流行音乐录音(录音艺术专业十二五规划教材) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:中国传媒大学

作者:丁乔|总主编

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出版时间:2017-08-01

价格:48.0

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isbn号码:9787565720598

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《旋律之韵：现代音乐制作与声音设计探索》 内容梗概 《旋律之韵：现代音乐制作与声音设计探索》是一本深度剖析现代音乐创作、录音、混音及声音设计领域前沿技术与艺术理念的专著。本书并非聚焦于某一特定音乐流派的历史发展或某个时代的作品赏析，而是致力于展现当下音乐制作的生态系统，以及声音设计在电影、游戏、广告等多元媒介中的核心作用。本书旨在为音乐爱好者、 aspiring 音乐制作人、声音设计师以及所有对声音艺术充满好奇的读者，提供一个全面、系统且极具实践指导意义的学习平台。 核心内容模块 本书共分为六大核心模块，每个模块都旨在深入浅出地解析某一关键领域，并辅以丰富的案例分析与实践建议： 模块一：数字音频工作站（DAW）的深度运用与工作流程优化 这一模块将以当前主流数字音频工作站（如 Ableton Live, Logic Pro X, Cubase, Pro Tools 等）为例，进行详尽的功能解析与操作演示。我们不会止步于基础的录音、剪辑、MIDI编排，而是深入探讨高级功能的应用，例如： 非线性编辑与场景构建： 如何利用DAW的非线性特性，在音乐创作中实现更灵活的结构设计和概念表达。 虚拟乐器与采样器的高级使用： 探索不同类型虚拟乐器的音色特性，学习如何通过采样器进行复杂的音色重塑与创意合成。 自动化与表情控制： 精通DAW的自动化功能，实现动态、富有生命力的音色变化，以及通过MIDI控制器实现精细的表演表情控制。 插件集成与效果链设计： 深入理解各类音频效果器的原理与应用，学习如何构建高效、富有创意的效果链，以达到特定的声音目标。 多轨录音与项目管理： 掌握高效的多轨录音技巧，以及大型音乐项目的文件管理与协作流程。 工作流程效率提升： 分享一系列实用的DAW操作技巧、快捷键设置与定制化工作流程，帮助用户显著提升创作效率。 模块二：声音的塑造：合成器技术与音色设计原理 声音的本质是振动，而合成器则是我们手中最强大的“雕塑工具”。本模块将深入剖析声音合成的底层原理，并将其转化为创造独特音色的实践方法： 波形基础与振荡器： 从最基本的正弦波、方波、锯齿波、三角波出发，理解不同波形如何构成声音的基底。 滤波器（Filter）的魔力： 深入探讨低通、高通、带通、全通滤波器的工作原理，以及如何利用它们塑造声音的频谱特性。 包络（Envelope）的动态生命： 理解ADSR（Attack, Decay, Sustain, Release）包络的运作机制，如何控制音符的起伏、延展与衰减，赋予声音生命。 低频振荡器（LFO）的空间感： 学习利用LFO实现颤音、颤音、滤波扫频等动态效果，为声音注入律动感。 FM合成、减法合成、加法合成、物理建模合成： 详细解析主流的合成技术，并指导读者如何根据不同的声音需求选择合适的合成方法。 采样器作为合成工具： 探索如何将采样器不仅仅作为回放工具，而是作为一种强大的声音重塑与设计平台。 创造性音色设计实例： 提供大量针对不同风格（如电子舞曲的Bassline、电影配乐的氛围音效、游戏角色的声音标识）的音色设计案例，并逐步指导读者复现与创新。 模块三：录音艺术的精髓：麦克风、声学与信号链 高品质的录音是优秀音乐制作的基石。本模块将带领读者走进录音棚，理解声音捕捉的每一个关键环节： 麦克风的种类与指向性： 详尽介绍动圈麦克风、电容麦克风、带状麦克风的原理与特性，以及心形、枪形、全指向、八字形等指向性如何影响录音效果。 麦克风的选择与摆位艺术： 针对不同乐器（人声、吉他、鼓、弦乐、管乐等）和声源，提供科学的麦克风选择建议和经典摆位技巧。 房间声学基础： 理解反射、吸收、扩散等声学原理，如何利用房间的声学特性优化录音环境。 前置放大器（Preamp）与音频接口： 解析前置放大器的作用，以及不同类型音频接口的性能参数与选择考量。 