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A cross between Indiana Jones and Timothy Leary, Harvard botanist Schultes explored the farthest reaches of Amazonia in the middle decades of the 20th century and discovered hundreds of new plant species, including a number of hallucinogenic plants that helped spark the psychedelic revolution of the 1960s. He took peyote with Kiowa medicine men for his undergrad thesis, and after that he was never too sick, crippled or pressed for time to detour miles through the rainforest to ingest an unfamiliar hallucinogen in a shamanic ritual. He even fixed up William Burroughs with some ayahuasca "vision vine," thanks to which the beat demigod "achieved pure bisexuality, becoming a man or a woman at will, awash with wild convulsions of lust." Schultes was also a talented amateur photographer, and this engaging biographical essay, adapted by ethnobotanist Davis (The Serpent and the Rainbow) from his full-length biography, is paired with gorgeous reproductions of Schultes’s black-and-white photographs from his travels among the Amazonian Indians. The photos include well-observed anthropological documents of Indian rituals and crafts, candid shots of everyday life and romantic photos of towering mesas, thundering falls and mist-shrouded rivers. The result is an absorbing biographical and visual record of a quickly vanishing culture and landscape and a larger-than-life explorer of exterior and interior terrains.
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*Starred Review* Schultes (1915-2001), of Harvard University, was a plant explorer and expert in sacred hallucinogenic plants. He was also, according to one of his proteges, ethnobotanist Davis, "a lover of all things Indian and Amazonian." Davis presented an in-depth portrait of his mentor in One River (1996) and now reveals another facet of this remarkable pioneer, Schultes' gifts as a field photographer. Schultes took hundreds of photographs of the northwest Amazon between 1941 and 1953, using a Rolleiflex twin-lens reflex camera, which, as Davis so astutely observes, required the photographer to hold the camera at waist height and gaze down into it, thus bowing to one's subject. This posture of respect is in keeping with Schultes' sense of reverence and wonder, a quality palpable in his striking black-and-white photographs of Amazonians and their magnificent and mysterious world. An exhibition based on the book is touring the country, and with a foreword by another of Schultes' students, Andrew Weil, and Davis' illuminating commentary, The Lost Amazon stands as a keystone volume in the history of the Amazon. Donna Seaman
