Making Music pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

出版者:Workman Pub Co

作者:Wiseman, Ann Sayre/ Langstaff, John

出品人:

页数:80

译者:

出版时间:

价格:19.95

装帧:HRD

isbn号码:9781580175135

丛书系列:

图书标签:

• 音乐制作
• 音乐理论
• 作曲
• 编曲
• 乐器
• 音乐软件
• 录音
• 混音
• 音乐行业
• 音乐教育

《音乐的韵律：从理论到实践的探索之旅》 这是一本带领读者深入理解音乐世界，从基础乐理到高级作曲技法的全面指南。本书旨在为音乐爱好者、初学者以及希望提升自身音乐素养的演奏者提供一个清晰、系统的学习路径。 第一部分：音乐的基石——乐理入门 我们从最基础的音乐元素开始，揭示声音的奥秘。 音与音高： 学习音名、唱名，理解全音、半音的概念，以及它们如何构建起我们熟悉的音阶。我们将详细介绍自然大调、和声小调、旋律小调等常用调式，并通过丰富的实例，帮助你掌握音程的构成、大小、增减等特性，理解它们在旋律和和声中的作用。 节奏与节拍： 音乐的灵魂在于律动。本书将深入浅出地讲解拍号、小节、全音符、二分音符、四分音符等基本节奏单位，以及附点、切分音等变化技巧。我们将通过不同的节拍类型（如2/4拍、3/4拍、4/4拍、6/8拍等）的演示，让你感受不同节奏带来的丰富变化，并学习如何准确地指挥或跟上节拍。 音响与音色： 声音的质感决定了音乐的情感表达。我们将探讨不同乐器的发声原理、音域特点，以及它们在音乐中的独特贡献。你将了解到何为泛音、共振，以及它们如何塑造出丰富多样的音色。我们将分析不同乐器组合（如弦乐四重奏、管弦乐队）的音响效果，培养你对音色的敏锐感知力。 力度与表情记号： 音乐的情感表达离不开力度的变化和细微的表情。我们将详细介绍渐强、渐弱、强音等力度记号，以及连音、断奏、颤音等演奏技巧。通过对不同表情记号的解析，你将学会如何通过演奏的细微之处，赋予音乐生命和情感。 第二部分：和声的语言——连接旋律的纽带 当多个音符同时响起，便产生了和声。本书将引导你领略和声的魅力。 和弦的构成： 从最简单的三和弦（大三、小三、增三、减三）开始，逐步介绍七和弦、九和弦等更复杂的和声结构。我们将深入解析三和弦的构成音、转位，以及它们在不同调性中的功能。 和弦的连接与进行： 和弦的合理连接是构成流畅音乐的关键。我们将介绍基本的和弦进行规律，如主-属-下属关系，以及平行、交叉、隐伏等连接方式。通过分析经典乐曲中的和弦进行，你将掌握如何构建具有逻辑性和美感的和声。 调性与转调： 理解调性是理解和声的基础。本书将深入探讨大调与小调的相互关系，以及它们在音乐中的情感色彩。我们将详细介绍各种转调手法，从直接转调到离调，以及它们在音乐发展中的作用，帮助你理解音乐是如何在不同的调性之间自如穿梭的。 四部和声的写作： 学习如何将旋律与和声结合，创作出完整的四部和声作品。我们将指导你进行旋律声部的处理，解决导向音、终止音等问题，并注重声部之间的独立性与连贯性，为进一步的作曲打下坚实基础。 第三部分：旋律的织体——构建音乐的骨架 旋律是音乐的灵魂，它承载着音乐的情感与故事。 旋律的构成要素： 学习如何构建起具有逻辑性和吸引力的旋律。我们将分析音程、音阶、节奏在旋律中的作用，以及如何运用跳进、级进等技巧来丰富旋律线条。 