我原本是抱着一种比较随意的态度翻开这本书的，毕竟我对古代艺术的了解仅限于教科书上那些耳熟能详的片段。然而，这本书的开篇并未直接抛出那些宏大的历史叙事，而是从材料本身的质感入手，细致入微地描摹了大理石、青铜乃至木材在不同光线下呈现出的光泽和纹理。作者似乎对雕塑家们如何“驯服”这些坚硬的物质抱有一种近乎痴迷的态度。我特别喜欢其中一章，它详细对比了公元前五世纪雅典城邦中不同作坊对同一主题——比如“持花少女”——的处理手法上的微妙差异。这不仅仅是关于风格的比较，更是对当时社会审美取向、技术传承甚至工匠阶层地位变迁的深度解读。读完这一部分，我感觉自己不再是简单地“看”雕塑了，而是开始“触摸”历史留下的指纹。书中对光影在雕塑表面游走所产生的情感效果的分析，尤其令人印象深刻，文字如同画笔，勾勒出立体的空间感，让人不得不赞叹文字力量的强大。

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坦率地说，我起初有些担心这本书会过于学术化，充斥着晦涩难懂的古希腊术语，阅读体验可能会比较枯燥。然而，这本书的作者显然对如何有效沟通复杂概念有着独到的见解。他使用的语言既精确又充满了一种克制的激情。例如，在描述“湿衣褶”风格的演变时，作者没有简单地罗列技术要点，而是通过一系列精妙的比喻，将那些看似静止的布料褶皱描述得如同流水般富有生命力，仿佛能感受到海风吹过女神衣衫的清凉。更难能可贵的是，书中对“身体政治学”的探讨。雕塑不仅是美的载体，更是权力和公民身份的载体。通过对奥运会获奖者的裸体雕像的分析，作者揭示了“健美”如何被编码为城邦公民的道德准则和社会等级的视觉符号。这种对艺术品背后社会机制的穿透性观察，让整本书的厚度陡然增加，不再仅仅是艺术鉴赏指南，更像是一部关于古代社会权力运作的另类史书。

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要是图片能彩色的就好了。。

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