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出版者:Columbia Univ Pr

作者:Street, Sarah

出品人:

页数:144

译者:

出版时间:2002-2-15

价格:155.00

装帧:Pap

isbn号码:9781903364185

丛书系列:

图书标签:

• 电影
• 时尚
• 服装设计
• 电影
• 戏服
• 时尚
• 文化
• 历史
• 视觉艺术
• 电影制作
• 服装史
• 流行文化

服装与电影：银幕上的无声叙事 本书聚焦于服装在电影叙事中所扮演的核心角色，探索设计师如何通过色彩、剪裁和材质的精心选择，塑造角色身份、推动情节发展，并营造特定的时代氛围与情感基调。 第一部分：服装的语言学——角色的第二层皮肤 引言：银幕上的无声宣言 电影，作为一种视觉艺术，其叙事力量很大程度上依赖于观众通过眼睛捕捉到的信息。在所有视觉元素中，服装无疑是最直接、最能引发共鸣的载体之一。它超越了单纯的遮蔽身体的功能，成为一种复杂的符号系统，一种角色的“第二层皮肤”。本书的第一部分将深入剖析服装语言学的基本原理，揭示设计师如何利用非语言线索，在角色开口说话之前就完成人物的塑造。 第一章：身份的构建与重构 服装是身份最外显的标志。从社会阶层、职业到地域文化，每一种选择都携带着特定的社会意义。 阶层烙印： 探讨经典好莱坞黄金时代（1930s-1950s）中，服装如何精准划分贵族与平民的界限。研究特定面料（如丝绸、羊毛）和剪裁（如紧身胸衣、垫肩）如何象征权力与财富的积累。以《了不起的盖茨比》为例，分析爵德·杰伊·盖茨比通过其华丽却略显格格不入的服饰，试图购买的社会地位与他实际身份之间的微妙张力。 职业的代码： 审视制服与职业装在电影中的符号学意义。警察的制服象征着秩序与潜在的压迫；医生的白大褂代表着专业与疏离。分析这些服装代码如何被故意打破，以暗示角色对现有规范的反叛或其内心的矛盾。 文化与亚文化： 考察电影如何利用服装描绘特定的次文化群体。从詹姆斯·迪恩时代的牛仔夹克和白T恤所代表的青春躁动，到朋克运动中安全别针和皮革的颠覆性表达，服装是如何成为群体身份认同的旗帜？ 第二章：色彩心理学与情感投射 色彩是服装中最直接的情感触发器。本章聚焦于电影制片厂如何利用调色板来管理观众的情绪体验。 情绪的色谱： 深入分析红色（激情、危险）、蓝色（忧郁、冷静）和绿色（自然、嫉妒）在不同文化和电影语境下的语义漂移。研究特定场景中，服装色彩与灯光和场景色彩的相互作用，如何放大或削弱角色的内心状态。 黑白电影中的层次感： 即使在没有彩色的媒介中，服装的明暗对比（色调）也同样重要。分析摄影指导与服装设计师如何合作，通过灰阶的过渡来表达角色的道德模糊性或内心的挣扎。 对比与和谐： 探讨角色之间服装色彩的对比设计（如男女主角服装色彩的互补性）如何暗示他们的关系张力或最终的和谐统一。 第二部分：服装的时间旅行者——时代、历史与风格的重现 电影常常将观众带往过去。服装设计师在此过程中肩负着历史学家的责任，必须在“准确性”与“电影感”之间找到一个平衡点。 