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出版者:Putnam Pub Group

作者:Eric Carle Museum of Picture Book Art/ Carle, Eric (INT)/ Carle, Eric (ILT)

出品人:

页数:112

译者:

出版时间:2007-9-25

价格:$30.00

装帧:HRD

isbn号码:9780399246005

丛书系列:

图书标签:

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具体描述

In this remarkable and beautiful anthology featuring the likes of Maurice Sendak, Robert Sabuda, Rosemary Wells, and Eric Carle, twenty-three of the most honored and beloved artists in childrenas literature talk informally to childrenasharing secrets about their art and how they began their adventures into illustration. Fold-out pages featuring photographs of their early work, their studios and materials, as well as sketches and finished art create an exuberant feast for the eye that will attract both children and adults. Self-portraits of each illustrator crown this important anthology that celebrates the artists and the art of the picture book. An event book for the ages. "Proceeds from the book will benefit the Eric Carle"

雕塑的寂静与喧嚣：光影中的物质精神本书是一部深入探讨雕塑艺术历史、理论与实践的专著，着重分析了物质形态如何承载、表达乃至挑战人类的精神世界与社会观念。它并非一本简单的艺术史教科书，而是一次对“三维空间艺术”本质的哲学叩问。全书结构严谨，层层递进，以材料的演变作为时间轴，辅以关键流派的思辨，旨在揭示雕塑作为一种媒介的独特力量。第一部分：物质的胚胎——早期形态与仪式之声开篇追溯至史前时期，重点分析了旧石器时代的“维纳斯”形象。我们不只是在审视简单的生育符号，而是挖掘其背后对生命力、土地肥力的原始崇拜与具象化需求。作者细致描摹了这些早期造物如何以粗砺的石块或泥土，构建起人类与自然、神祇沟通的桥梁。接着，笔锋转向古埃及与美索不达米亚的纪念碑性雕塑。在这里，雕塑不再是个体表达，而是权力、永恒与秩序的工具。我们考察了法老石像的僵直与对称性，探讨了这种形式如何服务于“不朽”的政治叙事，以及工匠们如何在严格的规范下，实现对理想人格的塑造。古希腊雕塑被视为本书的第一个高潮。从早期的古拙（Archaic）到古典时期的“黄金比例”，再到希腊化时期的情感爆发，我们细致解构了“理想美”的诞生与瓦解。特别关注菲狄亚斯和波留克列特斯的作品，探讨了他们如何通过对人体比例、动态平衡的极致追求，试图捕捉人类的内在精神与理性光辉。作者对“对位法”（Contrapposto）的分析尤为深入，将其视为一种哲学姿态，即身体在运动中的瞬间静止，是理性与激情交锋的视觉体现。第二部分：精神的褶皱——中世纪的叙事场域与文艺复兴的回归中世纪的篇章聚焦于哥特式大教堂的门楣与柱头雕刻。这些作品的功用性远大于纯粹的审美性。本书探讨了这些“石头的布道者”如何通过繁复的浮雕和壁柱雕像，向不识字的民众传达《圣经》的故事。叙事性、寓言性和教化性成为核心驱动力。材质的多样化，如彩绘木雕的引入，揭示了对宗教情感体验层次的追求。文艺复兴的回归，标志着个体性与人文主义的强势崛起。本书认为，多纳泰罗是这场变革的先驱。他的大卫像，不同于米开朗基罗的沉思，是一种对古典裸体语言的复兴，但其内在的脆弱感和青春气息，已然注入了新的世俗情感。米开朗基罗的“未完成品”（Non-finiti）构成了本书一个重要的理论切入点。这些残缺的躯体，如同被囚禁于大理石中的灵魂，挣扎着想要脱离母岩。这种未完成状态，被解读为对人类认知局限性、对艺术理想永难企及的深刻体悟。第三部分：动态的革命——巴洛克、洛可可与学院派的张力巴洛克雕塑是关于运动、戏剧性和感官冲击的。贝尔尼尼被置于核心位置，分析其如何利用大理石的温润性，模拟出肌肤的柔软、头发的飞扬与衣物的翻滚。作品如《圣特蕾莎的狂喜》，不再是静止的纪念，而是被捕捉到的“时间瞬间”——一种极度夸张、直击人心的情感高潮。这种对动态和光影的痴迷，是与反宗教改革时期对信仰热情的重新点燃紧密相关的。与此相对，本书也分析了学院派雕塑（如卡诺瓦）的冷静古典主义回潮，以及洛可可时期对精致、轻盈材质（如瓷器雕塑）的偏爱，探讨了这些风格如何反映了贵族阶层的审美趣味转向。第四部分：切割与重构——现代雕塑的本体论转向进入19世纪末至20世纪初，雕塑经历了最为剧烈的“去物质化”和“去叙事化”的革命。罗丹被视为连接古典与现代的桥梁，他的作品不再追求表面的光滑与理想化，而是通过粗粝的表面和强烈的肌理，展现人类灵魂的内在挣扎与复杂性，例如《地狱之门》的碎片化叙事。现代雕塑的真正飞跃在于材料的解放。立体主义（如布朗库西）的出现，标志着雕塑开始拒绝模仿自然，转向对基本几何形态和纯粹本质的提炼。布朗库西的《空间中的鸟》，是对“飞翔”这一概念的抽象提纯，而非对一只鸟的描摹。 20世纪中期，抽象表现主义和极简主义彻底颠覆了雕塑的传统定义。我们详细考察了卡尔德对“动态雕塑”（Mobiles）的发明，这使得雕塑获得了“时间性”，不再是固定的对象，而是与空气流动发生关系的系统。极简主义者，如唐纳德·贾德，则将雕塑回归到“特定物体”（Specific Object）的层面，强调其物理存在、与展厅空间的关系，以及材料本身的工业属性。雕塑不再是关于“什么”的表达，而成为关于“是何物”的存在论陈述。第五部分：边界的消融与观念的拓扑本书的最后一部分，关注当代雕塑如何模糊了传统媒介的界限。安装艺术（Installation Art）、场地特定艺术（Site-Specific Art）以及新材料（如工业塑料、霓虹灯、甚至数字投影）的大量使用，使得雕塑的概念被无限拓宽。我们分析了艺术家如何利用这些新兴媒介，探讨全球化、消费主义、身体政治和环境伦理等议题。雕塑的“重量”和“持久性”的传统属性受到挑战，取而代之的是其短暂性、可移动性和对感知环境的干预能力。总结而言，本书试图证明，雕塑艺术史本质上是一部人类精神不断寻求具象化表达，并在不同时代背景下，对“物质性”与“永恒性”进行辩证权衡的历史。从刻在岩石上的祈祷，到悬浮于空气中的思辨，雕塑始终是我们理解自身存在的，最直接、最坚实的介质。