旋律的类型与风格： 探索不同风格的旋律特点，从古典时期的清晰流畅，到浪漫时期的热情奔放，再到现代音乐的实验性。我们将分析不同时期、不同作曲家在旋律创作上的独到之处。 旋律的分析与创作： 通过对经典旋律的深入剖析，例如巴赫的赋格旋律、莫扎特的歌剧咏叹调，学习优秀旋律的构建方式。我们将提供创作练习，指导你如何从动机出发，发展出完整的旋律。 第四部分：曲式的结构——音乐的建筑蓝图 曲式是音乐作品的整体框架，它决定了音乐的逻辑性和发展。 基本曲式单位： 从最简单的乐句、乐段开始，理解它们是如何组合成更宏观的结构。 常见曲式： 详细介绍单乐章曲式（如呈示部、发展部、再现部）、变奏曲式、回旋曲式、奏鸣曲式等，并分析它们在不同体裁音乐中的应用。 分析与创作： 通过对不同曲式作品的分析，理解音乐是如何通过结构来达到情感的起伏和逻辑的推进。我们将指导读者如何运用曲式来组织自己的音乐创作。 第五部分：音乐的风格与发展——穿越时空的聆听 音乐的历史是一部不断演变的画卷，本书将带你领略其壮丽景色。 音乐史概述： 从古希腊音乐到中世纪、文艺复兴、巴洛克、古典、浪漫、现代直至当代音乐，概览各时期的主要音乐特征、代表作曲家和重要作品。 音乐体裁的演变： 了解交响乐、协奏曲、室内乐、歌剧、奏鸣曲等不同音乐体裁的形成与发展。 风格分析： 学习如何辨别不同音乐风格的特点，理解历史背景如何影响音乐的创作。 第六部分：实践与应用——让音乐在指尖绽放 理论与实践相结合，是掌握音乐的必经之路。 乐器演奏入门： 提供针对不同乐器的基础演奏技巧指导，包括指法、弓法、气息控制等，帮助读者快速上手。 视唱练耳训练： 强调听觉训练的重要性，提供系统化的视唱练耳练习方法，提升乐感和对音乐的感知能力。 配器初步： 介绍管弦乐队的组成，以及不同乐器在音响、音域、表现力上的特点，为初步的配器打下基础。 音乐软件应用： 介绍一些常用的音乐制作软件，帮助读者进行简单的音乐编排和录制。 学习建议： 本书内容循序渐进，建议读者根据自身的音乐基础，选择合适的章节开始学习。将理论知识与实际练习相结合，多听、多练、多思考，是提升音乐能力的关键。在学习过程中，鼓励读者尝试创作自己的音乐片段，将所学知识融会贯通，真正体会到音乐的乐趣。 《音乐的韵律》不仅仅是一本教材，更是一扇通往音乐世界的窗户，它将激发你对音乐更深层次的理解和热爱，让你在音乐的海洋中畅游，发现属于自己的那份动人旋律。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计给我留下了极其深刻的印象。它采用了一种非常大胆的、近乎抽象的色彩组合，深沉的靛蓝与耀眼的金黄形成了一种强烈的视觉对比，仿佛在诉说着某种古老而又充满活力的音乐哲学。那种质感，不是光滑的印刷品能比拟的，有点粗粝，摸上去像是陈年的羊皮纸，又似乎混合了某种金属的冰凉。我几乎可以想象作者在构思这些内容时，对“声音”和“视觉”之间界限的模糊探索。书脊的字体选择也颇具匠心，那种带着手写感的衬线体，透露出一种对传统的尊重，但其排布方式却又带着现代主义的冷静与疏离。翻开扉页，那种墨香混合着某种难以言喻的、类似木材或香料的气味，瞬间把我带入了一个完全沉浸式的阅读空间。这本书的物理形态本身，就是一种艺术陈述，它不只是知识的载体，更像是一件精心制作的乐器，等待着被“聆听”和“感知”。它成功地在尚未阅读任何文字之前，就建立起了一种高度的期待感和仪式感，让人迫不及待地想深入其内核，去探寻那些隐藏在视觉冲击背后的深层结构。这种对细节的极致追求，让我对后续内容的深度和广度充满了信心。