第三章：历史的精确与艺术的夸张 本章探讨历史服装的还原工作，以及何时、为何需要偏离历史事实。 档案与考据： 介绍研究历史文献、绘画和实物服装的过程。关注特定历史时期（如维多利亚时代、装饰艺术时期）对服装结构、面料和配饰的严格要求。 “感觉像”而非“就是”： 讨论当历史服装过于繁琐或限制演员表演时，设计师如何采用“风格化”的手法——保留核心时代特征，但简化结构或使用现代面料，以服务于电影的节奏和视觉效果。以歌剧式传记片为例，分析其对历史服饰的宏大浪漫化处理。 时代错置的叙事策略： 研究一些电影故意在特定场景中引入“不合时宜”的服装元素，这种手法如何被用来强调角色的异化感、未来主义视角，或作为一种幽默或讽刺的手段。 第四章：风格化与设计师的签名 有些电影的服装是如此具有辨识度，以至于它们本身就成为了电影美学的一部分，甚至超越了电影本身。 类型片的制服： 考察特定电影类型（如黑色电影、西部片、科幻片）对服装的既定要求。例如，黑色电影中女性角色的蛇形剪裁礼服如何成为“蛇蝎美人”的固定符号。 原创与复兴： 分析服装设计师如何从历史中提取元素，并将其转化为具有未来感或高度风格化的新造型。深入剖析伊迪丝·海德（Edith Head）和雅克·德米耶（Jacques Demy）等大师在创造永恒银幕形象时的创新路径。 从T台到银幕： 考察当代电影中时尚品牌与服装赞助的深度融合，这种合作如何影响角色的可信度与影片的商业价值。 第三部分：服装的动态轨迹——情节、蜕变与主题的深化 服装不是静止的布景，它必须随着角色的内心旅程而演变，成为情节的催化剂。 第五章：转变的里程碑 服装变化往往是角色心理转变最戏剧性的体现。 从内到外： 分析主角的“蜕变服装”（Transformation Sequence）。角色从朴素到华丽、从压抑到解放的着装变化，如何标志着他们克服内心障碍或接受新身份的决定性时刻。 服装的遗失与破坏： 探讨当服装被撕裂、弄脏或遗失时所蕴含的叙事含义。在动作片或生存场景中，服装的破损直接映射了角色的生理和精神创伤。 对立面/镜像： 研究通过服装的对比来深化叙事冲突。两个性格截然相反的角色，他们的服装选择如何从一开始就预示了他们的对立，以及他们是否会在最终融合（服装风格趋同）或彻底决裂（服装色彩冲突加剧）。 第六章：服装与电影主题的最终融合 在最成功的电影中，服装不再是附加品，而是与电影主题、场景设计和摄影完美交织的有机体。 环境的渗透： 研究服装如何反映场景的物理环境。沙漠中的风沙如何影响面料的选择；幽闭的室内空间如何通过紧绷的服装强调压迫感。 重复与潜意识： 探讨设计师如何策略性地在不同场景中重复出现某种颜色或图案，以在潜意识层面强化电影的核心主题。例如，一个反复出现的动物图案，可能象征着角色未被驯服的本能。 最后的定格： 分析影片结束时角色的最终造型。这个造型是他们旅程的终点，是对他们经历的最终总结。这个画面是回归本源，还是达到了新的高度？服装在最后的镜头中无声地回答了这个问题。 结语：银幕下的裁缝艺术 本书最后将总结服装设计在现代电影制作中的不可替代性，强调优秀的设计师是沉默的剧作家，他们用针线和布料，为观众讲述了最动人、最持久的故事。