信号链的构建与优化： 从声源到DAW，理解完整的信号流，以及如何在信号链中最大程度地保留声音的原始质感与动态。 虚拟录音棚的运用： 探讨如何利用高品质的麦克风模拟插件和房间模拟插件，在非理想环境下获得接近专业录音棚的效果。 录音过程中的常见问题与解决策略： 针对反馈、接地、串扰等录音过程中易出现的问题，提供专业的解决方案。 模块四：混音的逻辑与艺术：空间、平衡与情感表达 混音是将所有独立的音轨融合成一个和谐、富有冲击力、且充满情感的作品的过程。本模块将解构混音的科学与艺术： 听觉平衡与声像定位： 学习如何通过音量、声像（Panning）和均衡（EQ）建立清晰、立体的混音声场。 均衡器（EQ）的精细雕琢： 掌握不同类型的EQ（图示EQ、参数EQ、动态EQ）的应用，如何精确地塑造音色、去除瑕疵、提升清晰度。 压缩器（Compressor）的力量与灵活性： 深入理解压缩器的参数（Threshold, Ratio, Attack, Release, Knee, Makeup Gain）以及其在控制动态、增加冲击力、塑造音色方面的作用。 动态处理的进阶： 探索多段压缩、门限（Gate）、扩展器（Expander）、限制器（Limiter）等高级动态工具的应用。 空间处理：混响（Reverb）与延迟（Delay）： 学习如何运用混响和延迟创造深度、宽度和氛围感，以及不同类型的混响（Hall, Room, Plate, Spring）和延迟（Slapback, Ping Pong, Tape Echo）的特性。 创意效果的应用： 探索合唱（Chorus）、镶边（Flanger）、移相（Phaser）、失真（Distortion）、哇音（Wah）等效果器如何为混音增添色彩与个 母带处理（Mastering）的初步认知： 简要介绍母带处理的原理与目标，以及其在混音完成后的关键作用。 混音中的监听与校准： 强调监听环境的重要性，以及如何进行监听校准以确保混音在不同播放设备上的准确性。 模块五：声音设计的电影与游戏应用 声音设计是现代视听内容不可分割的一部分，它能够极大地影响观众的情感体验和沉浸感。本模块将聚焦声音设计在电影和游戏领域的应用： 电影声音设计的叙事功能： 分析对白（Dialogue）、音效（Sound Effects）、环境音（Ambiance）、音乐（Music）的相互作用，以及它们如何共同服务于叙事。 Foley（拟音）的创作： 深入理解Foley的艺术，如何通过细致入微的现场录制，为画面中的动作赋予真实感与质感。 声音剪辑与场景营造： 学习如何通过声音剪辑，构建可信、逼真的场景环境，并营造特定的情绪氛围。 游戏音频的设计挑战与机遇： 探讨实时音频引擎、程序化音频、动态音效设计等在游戏开发中的应用。 交互式声音设计： 学习如何设计能够响应玩家行为和游戏状态的声音反馈。 声音在品牌建设中的作用： 分析声音标识（Sound Logo）、品牌背景音乐等如何在营销和品牌传播中发挥作用。 沉浸式音频技术（如Dolby Atmos）： 简要介绍三维音频技术的原理与应用前景。 模块六：前沿探索与未来展望 技术日新月异，声音艺术也在不断演进。本模块将带读者展望声音技术与艺术的未来： 人工智能在音乐创作与声音设计中的潜力： 探讨AI在旋律生成、音色合成、混音辅助等方面的应用现状与未来发展。 交互式音乐与动态音景： 展望非线性、可互动音乐作品的创作可能性。 虚拟现实（VR）与增强现实（AR）中的声音体验： 分析沉浸式虚拟环境对声音设计的全新要求。 声音艺术与跨界融合： 探索声音在装置艺术、表演艺术、新媒体艺术中的创新实践。 持续学习与职业发展： 为 aspiring 音乐制作人与声音设计师提供关于如何保持学习热情、建立行业联系、以及规划职业道路的建议。 本书特色 深度与广度并重： 既有对核心技术原理的深入剖析，又不乏对多元应用场景的广泛覆盖。 实践导向： 每一章都提供丰富的案例分析、操作指南和实践建议，鼓励读者动手实践。 前沿视野： 关注行业最新动态与技术发展，为读者提供面向未来的知识体系。 专业视角： 融合了音乐理论、声学原理、工程技术和艺术美学，力求从多维度提升读者的理解力。 语言风格： 力求以清晰、严谨又不失趣味性的语言，将复杂的概念具象化，让读者在轻松愉快的阅读中获得深刻的知识。 《旋律之韵：现代音乐制作与声音设计探索》将成为您在声音创作与设计的道路上不可或缺的伙伴，助您驾驭数字音频的广阔天地，用声音描绘出无限可能的艺术世界。

