具体描述
A comprehensive study of modern sculpture developments in Great Britain, this beautiful and important new book showcases 95 leading sculptors from the second half of the 20th century. Chronologically arranged to show the influences that touched each of the artists' lives, it concentrates on the most influential, award-winning, and highly valued works from the growing field of popular sculpture available today. The artists themselves selected most of the pieces to represent their own work and are liberally quoted with personal statements to interpret their work for the readers. 780 color and black and white photographs display the wide range of materials, themes, styles, and settings that convey each individual sculptor's own classical, figurative, abstract, or visionary work. A history of the Royal Society of British Sculpture (RBS), by the organization's current president, sets forth the purpose and results of this prestigious group today. Essays on the St Ives group of the 1940s and figurative sculpture of the 1950s put the growing sculpture movement in Britain into perspective. From them sprang several generations of influential sculptors whose work challenges current sculptors to push the bounds of artistic expression. They must create, and they do, in countless original ways. The growing popularity of sculpture parks in Britain is currently influencing new sculpture parks all over the world. The exciting images and wealth of specific information contained here will continue to shape the art market for generations to come.
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读后感
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用户评价
这本书给我最大的震撼来自于其对材料“情感化”的捕捉能力。它超越了简单的技术说明，去探讨为什么某个艺术家会选择使用那种特定的材料——是出于经济的限制，是对工业文明的反思，还是对传统工艺的致敬？书中的分析，巧妙地将材料的物理属性与艺术家的内在哲学进行了对焦。例如，对那些使用废弃木料或工业边角料的雕塑家，文本没有停留在环保的口号上，而是深入剖析了这种“再利用”如何重塑了作品的历史感和物质的尊严。此外，作者在论述中穿插了一些重要的艺术评论家的引述，这些引述的时机和内容都恰到好处，它们像是为一幅作品提供了另一种解读的钥匙，帮助读者从更广阔的评论光谱中去理解该作品的价值。整体而言，这本书在提升读者对雕塑材料学和哲学层面的理解方面，表现得尤为出色，它不仅仅是在展示作品，更是在引导我们去思考“雕塑为什么是雕塑”的本质问题，这种引导作用是潜移默化的，但影响深远。
评分我必须承认，我带着一种近乎挑剔的眼光来审视这本关于英伦雕塑的书籍。坦白说，我期待的是那种尖锐、充满学术思辨的批判性文本，而不是一本仅仅停留在“精美图录”层面的东西。然而，这本书在选材上显得过于“安全”和“经典”，缺乏对那些边缘化、实验性强，或者在当代语境下引发争议性的作品的深入挖掘。例如，它对特定时期某些激进主义雕塑的讨论，往往止步于对其形式的描述，而没有深入剖析其背后的社会政治动因，那种“刀子见血”的解读几乎找不到。编排上，它似乎遵循了一种较为线性的时间顺序，这虽然有利于梳理历史脉络，但却牺牲了不同流派之间相互影响和对撞的动态感。如果能有更多篇幅探讨非主流媒介，比如光影、声音在雕塑语境下的运用，或者对英国材料研究（比如某些特定矿物或回收材料的使用）的专题分析，这本书的厚度就会大大增加。目前的感觉是，它像是一份非常出色的博物馆官方导览手册，详尽、美观，但缺少了点“野心”，少了那种能让人醍醐灌顶、颠覆既有认知的理论火花。
评分这本书的排版设计简直是教科书级别的典范，那种极简主义的美学贯穿始终，让人在阅读时感到一种宁静且专注的氛围。我尤其欣赏编辑在处理黑白照片和彩色作品之间的节奏感。在展现那些强调物质性的作品时，他们使用了高饱和度的哑光纸张，使得颜料的颗粒感和雕塑表面的粗糙质地仿佛能穿透纸面直达指尖；而当转向强调空间关系或光影互动的作品时，则切换到更具反射性的半光面，让图像的深度感得以释放。这种精心设计的视觉体验，本身就是对“雕塑是三维艺术”的一种尊重和致敬。叙事结构上，它并未采用传统的“A大师-B大师”罗列，而是巧妙地以“主题”或“材料的演变”作为章节划分的线索，这使得读者能够更容易地在不同艺术家的作品之间建立起横向的联系，理解观念是如何跨越个体边界进行传播和演化的。这种组织方式，极大地提升了学术材料的可读性和趣味性，让原本可能晦涩的艺术史变得清晰而流畅，对初学者非常友好。
评分这本书，或者说我拿到的这本关于现当代雕塑的图册，着实让人眼前一亮，它的开本和纸张质感处理得相当考究，拿在手里有一种沉甸甸的艺术品感。我最初被封面上那件抽象的、近乎几何体的作品吸引，它锐利的边缘和微妙的色泽变化，暗示了内部必然蕴含着对材料本质的深刻探讨。内页的印刷质量无可挑剔，即便是那些色调晦暗、质感粗粝的铸铁或青铜作品，其纹理细节也被忠实地记录下来，光影的过渡自然得仿佛真品就在眼前。翻阅过程中，我特别留意了对战后英国雕塑家群体研究的深度。图册似乎试图勾勒出一条清晰的脉络，从早期对具象传统的解构，到后来对空间、环境以及装置艺术的介入。每一幅作品的展示都配有精准的尺寸标注和材料说明，这对于一个非专业人士来说，提供了极大的理解便利，避免了纯粹的视觉冲击而缺乏背景支撑的空洞感。尤其是那些关于户外大型作品的展示，不仅有特写，还有环境对照图，让人能感受到艺术家如何与特定的地理或城市空间进行对话和博弈。整体来看，它提供了一种非常扎实、视觉享受极高的入门级到中级深度的导览。
评分老实说，我购买这本书主要是想深入了解英国雕塑在“观念艺术”冲击下的转型。从阅读体验来看，这本书在追溯历史源流方面做得非常扎实，它详细回顾了从战后对现代主义传统的继承与反思，到七十年代开始对“物体性”的质疑。然而，当我翻到后半部分，关于当代那些更具装置性、更偏向“现场特定”的作品时，内容深度明显不足。那些需要特定环境才能完整呈现的作品，在书本的二维化呈现中，似乎失去了其大部分的张力与意义。书中的文字描述虽然详尽，但对于艺术家如何利用非传统空间（比如废弃工厂、公共广场）进行创作的微妙考量，未能给出令人满意的分析。比如，对于那些强调身体感知和参与性的雕塑项目，书本的呈现方式显得有些被动，更像是一种记录而非批判性的阐释。我更希望看到一些关于这些作品在当代展览体系中如何被“重新定义”的讨论，但这本书似乎更倾向于将它们固定在创作完成时的状态，这使得其对当前雕塑前沿动态的捕捉力有所欠缺。
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