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出版者:Compass Point Books

作者:Elgin, Kathy

出品人:

页数:32

译者:

出版时间:2005-1

价格:$ 33.13

装帧:SAL

isbn号码:9780756508883

丛书系列:

图书标签:

• 戏剧
• 娱乐
• 表演艺术
• 舞台艺术
• 文化研究
• 艺术史
• 大众文化
• 休闲
• 艺术
• 媒体研究

《剧院与娱乐》并非一本涵盖此书内容的介绍，而是对一个广阔领域进行探索的引子。这本书旨在唤醒读者对人类创造力、表达形式以及集体情感体验的深刻认知。它并非简单罗列剧目或娱乐项目，而是深入剖析了这些活动背后隐藏的社会、文化、历史以及心理驱动力。 我们将从最古老的叙事形式——戏剧——的起源说起。从古希腊城邦的祭祀庆典，到莎士比亚伦敦的环形剧场，再到现代多元化的舞台艺术，戏剧是如何从简单的仪式演变成一种复杂且富有表现力的艺术形式的？我们将考察其在不同文明中的独特演变轨迹，探讨其如何反映社会价值观、政治诉求和哲学思考。例如，古希腊悲剧的命运主题，中国戏曲的象征主义，以及欧洲现代戏剧对现实主义的颠覆，都将作为具体案例，展现戏剧作为一面镜子，折射出人类永恒的挣扎与追求。 随后，我们将目光投向更广泛的“娱乐”范畴。这不仅仅包括舞台上的表演，更延伸到那些能够吸引大众目光、激发共同情感的活动。从早期大众喜闻乐见的巡游、嘉年华，到后来声势浩大的马戏团表演，再到如今无处不在的电影、音乐会、体育赛事，娱乐的形式在不断变化，但其核心功能——提供放松、愉悦、逃离现实、以及建立社群联系——却始终如一。我们将分析不同时代娱乐的载体和媒介是如何改变人类的体验方式，以及科技进步如何重塑了娱乐的生产与消费模式。例如，印刷术的普及如何催生了通俗读物，留声机的发明如何让音乐跨越空间限制，而互联网的兴起又如何将娱乐推向了前所未有的个性化与互动化时代。 本书还会深入探讨“剧院”与“娱乐”作为社会现象的运作机制。它们如何影响着公众舆论？它们在塑造集体身份认同中扮演着怎样的角色？它们如何与权力结构互动，既可能成为统治者的宣传工具，也可能成为反抗者的发声平台？我们将审视历史上著名的表演事件，分析其产生的社会效应。例如，一场成功的歌剧演出如何能够凝聚民族自豪感，一场备受争议的戏剧又如何能够引发社会改革的讨论。同时，我们也将探讨娱乐产业的经济逻辑，以及它如何成为一个庞大的全球性行业，影响着文化生产与传播。 更重要的是，《剧院与娱乐》将引导读者思考艺术性与商业性之间的张力。在追求观众数量与市场份额的同时，艺术的纯粹性如何得以保持？当娱乐变得日益大众化和商品化，它是否仍然能够承载深刻的思想与情感？我们将通过分析不同艺术家的创作理念与实践，以及不同类型娱乐产品的市场表现，来探讨这个问题。从学院派戏剧的坚守，到流行音乐的商业运作，再到独立电影的艺术探索，我们将看到多种力量在其中相互角力。 此外，本书还将关注观众的角色。观众并非被动接受者，而是积极的参与者，他们的期待、理解与反应共同塑造着表演的意义。我们将探讨观众的观看行为如何受到社会文化背景的影响，以及观众如何通过社群互动（例如影迷会、粉丝群体）来深化对作品的体验。在数字时代，观众的参与度被进一步提升，他们可以通过评论、分享、甚至参与创作，来影响娱乐的走向。 最后，我们将以审慎的视角展望“剧院与娱乐”的未来。在虚拟现实、增强现实等新技术不断涌现的今天，我们所熟知的表演形式和娱乐体验将发生怎样的变革？人类对于情感共鸣、故事叙述以及共同体验的需求是否会因此得到满足，还是会催生出新的挑战？本书将鼓励读者以开放的心态，去迎接并理解未来可能出现的各种创新与转变。 总而言之，《剧院与娱乐》是一场跨越时空的旅程，它邀请你一同探索人类如何通过戏剧和各种形式的娱乐来理解自己、表达情感、连接彼此、并不断挑战认知边界。它不仅仅是关于舞台上的光影，更是关于我们内心深处的渴望，以及我们作为个体和集体，如何在这个世界上找到属于自己的位置和声音。

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我花了整整一个下午，试图从这本《剧院与娱乐》中挖掘出一些真正有价值的见解，但最终收获的只有深深的疲惫感。我期待的是对表演的本体论探讨，例如，演员的“在场性”与媒介化表演的差异性究竟在哪里？戏剧张力是如何在不同文化背景下被构建和消解的？这本书对此毫无建树。它更像是一本为初中生准备的文化扫盲手册，内容浅显易懂，但缺乏任何深度挖掘。书中对“娱乐”的定义极其宽泛，几乎等同于一切大众消遣活动，从主题公园的游乐设施到网络直播的互动游戏都被纳入其中，这种不加区分的罗列，极大地稀释了“剧院”这一概念原有的庄重感和艺术性。作者的论述缺乏严谨的论证链条，很多时候，作者只是抛出一个观点，然后用一个不相关的例子来支撑，这种逻辑上的跳跃感，让读者无法建立起信赖感。读完几章后，我感觉自己像是在一个巨大的、装饰华丽但空无一物的展厅里徘徊，所有的展示品都光彩夺目，却没有任何一件能够真正触动灵魂，更别提引发深入的思考了。