评分☆☆☆☆☆

这本书的编辑和排版设计，反映出一种对信息层次结构的高度重视，这对于一本内容如此密集的书籍来说至关重要。内页的字体选择非常清晰易读，但不同部分的区分却做得非常微妙。脚注的引用方式非常特别，它们不是简单地落在页脚，而是以一种类似“对话框”的形式插入在正文的侧边栏，仿佛是作者在阅读过程中，随时与另一位智者进行的低语或补充说明。这种设计极大地鼓励了读者去探索那些次级信息，而不会打断主干思维的流动。我注意到，书中穿插的那些插图（如果可以称之为插图的话）也绝非简单的配图，它们往往是一些经过高度符号化处理的图表或手稿片段，其信息密度极高，需要仔细解读才能领会其深意。总而言之，这本书的每一个物理细节，从纸张的克重到章节的划分，都经过了深思熟虑，目的似乎是想让读者在阅读的每一个触觉和视觉瞬间，都能感受到其内容的严肃性与独特性，它无疑是一部需要反复品味、值得拥有的智力投资。

评分☆☆☆☆☆

从文体上看，这本书的阅读体验是极其富于变化的，充满了意外的惊喜。有时，作者会以一种近乎学术论文的冷静口吻，列举大量的案例和数据来支撑他的论点，逻辑链条严密到让人无懈可击；然而，在接下来的章节里，笔锋一转，他可能会采用散文诗般的句式，用大量拟人化的形容词来描绘某个作曲家的创作心境，那种情感的浓度几乎要溢出纸面。这种风格的剧烈摇摆，使得阅读过程充满了戏剧性，避免了单一论述可能带来的枯燥感。例如，他描述某位作曲家在创作高潮部分时，那种近乎癫狂的笔触，读起来仿佛我本人也置身于那个创作的漩涡之中，身体都会不自觉地跟随节奏起伏。我尤其欣赏他引入的那些跨学科的视角，比如将色彩理论、建筑结构的概念强行嫁接到听觉感知上，虽然初看有些突兀，但深入思考后，会发现这种强行关联恰恰揭示了人类感官体验的共通性，极大地拓宽了我的思维边界。

评分☆☆☆☆☆

阅读完前几章后，我发现作者在构建叙事逻辑上展现出一种近乎数学家般的严谨性，但行文的笔触却又带着诗人般的浪漫与跳跃。他似乎并不满足于线性叙述，而是经常使用一种多线程的对比手法，将宏大的历史背景与极其微小的、个体化的听觉体验并置。举个例子，他可能上一段还在详尽分析巴洛克时期复调音乐的对位技巧，下一段却会突然插入一个关于城市夜晚的声景素描，用极其生动的比喻来描绘一次偶然听到的萨克斯风片段如何打破了原有的和谐。这种在“结构”与“瞬间”之间频繁的切换，极大地考验着读者的专注力，但也正是在这种张力中，我体会到了一种全新的、动态的理解方式。他似乎在挑战我们传统的“欣赏”音乐的习惯，引导我们去关注声音的物质性、空间感以及时间流逝的痕迹。更令人称奇的是，尽管讨论的主题常常极其晦涩和专业，但作者总能找到一个接地气的、具有普世性的切入点，不至于让普通读者感到被排斥在外，这需要极高的文字驾驭能力和同理心。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我最大的冲击在于其对“沉默”与“留白”的处理艺术。在许多关于艺术形式的探讨中，人们往往聚焦于那些被明确表达、被刻意填充的部分，而这本书却花了大量的篇幅来解构那些“未发出的声音”。作者细腻地探讨了在特定文化语境下，一个音符的缺失是如何比一个饱满的和弦更具震撼力的；或者，一个乐章结束后的寂静，如何被赋予了比前奏更复杂的意义。他甚至引入了物理学中的“真空”概念来类比音乐的空白区域，这让我开始重新审视我过去听音乐时的经验——我过去总是在忙着填补那些空白，现在我明白了，那些空白正是用来承载听者自身情感和想象力的容器。这种哲学层面的探讨，使得这本书超越了单纯的音乐理论范畴，更像是一本关于存在与感知本质的思考录。我甚至合上书本，坐在房间里，刻意去感受日常环境中那些被我长期忽略的背景噪音，试图在其中寻找作者所描述的那种“有组织的寂静”。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