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我购买这本书主要是因为被它的引言深深吸引，那段文字讨论了服装在无声电影时代如何承担起“对话”的功能，这一点在很多同类研究中都被忽略了。阅读完整本书后，我感觉自己像是完成了一次穿越时空的奇幻旅行。它不仅仅是关于银幕上的衣裳，更是一部关于人类自我表达的编年史。书中对不同国家和地区电影产业在服装美学上的差异化处理进行了细致的对比分析，比如东亚电影的极简主义倾向与好莱坞的繁复奢华之间的张力，分析得入木三分。我特别欣赏作者在结尾部分对“数字时代服装的消亡与重生”这一议题的探讨，这触及了当代媒体艺术的核心困境。作者的笔触时而犀利如手术刀，剖析行业弊端；时而又饱含温情，赞美那些被时间掩埋的匠人精神。这本书的排版也极其考究，大量的黑白剧照与精美的彩图穿插得恰到好处，增强了阅读的节奏感和可信度。

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这本书的装帧设计简直是一场视觉盛宴，封面那抹复古的深红和烫金的字体搭配起来，就让人忍不住想一探究竟。我本来是冲着那些关于早期好莱坞黄金时代服装设计师的传记去的，结果发现，这本书的深度远超我的预期。它不仅仅是罗列了哪些电影里穿了什么华服，而是深入探讨了服装设计如何作为叙事工具，如何塑造角色的内心世界和时代精神。比如，书中对某位影史上标志性女星在不同时期造型转变的分析，简直是教科书级别的案例研究。作者的文字功底极为扎实，行文流畅又不失学术的严谨性，引用的资料详实可考，让人对电影制作的幕后复杂性有了全新的认识。我特别欣赏其中几章关于色彩心理学在服装运用上的探讨，那种细腻入微的观察，让你在合上书本后，再看老电影时，都会不自觉地注意到那些微妙的光影和面料的纹理。它让我意识到，一件戏服的诞生，背后凝聚了多少历史研究、人体工程学以及纯粹的艺术灵感。这本书无疑是电影爱好者和服装设计专业人士的案头必备，它提供的洞察力是其他泛泛而谈的时尚史读物无法比拟的。

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我花了整整一个周末沉浸在这本书里，体验感是爆炸性的。我必须说，这本书的论述角度非常刁钻且富有新意，完全颠覆了我之前对“电影服装只是为角色服务的道具”这一刻板印象。它更像是一部社会文化史的侧写，通过服装的变迁，映射出社会思潮和权力结构的更迭。书中对战后欧洲新现实主义电影中那种“刻意去风格化”的服装选择进行了深入剖析，作者的观点是，这种‘朴素’本身就是一种极具政治态度的宣言，是对浮华的拒绝。这种跨学科的解读能力，着实令人佩服。我尤其喜欢它处理那些边缘化群体服装叙事的方式，比如对早期科幻片中未来服饰的探讨，它不仅展示了设计师的想象力，更揭示了当时社会对‘未来’的焦虑与向往。阅读过程中，我好几次停下来，上网去搜索书中提到的那些鲜为人知的幕后照和概念草图，每一次搜索都印证了作者描述的准确性和深刻性。这本书的价值在于，它提供了一套全新的工具和框架，去“阅读”影像中的视觉语言。

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说实话，我最初对这本书的期待值并不高，以为又是那种堆砌名人轶事的通俗读物。但事实证明，我大错特错了。这本书的学术底蕴是毋庸置疑的，但它的表达方式却极其富有个人色彩和强烈的批判精神。作者对电影工业化流程中“艺术牺牲”的讨论，非常大胆且不留情面，尤其是在描述制片厂制度下服装设计师的创作自由受到的限制时，那种为艺术呐喊的激情跃然纸上。我尤其对书中收录的几次对已故服装大师的访谈记录非常感兴趣，那些只言片语中透露出的行业潜规则和创作哲思，是任何官方宣传资料都无法获得的珍贵信息。这本书迫使我重新审视许多我过去认为理所当然的经典银幕形象，去追溯其服装背后的社会动力和美学流派。它不是一本让你看完就束之高阁的书，更像是一本需要时常翻阅、不断思考的工具书，每一次重读都能发现新的层次和隐藏的意义。

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坦白讲，我对这类涉及大量艺术史和技术细节的著作通常抱持着敬而远之的态度，因为很多时候它们读起来像干巴巴的学术论文。然而，这本书完全没有这种枯燥感。作者的叙事节奏掌握得极好，即使是讲解复杂的面料染色技术或立体剪裁原理时，也能用生动形象的比喻将复杂的概念清晰地传达出来。比如，书中描述某位服装设计师如何利用轻微的褶皱来暗示角色内心的挣扎，那种文字的画面感，简直可以与电影镜头本身媲美。我发现自己不再是被动地接受信息，而是主动地在脑海中构建出那些服装在特定光照下的动态效果。它在专业性与可读性之间找到了一个近乎完美的平衡点。对于我这种半路出家的电影迷来说，它填补了我知识体系中的巨大空白。它没有故作高深，而是真诚地邀请读者进入一个充满创造力和历史厚重感的领域，引导我们用更挑剔、更欣赏的眼光去看待每一部电影的服化道部门所付出的心血。

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