Shibori for Textile Artists pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Kodansha Amer Inc

作者:Gunner, Janice

出品人:

页数:127

译者:

出版时间:2007-4

价格:$ 31.58

装帧:HRD

isbn号码:9781568363660

丛书系列:

图书标签:

• Shibori
• Tie-dye
• Textile Art
• Fiber Art
• Japanese Textiles
• Surface Design
• Crafts
• DIY
• Pattern Design
• Indigo Dyeing

靛蓝的低语：传统扎染技艺与现代面料重塑 一部深入探索日本传统扎染（Shibori）艺术的深度论著，旨在为当代纺织艺术家、服装设计师以及对手工染色充满热情的匠人提供一份详尽的技术指南与美学灵感源泉。本书并非仅仅是对某一本书的重复或替代，而是对扎染艺术的哲学、历史根源及其在当代设计语境中无限潜力的全面考察。 第一章：历史的褶皱——扎染的溯源与演变 本章将带领读者穿越时空，追溯扎染技艺的古老源头。扎染并非一个单一的技术，而是一个涵盖了数千年来无数区域变体的复杂实践集合。我们将探讨其在亚洲，特别是日本、印度和印度尼西亚等地的早期出现，分析不同文化如何吸收、转化和发展出具有地域特色的扎染方法。 重点关注日本江户时代（Edo Period）扎染技术的成熟与繁荣，解析“町染”（Town Dyeing）与“御所染”（Imperial Dyeing）之间的张力与传承。通过对出土文物、历史文献及传统服饰的细致考察，我们将描绘出扎染从实用性染色工艺，逐步演变为高度精炼的艺术形式的过程。理解这些历史背景，是掌握其精髓的第一步，它揭示了每一次捆绑、折叠和浸染背后所蕴含的文化意义和仪式感。 第二章：扎染的科学与哲学——靛蓝的炼金术 扎染的美学核心在于“有控制的意外”。本章深入探讨了天然染料，尤其是蓼蓝（Indigofera tinctoria）的化学特性。我们将详细解析靛蓝染料浴的制作过程——从“苏木”（Suki，即蓼蓝叶经过发酵和石灰处理形成的还原靛蓝）的准备、维持酸碱平衡（pH值）的重要性，到如何确保染料浴的活力与持久性。 理论部分将结合实践：为什么需要“还原”过程才能使纤维吸收颜色？如何通过调整染液中的碱性物质（如草木灰或氢氧化钠）来控制染色的深浅和色调变化？此外，我们还将探讨扎染的哲学基础——“不完全性之美”（Wabi-Sabi）。扎染的每一次痕迹，都是对材料的尊重，是对自然力量的臣服。这种哲学指导了艺术家在决定捆绑力度、浸染时间时的每一个微妙选择。 第三章：技艺的词典——核心扎染技法的全景扫描 本书的实践核心部分，系统性地分类和解析了扎染色谱中最具代表性的数百种技法。我们摒弃了简单的步骤罗列，而是采用一种基于“形变原理”的分类法： A. 捆绑（Kumo/Arashi）： 专注于使用绳索或线进行缠绕和挤压。 蜘蛛扎染（Kumo-shibori）： 探讨如何通过精确的螺纹缠绕实现放射状的“蜘蛛网”图案。 风暴扎染（Arashi-shibori）： 详细拆解使用竹竿或木棍卷曲面料，再用绳索紧密绑扎，创造出斜向条纹和动态效果的技巧。 B. 折叠与缝纫（Itajime/Nui）： 关注对面料进行几何塑形。 板夹扎染（Itajime-shibori）： 剖析如何使用木板或塑料板夹紧面料，实现清晰、锐利的方形或三角形图案，并讨论不同夹板边缘处理对最终效果的影响。 缝纫扎染（Nui-shibori）： 介绍使用针线在面料上预先缝制出轮廓，随后拉紧缝线进行染色的复杂技术，这通常产生精细且高度可控的图案。 C. 压制与挤压（Hitta/Kanoko）： 探索局部体积的控制。 粒状扎染（Kanoko-shibori）： 重点分析如何通过手指捏取极小的面料区域并用细线紧紧扎住，以模仿颗粒或花朵的形态，这是最高难度的技法之一。 每一种技法都配有高清的剖面图和流程图，详细说明了“捆绑→浸染→固色→解开”的关键控制点。 第四章：从面料到艺术品——现代应用与跨界实验 扎染的魅力在于其适应性。本章将视角从传统服饰扩展到当代设计的前沿应用。我们探讨了如何将这些传统技巧应用于不同的纤维材料（如丝绸、亚麻、棉、羊毛乃至新型合成纤维），以及如何通过后处理技术改变扎染布料的质感。 1. 结构重塑： 讨论如何利用扎染后布料的自然褶皱和定型痕迹，创作出具有雕塑感的服装廓形，以及如何利用“去色”或“再染色”工艺，为已扎染的布料增加层次感。 2. 装置与空间： 探索扎染在大型艺术装置中的应用，如何利用光线穿透半透明的靛蓝布料，创造出流动的光影空间。 3. 跨界合作： 分析当代设计师如何将扎染的有机线条与现代极简主义、数码印花或3D打印技术相结合，探索传统与高科技的对话。例如，如何将扎染的随机性融入到精确的服装版型设计中，达到一种既和谐又对比鲜明的视觉效果。 第五章：工作室的实践指南——可持续性与工艺维护 最后，本章聚焦于建立一个负责任和高效的扎染工作室。我们提供关于可持续性染色的实践建议，包括如何最小化水资源消耗、安全地处理染料废液，以及如何利用生物降解的材料辅助固色。此外，还包括详细的工具选择指南——从耐腐蚀的容器选择到不同硬度绳索的优劣对比。维护部分则涵盖了如何保存珍贵的靛蓝染缸，以及如何正确洗涤和保养扎染成品，确保其色彩与形态长久如新。 本书旨在激发读者跳出“模仿”的思维定式，真正理解扎染背后的“意图”。通过掌握这些历史脉络、化学原理和精湛技艺，艺术家将能够创造出属于自己时代的，具有深厚人文底蕴的纺织艺术作品。

