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出版者:St Martins Pr

作者:Wu, Duncan (EDT)

出品人:

页数:264

译者:

出版时间:

价格:16.95

装帧:Pap

isbn号码:9780312233723

丛书系列:

图书标签:

• 戏剧
• 剧本创作
• 舞台剧
• 表演
• 戏剧文学
• 戏剧史
• 戏剧理论
• 戏剧分析
• 文学
• 艺术

好的，以下是一本名为《Making Plays》的书籍的简介，该简介侧重于其内容，避免提及《Making Plays》本身，并力求详尽自然： 《舞台的魔力：剧本创作与表演的艺术》 本书深入探索了戏剧艺术的精髓，为有志于投身舞台艺术的创作者和表演者提供了一套全面而实用的指南。我们旨在揭示从最初的灵感火花到最终舞台呈现的复杂而迷人的过程，涵盖了剧本结构、角色塑造、舞台调度、以及如何与演员和技术团队有效协作的方方面面。 第一部分：构思与蓝图——戏剧的骨架 在戏剧创作的初期阶段，一个坚实的概念是成功的基石。本书首先探讨了主题的提炼与概念的深化。我们分析了不同流派的叙事模式，从古典的悲剧结构到现代的碎片化叙事，帮助作者找到最适合其思想表达的框架。 冲突的构建是戏剧的生命线。本部分将详细拆解冲突的层次性——内在冲突、人际冲突与环境冲突。我们提供了一系列工具，用于识别和放大驱动剧情发展的核心矛盾，确保每一幕的张力都能持续累积，而非简单地重复。 剧本的结构与节奏是控制观众体验的关键。本书不拘泥于传统的“三幕式”窠臼，而是探讨了更具灵活性的结构设计，例如“五点结构”或“循环叙事”。更重要的是，我们关注场景的节奏感：一个场景如何开始、如何发展、以及如何以最具冲击力的方式结束，以保证观众始终被剧情牢牢吸引。我们将剧本视为一种音乐，分析“安静的乐章”与“高潮的爆发点”如何交织，形成富有层次的听觉与视觉体验。 第二部分：角色的血肉——塑造栩栩如生的人物 戏剧的灵魂在于角色。本书将角色塑造提升到心理学和人类行为学的层面进行剖析。 深层动机的挖掘：我们引导创作者超越角色的表层行为，去探究其潜藏的恐惧、欲望和未竟的承诺。通过详细的角色档案建立法，作者可以构建出具有自洽逻辑和内在矛盾的复杂人物。这包括对角色背景故事（Backstory）的精细处理，以及如何让这些背景故事在不依赖冗长独白的情况下自然地渗透到对话和动作中。 对话的艺术：优秀的对话不仅是信息的传递工具，更是角色个性的体现。本书批判性地分析了“信息倾泻式”对话的弊端，强调潜台词（Subtext）的重要性。我们探讨了如何让角色“欲言又止”，让观众从角色没有说出口的话中解读出真实的意图。书中提供了大量的练习，专门训练如何用简洁、独特且符合角色身份的口吻来撰写台词。 动作与肢体的语言：在舞台上，肢体语言往往比语言本身更有力量。本书探讨了如何将角色的心理状态转化为具体的舞台动作（Stage Business）。从一个习惯性的手势到一个犹豫的转身，这些动作如何与角色的内心活动形成共振，从而增强表演的真实感和深度。 第三部分：空间与感知——舞台的物理学与美学 戏剧的实现离不开对表演空间的有效利用。本部分聚焦于舞台设计、灯光和声音如何共同构建一个沉浸式的戏剧世界。 空间叙事：我们审视了不同舞台形式（镜框式、伸展式、黑匣子）对叙事的影响。如何在有限的空间内暗示广阔的背景？如何利用舞台的层次感和景深来引导观众的视线，并强化角色之间的权力关系？本书提供了大量的案例分析，展示空间设计如何成为一个非语言的叙事角色。 灯光作为情绪的调色板：灯光不仅仅是照明，它是情绪的催化剂。我们详细介绍了灯光设计的基本原理，从色温的选择到光束的角度，以及如何通过光影的变化来标记时间流逝、转换场景情绪，乃至象征角色的精神状态。书中的章节专门讨论了“无光之境”的运用，即黑暗本身如何成为一种戏剧性的工具。 音效与音乐的融合：声音设计在现代戏剧中扮演着日益重要的角色。本书探讨了如何策略性地使用环境音、音效，以及原创或既有音乐，来烘托气氛、推动情节或表达角色的内心独白，避免音乐和音效成为分散注意力的元素，而是成为叙事强有力的延伸。 第四部分：排练场与首演——从文本到现场 剧本的最终生命力体现在排练和演出中。本部分侧重于合作的艺术和临场应变的智慧。 导演与剧作者的对话：本书强调了剧作者与导演之间有效沟通的重要性。如何解读导演对文本的初次反馈？如何保持对原始愿景的忠诚，同时允许文本在排练过程中“呼吸”和演变？我们提供了关于有效反馈循环的实用建议。 演员的融入与调校：了解演员的工作方法是至关重要的。我们探讨了如何撰写清晰、富有启发性的舞台指示（Stage Directions），以便为演员的创造性探索留出空间。书中包含了关于如何进行角色冲突的“即兴工作坊”，以及如何利用排练时间来打磨场景的化学反应。 应对现场的不可预测性：舞台演出充满变数。本书提供了应对技术故障、演员忘词或观众反应出乎意料的“预案思维”。我们探讨了“第四堵墙”的微妙性，以及如何将现场的能量转化为积极的舞台张力，确保每一次演出都成为独一无二的艺术事件。 本书面向所有对剧本创作、戏剧导演、舞台表演及戏剧理论感兴趣的人士，旨在提供一个既富含理论深度又极其实用的实践蓝图，帮助读者真正掌握将文字转化为舞台奇观的全部技艺。

