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出版者:Bobcat Books

作者:Neville Marten

出品人:

页数:336

译者:

出版时间:2007-9-30

价格:USD 17.95

装帧:Paperback

isbn号码:9780825673511

丛书系列:

图书标签:

• 摇滚乐
• 英国摇滚
• The Kinks
• 音乐史
• 摇滚乐队
• 流行音乐
• 文化
• 音乐
• 60年代
• 摇滚

《时光碎片与不朽旋律：一部跨越世纪的音乐史诗》 内容简介 这部厚重的卷册，并非专注于某一个特定的乐队或音乐流派，而是一次对二十世纪下半叶，特别是六十年代英伦摇滚浪潮兴起及其后数十年间音乐文化变迁的宏大叙事。它以一种近乎人类学田野调查的严谨态度，剖析了音乐如何从一种边缘的娱乐形式，逐渐渗透、重塑并定义了一整代人的集体记忆与身份认同。 本书的叙事主线，围绕着一个核心命题展开：在技术革新（如立体声录音、合成器的普及）和社会结构剧烈动荡（反战运动、民权斗争、青年文化的崛起）的背景下，流行音乐是如何成为时代精神的放大器和记录者？ 第一部分：战后余晖与节奏的觉醒（1945-1963） 开篇追溯了二战后，美国南部布鲁斯和乡村音乐如何通过跨大西洋的无线电波，抵达英国的港口城市和工业城镇。这里详尽描绘了“学徒一代”——那些在煤矿、工厂和码头边成长的年轻人，如何被这种原始、充满张力的音乐所吸引。 作者并未直接提及任何具体的乐队，而是着墨于一种“声音的饥渴”。重点分析了英国本土音乐产业的结构性缺陷：唱片公司对美国黑人音乐的刻意淡化，以及本土流行乐坛的保守倾向。在此背景下，一批批充满激情的年轻人开始自发组织，模仿那些“粗糙的”美国黑人音乐，而非洗练过的英式流行歌。这种模仿本身，蕴含着一种对既有秩序的无声反抗。 详细探讨了“地下室场景”的形成：在狭小的俱乐部、教堂的地下室以及大学社团里，乐器配置的演变，从简单的两把吉他加一套鼓，到后来逐渐加入贝斯和更高保真的放大设备，每一次设备升级都对应着一次音量和情感表达的质感飞跃。 第二部分：不列颠入侵与文化震荡（1964-1970） 本书将重点转向文化输出与反思。这不是关于某个乐队如何征服美国，而是关于“入侵”这一行为本身对文化权力结构的颠覆。 详细考察了文化“反向移植”的机制：英国青年吸收了美国音乐的精髓后，通过自身的阶级体验和对社会现象的尖锐观察，将其提炼和反刍，再以更具侵略性的姿态返销给美国。 一个重要的章节专门分析了“作词”的革命。在那个年代，歌词开始从单纯的爱情叙事，转向对社会阶级、都市疏离感、消费主义批判的深刻反思。作者引入了大量关于词曲作者的创作哲学分析，探讨他们如何巧妙地将日常的、本土的英式幽默和尖刻的观察，融入到跨文化的摇滚蓝图中。书中呈现了对创作工具的细致观察，例如特定的录音棚环境如何塑造了声音的质地，以及早期立体声混音技术如何被用来营造“空间感”和“心理深度”。 第三部分：从单曲到概念的演变（1971-1980） 随着七十年代的到来，音乐的载体——LP唱片——成为了艺术表达的主流。本部分深入剖析了“专辑”作为一种完整艺术品的概念是如何形成的。 书中详尽描述了制作人（Producer）这一角色的权力上升。他们不再是简单的技术操作员，而是声音的建筑师。大量的篇幅用于解析特定的录音技术和声学原理，比如如何利用多轨录音的复杂叠加来创造宏大的“壁垒式音墙”，以及如何通过精心的编曲设计（如管弦乐的加入、实验性的音效拼贴），来构建一个自洽的、宏大的音乐世界观。 此外，本卷还涉及了乐队结构和商业模式的转变。面对成本的高昂和艺术追求的压力，乐队如何在保持创作独立性与满足主流唱片公司期望之间艰难平衡。通过对当时乐评界的文献梳理，展现了评论家们对这种“艺术化”的摇滚乐所持有的复杂态度——既惊叹于其复杂性，又警惕于其可能走向自我沉溺。 第四部分：新浪潮的冷静与后朋克的反思（1980年代及以后） 随着合成器和数字技术进入主流，音乐的“重量感”开始消退，取而代之的是一种更具技术精确性和讽刺意味的表达。本部分着眼于音乐对“真实性”的重新定义。 探讨了数字采样和鼓机如何改变了音乐的节奏基础，使音乐在保持高能量的同时，疏离了传统乐队配置带来的“手作感”。这引发了音乐社群内部关于“什么是真摇滚”的激烈辩论。 作者以精妙的笔触描绘了那些对过度炫技的七十年代摇滚进行反叛的音乐人，他们回归到更简洁、更直接的音乐结构中，但其歌词中蕴含的政治和社会批判的力度却丝毫不减。这种回归简约的背后，是更深层次的对社会现状的厌倦和疏离感的表达。 结语：未完待续的回响 本书的收尾部分，并非对某一特定音乐现象的总结，而是探讨了音乐遗产的“重读”过程。在数字时代，音乐的传播方式彻底改变，但那些结构复杂、具有时代印记的经典作品，如何依然能够穿透媒介的更迭，持续影响新一代的创作者？作者强调，真正的音乐史，不是某一首热门单曲的排行榜记录，而是隐藏在那些宏大叙事背后，无数次技术尝试、歌词打磨、以及现场演出的汗水与挫折之中，构筑起来的时代声音肌理。 本书旨在提供一个宏观的文化框架，理解音乐是如何作为一种复杂的社会文本被创作、被消费、最终被历史铭记的，其深度和广度远超任何单一团体的传记所能涵盖的范围。