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坦白说，我很少能读完一本这么厚的艺术类书籍而不感到枯燥，但这本书的引人入胜程度堪比一部精彩的小说。我最欣赏的是作者在处理沃霍尔复杂的私人生活和公众形象之间的张力时所展现出的平衡感。他没有过度美化沃霍尔的同性恋身份在当时社会背景下的挑战，也没有将他的某些行为浪漫化，而是用一种近乎新闻调查的严谨态度去呈现事实。书中关于他早年作为商业插画师的经历，以及他如何利用那个时期的经验来为后来的艺术事业铺路，这一段的论述尤为精彩。它揭示了沃霍尔是如何精心策划自己的“无聊”和“空虚”，将其转化为一种强大的、具有辨识度的品牌。每一章的过渡都处理得非常自然，仿佛导览员正带着你穿梭于不同的展厅，一会儿是闪耀着灯光的画廊，一会儿又是昏暗的电影拍摄现场。对于那些想了解艺术如何从精英主义的象牙塔中解放出来，并被大众市场所接纳的读者来说，这本书提供了详实且富有洞察力的案例研究。
评分这本关于沃霍尔的传记简直是艺术史爱好者的一场视觉盛宴。作者显然对波普艺术的整个生态系统有着深刻的理解，不仅仅停留于表面对“金宝汤”罐头和玛丽莲·梦露肖像的描摹。我尤其欣赏他如何细致地剖析了安迪在七十年代末到八十年代初的转变期，那段他从地下丝绒的边缘世界逐渐进入主流商业画廊的微妙过程。书中对“工厂”内部权力动态的描述，那种既充满创意又暗含着控制与剥削的复杂关系，被刻画得入木三分。你仿佛能闻到那个时代特有的烟草味和廉价香水的混合气息，感受到那些围绕在他身边的超现实主义人物的能量。更难得的是，作者没有将沃霍尔塑造成一个完美无瑕的先知，而是直面了他性格中的疏离、对名望近乎病态的渴望，以及那种刻意的、仿佛永远带着面具的冷漠。读完后，我对这位艺术巨匠的理解不再是教科书上那一板一眼的符号，而是一个活生生的、充满矛盾和计算的个体。对于任何想深入了解波普文化和战后美国艺术商业化进程的人来说，这本书提供了极其丰富且多维度的视角，远超出一本简单的艺术家传记所能承载的深度。
评分我一直以为自己对安迪·沃霍尔的了解已经足够多了，毕竟那些标志性的图像太深入人心了。然而，这本书的叙事节奏和视角转换简直令人耳目一新。它没有采用那种线性的、从童年到死亡的平铺直叙，而是像一个迷宫，用碎片化的、近乎电影蒙太奇的方式来重构沃霍尔的精神世界。比如，书中花了大量篇幅去探讨他如何将“印刷品”的概念引入绘画，这不仅仅是技法上的创新，更是对“原创性”这一艺术界核心价值的颠覆性挑战。作者的文笔极其精准，尤其在描述沃霍尔对媒体和名人文化的痴迷时，那种冷静的观察中带着一丝讽刺的幽默感，让人忍俊不禁。这本书的独特之处在于，它将沃霍尔的商业头脑和他的艺术哲学视为一个统一体，而非割裂的两面。阅读过程中，我反复停下来思考，究竟是艺术成就了他对商业的掌控，还是他那超乎寻常的商业嗅觉让他得以在艺术界占据如此高的地位。它不仅仅是一本关于艺术家的书，更像是对现代社会如何制造和消费“偶像”的深刻社会学分析报告。
评分这本书的学术深度和阅读的愉悦感达到了一个罕见的平衡点。让我印象极其深刻的是，作者没有回避沃霍尔创作过程中与助理们，特别是那些参与电影制作的年轻人的关系。那些充满实验性质的、往往对观看者不太友好的早期电影作品，在书中得到了细致的影像分析，这让我对沃霍尔作为电影制作人的身份有了全新的认识。他对于时间流逝和日常琐碎的捕捉，那种近乎于折磨的慢镜头，不再是故弄玄虚，而是被解读为对消费主义社会“即时满足”的有力反抗。此外，作者还巧妙地将沃霍尔置于更广阔的当代文化语境中，对比了他与杜尚、甚至后来的赛博朋克文化的关联。这本书的排版和插图选择也极其用心，那些未曾公开发表的照片和手稿片段，极大地增强了文本的说服力。阅读过程中，我感觉自己不仅仅是在了解一个艺术家，更像是在参与一场关于艺术、商业和身份政治的深度研讨会。它迫使你重新审视那些你以为已经定论的艺术史观点。
评分这本厚重的著作，与其说是在描绘安迪·沃霍尔，不如说是在解剖美国梦在后工业时代的扭曲形态。我个人最喜欢的部分是它对“批量生产”理念的哲学探讨。书中非常清晰地阐述了沃霍尔如何将工厂模式引入工作室，这不仅仅是效率的提升，更是一种对“手工制作的神圣光环”的彻底摧毁。作者用一种近乎冷峻的笔调，分析了沃霍尔如何成功地将自己的“非艺术性”转化为艺术本身。书中对沃霍尔与日本、欧洲艺术圈的互动也有细致的描绘，这打破了以往很多美国艺术史著作中只聚焦于纽约本土发展的局限。阅读起来，你会发现沃霍尔的每一次亮相、每一句格言，都是经过深思熟虑的表演。它揭示了“名人”身份是如何被设计、包装和出售的。这本书的论证逻辑严密，引用了大量一手资料，让读者在享受流畅阅读体验的同时，也能感受到其背后坚实的学术支撑。对于任何对当代视觉文化和名人崇拜现象感兴趣的人来说，这是一部不容错过的里程碑式的作品。
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