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这本书的理论深度和实践指导性达到了一个非常精妙的平衡。它没有仅仅停留在展示漂亮的成品照片上，而是花了大量的篇幅去深入剖析了不同地区、不同历史时期扎染技艺的演变脉络。例如，书中对日本‘绞染’体系的分类讲解，清晰到令人赞叹，从基础的‘点’、‘线’、‘面’的结合方式，到更复杂的‘板染’和‘缝扎’技巧，每一步的逻辑推导都非常严谨。对于想要系统性掌握这门手艺的读者来说，这种详尽的背景知识是至关重要的，它能让你理解为什么某些结扎方法会产生特定的花纹，而不是盲目地复制步骤。我感觉作者不仅是一位手艺人，更是一位出色的学者，她成功地将一门古老的传统技艺，用现代的、易于理解的语言重新结构了一遍。

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这本书的启发性远远超出了技艺本身，它更像是一部关于创造力和耐心哲学的著作。在反复浸染和等待的过程中，作者穿插了许多关于‘接受不完美’和‘与材料对话’的思考片段。这些文字并非冗余的填充，而是恰到好处地提醒读者，扎染的魅力就在于它的不可复制性——你永远无法完全预测下一次的图案会是什么样子。这种对‘失控之美’的拥抱，让人在快节奏的现代生活中找到了一种慢下来的节奏感。我读完之后，感觉自己看待事物的方式都产生了一些微妙的变化，开始更加注重过程中的体验和偶然的惊喜，而非仅仅是追求最终的结果。这本书对于所有从事手工艺术创作的人来说，都是一次精神上的洗礼。

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这本书的装帧设计真是没得挑。封面那种深沉的靛蓝色调，配上细腻的扎染纹理，光是看着就让人心生宁静，仿佛能闻到空气中微微的植物染料的气息。内页的纸张选择也非常考究，那种微微哑光的质感，使得即便是色彩饱和度很高的图片，看起来也毫无刺眼感，非常适合长时间翻阅。我尤其欣赏它在版式布局上的用心，文字的排布疏密得当，留白的处理极具东方美学的韵味。每一页的设计都像是精心策划的一场视觉体验，不仅仅是知识的载体，更像是一件可以收藏的艺术品。对于一个对书籍美感有要求的人来说，光是把它摆在书架上，就已经是一种享受了。尤其是那些展示成品图的部分，摄影师的功力可见一斑，那些光影的捕捉，将手工扎染那种独有的随机性和深度完美地呈现了出来，让人忍不住想要立刻上手尝试。

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实践操作部分的详尽程度，简直是手把手教学的典范。我尝试了书里介绍的几种基础捆扎法，即便是像我这种零基础的新手，也能很快上手，并且取得了令人惊喜的效果。关键在于，作者对于“关键点”的描述异常到位，比如绑扎松紧度的细微差别如何影响最终的扩散效果，染液温度的控制对固色的重要性，这些都是新手常常会忽略但又至关重要的细节。图解的清晰度毋庸置疑，每一个步骤都有对应的照片支撑，而且这些照片不是那种摆拍的完美造型，而是真实操作中会遇到的状态，这让人倍感亲切和真实。我特别喜欢它关于“如何处理未完全固色的区域”那一节，给出了非常实用的应急和补救方案，这大大降低了初学者的挫败感。

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关于材料选择和染料配比的章节，是这本书的另一大亮点，它体现了作者对可持续性和自然工艺的尊重。书中详细列举了各种天然染料的提取和使用方法，从蓝草（靛蓝）到苏木、洋葱皮等，每种材料的最佳媒染剂都有详细的表格对比，非常科学。更难能可贵的是，它没有将焦点仅仅放在传统靛蓝上，还探讨了现代环保型化学染料在控制色度和持久性上的应用，这使得这本书既尊重传统，又具有面向未来的实用性。这种对‘染料化学’的深入浅出讲解，让整个过程不再是玄学，而是一门可控的科学实验。我根据书中的指导配置了一次染液，其均匀度和上色效果，明显优于我之前随意摸索时达到的效果。

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