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这本书的语言风格实在太“英式”了，有一种独特的、略带冷峻的幽默感和一种对传统体系的疏离感，与书中描绘的乐队气质完美契合。作者的句子结构常常出人意料，时而长句如河流般倾泻而下，详述某个复杂的社会文化背景，时而又突然蹦出极短、极其犀利的评论，像一把锋利的刀子精准地切入要害。比如在描述某次巡演的混乱场面时，文字中流露出的那种对“秩序”的反叛和对“非主流”的拥抱，隔着纸页都能感受到那股桀骜不驯的劲头。而且，作者对当时英国社会思潮的捕捉极为精准，他没有孤立地看待音乐本身，而是将其置于战后重建、阶级固化、青年文化觉醒的大背景下进行解读。这使得这本书的价值远远超越了一本简单的音乐史，它更像是一部关于身份认同和亚文化崛起的社会切片。每一次翻阅，都能发现一些之前忽略掉的微妙的文化符号，让人忍不住想去深究那个年代的流行文化究竟是如何相互作用、彼此塑造的。

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说实话，我一开始对这类关于老牌摇滚乐队的传记类书籍是持保留态度的，总觉得它们难免落入“粉丝向”的赞美陷阱，缺乏必要的批判性视角。然而，这本书彻底颠覆了我的看法。它不仅仅是在歌颂辉煌，更深入地挖掘了乐队内部的张力与矛盾，那种艺术创作过程中必然伴随的自我怀疑和彼此间的摩擦，都被作者毫不留情地剖析开来。我特别欣赏其中关于词曲创作过程的章节，作者似乎获取了大量一手资料，详尽地描绘了某个著名单曲诞生的曲折历程——从最初一个模糊的灵感片段，到乐队成员之间关于编曲风格的激烈争论，再到最终成品呈现出的那种看似随意实则精心打磨的平衡感。这种对创作“幕后”的深度挖掘，使得我对乐队成员的形象立体了不少，他们不再是舞台上高高在上的偶像，而是一群在时代洪流中努力寻找自己声音的、有血有肉的创作者。阅读过程中，我多次停下来，上网去重温那些被提及的专辑，带着新的理解去重新审视那些熟悉的和弦走向，体验到了完全不同的层次感。

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我对这本书的学术严谨性表示由衷的赞叹。尽管它读起来非常流畅、引人入胜，但其背后支撑的考证工作显然是极其庞大和扎实的。书后附带的注释和参考书目清单非常详尽，显示出作者不仅仅是靠“感觉”来写作，而是基于大量的档案、采访记录以及早期的音乐评论进行交叉验证的。我特别留意了关于乐队早期录音设备和录音棚环境的描述，那种对技术细节的精准引用，让我这个业余爱好者也能感受到当年录音条件的艰苦与创造力的碰撞。尤其值得称道的是，作者在引用早期访谈录音时，总能恰到好处地给出背景解释，避免了读者因信息不对称而产生的理解障碍。这本著作的优点在于，它成功地搭建了一座桥梁，连接了严肃的音乐研究者和渴望了解深层内幕的普通听众，使得这本书既有扎实的资料库价值，又不失可读性，达到了一个极高的平衡点。

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这本书最让我感到惊喜的地方，在于它对“音乐性”之外的叙事维度进行了拓展。它并未将焦点仅仅停留在歌曲的成功与否上，而是花了大篇幅去探讨乐队成员在个人生活、媒体关系以及商业运作中所面临的困境。尤其是关于知识产权和版税分配的那些章节，读起来让人唏嘘不已，深刻体会到艺术创造者在面对商业巨头时往往处于多么弱势的地位。作者将这些商业上的拉锯战描绘得如同史诗般跌宕起伏，展现了理想主义的音乐人如何在商业泥潭中挣扎求存。此外，书中关于巡演后勤、乐器损坏、以及与歌迷之间复杂情感纽带的描写，都极大地丰富了我们对一个“摇滚团体”这一实体的理解——它不仅是四个（或更多）人的音乐集合，更是一个小型企业、一个漂泊的家庭、一个文化符号的载体。读完后，我对自己曾经那些“理所当然”听到的经典曲目，产生了更深层次的敬意和共情。

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这本书的装帧设计真是让人眼前一亮，那种复古的米黄色纸张，带着淡淡的油墨香气，瞬间就把人拉回了六七十年代的英伦街头。我尤其喜欢封面那种粗粝的印刷质感，仿佛能触摸到那个时代音乐人汗水和躁动的气息。内页的排版也处理得非常巧妙，大量珍贵的黑白照片穿插在文字之间，那些定格的瞬间，无论是乐队成员在录音室里专注调试设备的侧影，还是他们在舞台上狂野不羁的表演姿态，都传递出一种未经修饰的真实感。文字部分，作者的叙事手法非常细腻，他没有采用那种平铺直叙的流水账式记录，而是像一个资深的乐迷在跟你娓娓道来他聆听和研究这段历史的心得。他对音乐的分析深入浅出，即便是对初次接触这个流派的人，也能很快抓住其音乐的精髓和它在时代背景下的重要性。读起来完全不像在“阅读”一本严肃的音乐史，更像是在翻阅一位老友多年珍藏的私人剪报集，充满了情感的温度和历史的厚重感。书的后记部分，作者对后世摇滚乐的深远影响进行了简短却有力的总结，让人在合上书本后，仍旧能在脑海中回荡着那些经典旋律的余音。

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