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出版者:Bob Jones Univ Pr

作者:Not Available (NA)

出品人:

页数:70

译者:

出版时间:

价格:12.5

装帧:Pap

isbn号码:9780890844519

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• 音乐
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• 音乐分析
• 乐理知识

《乐海拾遗：未竟的旋律与未曾触碰的音符》 在浩瀚的音乐世界里，总有那么一些旋律，它们曾悄然流淌，却未曾被广泛传颂；总有那么一些音符，它们在寂静中酝酿，却终未得以谱写成章。本书并非一本详尽的音乐史著作，也不是某位伟大作曲家的传记，更非一本技术性的乐理指南。《乐海拾遗》所要探寻的，是那些湮没于时光长河中的音乐片段，是那些在创作过程中被舍弃的灵感火花，是那些在音乐家的脑海中闪烁却未能最终化为作品的奇思妙想。 我们常常惊叹于那些流传千古的经典乐章，但我们或许忽略了，在每一部伟大的作品背后，都隐藏着无数个被放弃的尝试、无数个未被采纳的构思。这些“未竟的旋律”，并非意味着失败，而是一种自然而然的艺术选择，是创作者在不断打磨、筛选中，对作品整体性的追求。它们可能是一段曾被寄予厚望的主题，却因与整体风格不符而被忍痛割爱；也可能是一个令人耳目一新的节奏型，却因当时的技术限制或听众的接受度而未能实现。它们如同宝石原石，虽已闪烁微光，却尚未被打磨成耀眼的光芒，静静地躺在创作的土壤深处，等待着被有心人轻轻拾起。 而“未曾触碰的音符”，则更偏向于那些仅存在于艺术家想象中的可能性。它们可能是某个深夜，一个突如其来的灵感，一个模糊的旋律轮廓，一个潜在的和声走向。这些音符或许在脑海中停留了片刻，又或许在指尖短暂地徘徊，最终因为种种原因，未能被记录下来，未能被演奏出来。它们是音乐家灵魂深处的低语，是他们在创作过程中对未知领域的探索，是他们对音乐无限可能性的想象。这些音符，如同夜空中转瞬即逝的流星，留给人们无限的遐想，也暗示着音乐艺术那广阔而神秘的疆域。 本书并非旨在挖掘被遗忘的“杰作”，因为“杰作”的定义本身就具有主观性和历史性。我们所关注的，是音乐创作过程中那些更为普遍、更为日常的存在。它们或许不具备戏剧性的冲突，不具备史诗般的宏大叙事，但它们构成了音乐艺术生态中不可或缺的一部分。它们是音乐家思考的轨迹，是他们灵感碰撞的火花，是他们对音乐语言不断探索的证明。 在《乐海拾遗》中，我们将走进一些著名音乐家鲜为人知的创作手稿，审视那些被标注为“草稿”、“废弃”的乐谱碎片。我们将尝试去理解，是什么样的力量，让这些曾经被认真对待的音符，最终走上了“未竟”的道路。我们会通过对这些片段的分析，来窥探作曲家在创作时的心路历程，感受他们面对无数可能性时的挣扎与抉择。这并非是对他们“失败”的审视，而是对他们艺术“过程”的尊重和解读。 同时，我们也将触及一些音乐理论家、评论家在不同时期提出的、但未能成为主流的音乐观念，以及一些在音乐表演实践中曾尝试过，但并未被广泛接受的演奏技巧。这些“未曾触碰”的领域，可能因为时代的局限，也可能因为思想的超前，而未能充分展现在大众面前。它们代表了对音乐艺术理解的另一种维度，是对音乐表达方式的另类探索。 本书还将涉及一些民间音乐中那些流传于口头、未被系统记录的旋律片段，以及一些非主流音乐流派中那些独特的、但未曾被主流乐坛认识的音乐元素。这些“拾遗”，旨在拓宽我们对音乐的认知边界，让我们看到音乐艺术的多样性和丰富性，它并非仅由少数几个“伟人”和少数几部“名作”所构成，而是由无数个大小不一、却同样闪耀着独特光芒的音乐火种所汇聚而成。 《乐海拾遗》希望能为所有对音乐充满好奇，渴望了解音乐背后故事的读者提供一个独特的视角。它不是一个终点，而是一个邀请——邀请你去更深入地聆听，去更细致地观察，去更广阔地想象。在这个过程中，你可能会发现，那些“未竟的旋律”和“未曾触碰的音符”，其实也以某种方式，触动着你内心深处对音乐的共鸣。它们或许无法让你唱出一首完整的歌，但它们一定会让你更理解音乐的魅力所在，以及艺术创作本身的艰辛与伟大。

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这本书的排版和装帧设计简直是艺术品级别的，这对于一本需要大量阅读和研究的著作来说，是至关重要的加分项。内页纸张的质感非常舒服，长时间阅读下来眼睛也不会感到疲劳，这在充斥着廉价印刷品的今天，实在难能可贵。更重要的是，它的注释系统做得极为人性化。每当出现一个不熟悉的术语或典故时，脚注部分总能提供精准且简洁的解释，而不是像某些学术著作那样，把关键信息藏在书末密密麻麻的索引里，让人查找起来极为不便。我特别欣赏作者在讨论浪漫主义时期那种“狂飙突进”的情感表达时，所引用的文学作品片段。他巧妙地将雪莱的诗句与李斯特的钢琴炫技作品并置，让读者清晰地感受到，那种时代精神是如何渗透到所有艺术门类中的。这种跨艺术领域的融会贯通，极大地拓宽了我的知识边界。虽然我对古典音乐的了解算是略有涉猎，但这本书依然让我发现了许多过去忽略的细节，比如不同乐器音域的“心理学效应”分析，非常引人入胜。