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这本书的结构布局处理得相当巧妙，完全没有那种传统学术著作的刻板和僵硬。它仿佛是精心编排的一部多幕剧，每一部分都有其独立的功能，但彼此之间又通过某种看不见的线索紧密相连，形成一个有机的整体。开篇部分如同序幕，迅速将读者带入情境，激发了强烈的好奇心；中间部分则是主体演出，内容层层递进，逻辑严密得像是精密计算过的齿轮，确保了论点的稳固推进；而收尾部分，则像是一场精彩的谢幕，既总结了核心思想，又留下了引人深思的余韵。我尤其欣赏作者在不同议题之间切换时所采用的过渡手法，它不是生硬地转折，而是像舞台灯光从一束聚焦变为另一束，自然而然地引导读者的注意力。这种行云流水的组织方式，让阅读过程充满了探索的乐趣，让人迫不及待地想知道下一页会揭示什么新的精彩。

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坦白讲，这本书带给我的实用价值，超乎了我的初始预期。我原本以为这会是一本纯理论的书籍，但它在讲述“是什么”的同时，花费了大量篇幅来探讨“如何做”。书中提供的那些具体的案例分析，详尽到令人咋舌的程度，仿佛作者将自己多年的实践经验，毫无保留地打包送给了我们。当我尝试将书中的一些方法论应用于我正在进行的项目时，那种“豁然开朗”的感觉是无法用言语形容的。它不只是提供了一套操作手册，更重要的是，它训练了我的“眼光”，让我学会了如何去观察、去预判、去设计那些决定成败的关键节点。这本书的存在，就像是为我配备了一个虚拟的、经验丰富的导师，时刻在我耳边低语，指引着我避开那些常见的陷阱。这种立竿见影的反馈和指导性，是很多同类书籍所不具备的宝贵品质。

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我花了整整一个下午的时间沉浸在它的文字世界里，那种叙事的流畅度和节奏感简直是教科书级别的示范。作者的笔触如同一个技艺精湛的指挥家，时而激昂，时而低回，将那些看似平淡无奇的生活片段，描绘得惊心动魄。他对于人物心理的刻画细腻入微，那种矛盾、挣扎和最终的释然，都处理得恰到好处，让人读到某一处时，会忍不住停下来，深吸一口气，仿佛自己也成了那个在舞台中央呼吸的角色。最让我称奇的是，作者似乎有一种魔力，能将抽象的理论具象化，那些关于结构、张力和情感连接的讨论，不再是枯燥的术语堆砌，而是通过鲜活的案例和生动的比喻，一下子就清晰地在脑海中构建起来。读完一个章节，我感觉自己不只是获取了信息，更像是经历了一场心灵的洗礼，那种被文字的力量完全包裹、推动的感觉，真是太棒了。

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这本书的封面设计简直是一场视觉盛宴，色彩的搭配大胆而富有层次感，那种深沉的靛蓝与跳跃的亮橙色在视觉上形成了强烈的冲击，让人一眼就挪不开目光。我尤其喜欢封面上那些仿佛用老式打字机敲出来的艺术字体，它们带着一种时间的厚重感和舞台特有的戏剧张力。装帧的质感也无可挑剔，那种微磨砂的触感，握在手里沉甸甸的，预示着里面蕴含的内容绝非等闲之辈。内页的纸张选择也非常考究，泛着淡淡的米黄色，既护眼又显得高级，使得阅读体验得到了极大的提升。光是捧着它，就仿佛已经走进了那个充满汗水、灯光和幕布拉开的瞬间。这本书的物理形态本身，就是对“精彩瞬间”的一种精心雕琢，它不仅仅是知识的载体，更像是一件值得收藏的艺术品。那种对细节的极致追求，从外壳到内里的每一处都体现得淋漓尽致，足见出版方在制作过程中投入了多少心血。

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从一个长期关注这个领域的人的角度来看，这本书的深度和广度都达到了一个令人敬佩的高度。它不像市面上很多肤浅的入门读物那样只停留在表面概念的罗列，而是敢于深入到那些最具争议性、最复杂的核心问题中去剖析和解构。作者不仅对历史脉络了如指掌，更对前沿动态保持着敏锐的触觉，将经典的理论与最新的实践经验完美地融合在一起。更难能可贵的是，书中并未预设立场，而是采取了一种近乎严谨的科学态度，展示了不同的观点和流派，鼓励读者独立思考，而不是盲目接受既定的结论。这种开放性和批判性思维的培养，远比单纯传授知识更有价值。每次当我以为自己已经把握了某个概念时，作者总能通过一个独特的视角或一个未曾考虑过的角度，让我对全局产生更深一层的理解，这才是真正有力量的著作。

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