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这本书的文风实在过于“轻盈”，轻得让人抓不住任何实质性的内容。我原本是抱着学习的心态来阅读的，希望能了解艺术界对“娱乐化”趋势的反应，以及剧场工作者在面对商业冲击时所采取的创新策略。我希望看到的是深入的案例研究，比如某位导演如何将前卫的戏剧理论融入到商业演出中，或者剧院管理层如何平衡艺术追求与市场需求的矛盾。然而，这本书的内容却充斥着大量空洞的赞美之词和对现象的表面化描述。它热衷于描述事件的“热闹”和“火爆”，却回避了对“为什么”和“如何才能持续”的探究。比如，书中对某部现象级音乐剧的介绍，洋洋洒洒写了几十页，全篇都在强调其服装的华丽和演员的魅力，对于其音乐结构、文本改编的难度，或是它在艺术史上的定位，却只字不提。这种写作手法，让整本书读起来像是一份公关稿件的集合，而不是一份严肃的学术或评论作品。如果你想了解的是一种“氛围”，那么这本书或许可以满足你，但若想获得任何可供参考、可供批判的知识体系，那绝对是南辕北辙。

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这本书的标题是《剧院与娱乐》，但我对它期望的那些内容却一点也没找到。我本以为能看到对经典戏剧的深度剖析，比如莎士比亚或契诃夫的作品，探讨它们在舞台上的不同诠释，或者解析现代戏剧如何颠覆传统。结果，这本书似乎更侧重于对当代流行文化的零散观察，而且这些观察肤浅得令人发指。翻开第一章，我期待着一场关于舞台艺术本质的哲学思辨，看到的却是对某个昙花一现的真人秀节目的长篇累牍的描述，分析手法停留在“这个角色很有趣”这种幼儿园水平。再往后读，内容就像是一个未经整理的剪报集锦，从一场体育赛事的开幕式到一部网络爆款电影的票房分析，没有一条清晰的脉络，更别提什么学术性的洞察了。如果我想要了解这些，我完全可以自己上网搜索，而不是花钱买一本声称是关于“剧院”的书。那种对舞台灯光设计、布景美学、演员调度技巧的专业讨论，完全被一些无关紧要的八卦和趋势预测所取代。它更像是一本娱乐周刊的特刊，而不是一本严肃探讨“剧院”这一宏大主题的著作。我感觉作者对“娱乐”的理解非常狭隘，仿佛一切在屏幕上或场馆内发生的、能吸引眼球的就是娱乐，而完全忽略了剧场艺术背后深厚的历史积淀和文化价值。

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这本书读起来，简直像是在一个喧闹的集市上被强行拉去听一场混乱的演讲，完全抓不住重点。我原以为这会是一部详尽梳理从古希腊悲剧到后现代剧场演变历程的史诗巨著，能让我领略不同时代审美取向的更迭，以及社会思潮如何影响舞台表现形式。然而，书中对于剧场历史的提及少得可怜，即便有，也只是蜻蜓点水，像是在赶时间完成任务一样。反倒是对某些新兴的、比如沉浸式体验和VR表演的描述占据了大量的篇幅，但这些描述也仅仅停留在“新技术很有趣”的层面，缺乏对技术本身如何重塑观众与表演关系进行批判性思考。更令人沮丧的是，语言风格极其跳跃，前一页还在用一种浮夸的、充满流行语的腔调来赞美某个音乐节的视觉效果，下一页突然转向一种生硬的、似乎是从教科书里抄来的定义，让人难以适应。作者似乎想囊括所有能被冠以“娱乐”之名的事物，却因此失去了对“剧院”核心精神的聚焦。这本书的结构松散得像是散落一地的乐高积木，拼凑不出一个完整而有意义的画面，让人感到极度的信息过载和知识匮乏。

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令人费解的是，这本书似乎刻意避开了所有可能引发争议或需要深度分析的议题。《剧院与娱乐》这个名字本身就暗示着一种紧张关系或融合的可能性，我期待作者能深入探讨商业逻辑如何腐蚀或反哺艺术创作，或者探讨文化权力如何通过“娱乐”的形式进行渗透。但整本书读下来，我感觉作者对所有事物都采取了一种和稀泥的态度，仿佛一切都是美好的，一切都是进步的。对于剧场艺术衰落的担忧、对于数字媒体对现场艺术冲击的焦虑，这些严肃的话题在书中几乎找不到踪影。相反，它更像是一本歌颂性的画册，用鲜艳的图文展示着各种“成功案例”。例如，它花了大量篇幅介绍了一位网络红人如何成功转型到舞台剧，但对于这位转型者是否具备扎实的舞台功底，以及这种趋势对专业演员生态的影响，作者完全没有给予关注。这使得这本书的视野极其受限，它满足了那些只愿意停留在事物表层、追求即时愉悦的读者，但对于任何对戏剧艺术发展抱有深切关怀和求知欲的人来说，它提供的价值趋近于零，更像是一本对现状的无病呻吟式的记录，而非对未来的深刻洞察。

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