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这本《Music 3》简直是为我这种对音乐史有着浓厚兴趣的业余爱好者量身打造的。我原以为它会像市面上那些老掉牙的教科书一样，充斥着枯燥的年代和人名堆砌，但读下来完全出乎意料。作者的叙事功力实在高超，他没有简单地罗列巴赫、莫扎特、贝多芬的名字，而是将他们置于那个特定的历史和社会背景下进行剖析。例如，关于古典主义盛期的描述，不再是抽象的“和谐与平衡”，而是深入探讨了启蒙运动如何影响了音乐的形式，贵族赞助制度的瓦解如何催生了更面向公众的音乐会文化。我特别喜欢他分析奏鸣曲式的那一部分，他不是直接给出定义，而是通过对比早期和晚期作品的结构变化，让你像侦探一样自己去发现规律，这种引导式的学习体验非常令人着迷。书中的配图和乐谱片段选择也非常精妙，那些罕见的早期手稿扫描件，让文字瞬间变得立体起来，仿佛能闻到羊皮纸上墨水的味道。唯一的小遗憾是，在讨论到20世纪初的印象派音乐时，篇幅似乎略显仓促，对于像德彪西那样具有里程碑意义的作曲家的阐述，我期待能有更深入的挖掘，毕竟那段时期是音乐语言发生巨大变革的关键节点。总的来说，这是一本极具洞察力的作品，适合所有想要超越“听歌”层面，真正理解西方音乐是如何演变和呼吸的读者。

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读完这本《Music 3》，我最大的感受是，它彻底颠覆了我过去对音乐理论学习的刻板印象。我过去总觉得理论就是生硬的规则和枯燥的分析，但这本书的笔触极其灵活、富有生命力。它不是让你死记硬背和声进行，而是像一位经验丰富的老乐师在耳边娓娓道来。书中对不同时期调性的“情感倾向”的描述尤其抓人眼球，比如它如何解释了从大调的“光明”到小调的“忧郁”是如何在和声色彩中被微妙地建构起来的，这种描述简直比听曲子本身还要引人入胜。我尤其欣赏作者在解释复调音乐时所采用的“对话”隐喻，将赋格中的各个声部比作参与辩论的不同角色，使得原本复杂的声部交织瞬间变得清晰易懂。此外，书中还穿插了许多关于乐器制作和音色发展的历史侧记，比如管弦乐队如何从早期的小型宫廷编制逐步发展成今天这般庞大的交响乐团，每一种乐器的加入都对应着音乐表现力的一个飞跃。这本书的结构设计也十分巧妙，每一章的末尾都有一个“思考题”，强迫读者在合上书本后，必须回过头来重新审视自己刚刚听过或演奏过的作品，这对于提升实践能力是巨大的帮助。

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我是一个对音乐的“社会学意义”特别感兴趣的人，这本书在这一点上的深度挖掘，完全超出了我的预期。《Music 3》不仅仅是在讲音乐史，它更是在讲述一部欧洲社会文化的变迁史，只是媒介是声音。作者非常擅长捕捉音乐的“边缘声音”——那些不一定是殿堂级的作品，但却能反映时代风貌的民间音乐、进行曲或者沙龙小品。例如，书中对19世纪维也纳咖啡馆音乐的描述，生动再现了当时普通市民阶层如何通过音乐获得精神慰藉和社交身份，这比单纯分析一部歌剧的结构更有烟火气。它让我意识到，艺术的伟大性不仅在于精英创作的完美形式，也在于它如何被大众消费和理解。书中对“版权”概念的早期发展及其对作曲家收入结构的影响的分析，也十分犀利，它揭示了艺术创作背后残酷的商业逻辑。如果说有什么不足，那就是在处理近现代音乐的全球化影响时，笔墨略显单薄，尤其是在讨论非西方音乐对西方作曲家的启发时，希望能看到更平衡的叙述角度，而不是完全聚焦于欧洲内部的演变。

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老实说，我一开始是抱着一种非常功利的心态翻开《Music 3》的，希望能找到一些能提高我演奏水平的“秘诀”。这本书的切入点果然不同凡响，它没有直接给出指法或技巧，而是从“演奏者的心境”切入。作者将演奏视为一种诠释行为，而不是简单的音符复述。书中有一章专门讨论了不同指挥家对同一部交响乐的不同处理方式，通过对比同一乐段在不同录音中的速度、重音和休止处理，我第一次深刻体会到“诠释的自由度”有多么广阔。它鼓励读者抛开僵化的“标准解读”，去挖掘作曲家意图深处的可能性。更让我拍案叫绝的是，书中探讨了录音技术发展对音乐欣赏方式的冲击。在黑胶时代，人们更注重整体的连贯性；而在数字时代，随机播放和单曲循环的习惯，如何潜移默化地改变了我们对宏大作品结构的感知。这种跨学科的思考，让这本书的厚度远超一般音乐书籍。唯一让我感到有些遗憾的是，对于当代电子音乐和极简主义的探讨略显保守，感觉作者似乎在表达上有所保留，期待在后续的修订中能看到更前卫的视角。

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