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这本书的体例安排非常适合自学，尤其是对于我们这些非科班出身、但对音频工程充满热情的业余爱好者来说。它的结构就像是一个由浅入深的迷宫，每走一步都有清晰的指示牌。我最欣赏的一点是，它并没有将不同的录音设备和技术完全割裂开来，而是将它们置于一个宏大的“声音再现链条”中去考察。比如，它会清晰地阐述为什么一款好的监听音箱对于混音的准确性至关重要，因为它直接影响到你对频率平衡的判断，而这种判断又与你的听觉疲劳度息息相关。书中甚至花了一整章来讨论听音室的声学处理，从扩散板到低频陷阱的摆放，提供了非常实用的操作建议，配图详尽到可以直接拿去指导装修。当我按照书中的建议，调整了我书房的声场布局后，即便是用我原来的耳机，我也能明显感觉到混音的定位感和深度有了质的飞跃。这本书不是一本“速成秘籍”，它更像是一份需要时间去消化、去实践的“修行指南”，它最终培养的，是一种对声音艺术的整体认知和高度负责的态度。

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这本书的阅读体验非常独特，它有一种独特的“工匠精神”在里面，不追求花哨的时髦技术，而是扎扎实实地探讨声音的物理属性和人耳的感知规律。我个人对模拟电子设备有一种特别的偏爱，总觉得它们处理出来的声音更“有味道”。这本书对老式硬件效果器的工作原理讲解得非常透彻，特别是对电子管饱和失真和磁带饱和特性的数学模型描述，虽然略显硬核，但结合作者的口吻，读起来并不觉得枯燥。他似乎非常推崇那种“少即是多”的制作哲学，强调在声源采集阶段就要把基础打好，而不是依赖后期无限制的修补。这对我这种过去习惯过度依赖插件的“数码一代”来说，无疑是一种警醒。我试着按照书中的建议，重新审视了我自己的麦克风前置放大器增益设置，发现以前总是把它开得太高，导致信号底噪增加了不少。这本书的好处就在于，它强迫你放慢速度，去倾听电信号在物理世界中真实发生的变化，而不是仅仅盯着屏幕上的波形图。它教会了我对声音保持敬畏，而不是盲目地去“控制”它。

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这本书的封面设计很有冲击力，那种带着磨砂质感的黑白搭配，让我想起了一些老胶片的质感，一下子就把我拉回了那个音乐的黄金年代。我本来是对录音技术知之甚少的外行，只是单纯喜欢听歌，尤其对那些老爵士乐和七八十年代的摇滚乐情有独钟。翻开目录时，我还有点打鼓，那些“声场构建”、“混响算法”之类的词汇对我来说简直是天书。但没想到，作者的叙事方式非常平易近人，他没有上来就抛出复杂的公式和晦涩的理论，而是像一位资深的发烧友在跟你分享他多年来的心得体会。比如讲到如何捕捉鼓的“空气感”，作者竟然用到了“想象你在舞台侧面，看着鼓手每一次挥棒的残影”这种非常具象化的描述。这让我意识到，录音艺术不仅仅是冰冷的技术参数，它更像是一种与音乐家、与乐器之间微妙的对话。我尤其喜欢其中关于“动态范围压缩”的章节，作者没有简单地告诉你“压缩是做什么的”，而是通过对比两个不同压缩设置下的钢琴独奏片段的听感差异，让我这个木耳朵也能隐约感受到那种微小的、却足以改变情感表达的细节。这本书无疑为我推开了一扇通往更深层次音乐欣赏的大门，让我开始带着“工程师”的耳朵去聆听那些曾经被我忽略的细微之处。

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这本书的装帧和纸张质量简直是业界良心，拿到手里沉甸甸的，一看就是能经受住时间考验的工具书。我购买它主要是因为我正在尝试自己搭建一个家庭录音室，想在混音阶段少走一些弯路。说实话，市面上很多关于音频工程的书籍要么过于偏重理论推导，要么就是简单地罗列软件操作步骤，缺乏一种系统性的指导思想。而这本书的架构非常巧妙，它似乎是按照一个完整的录音项目流程来组织的。从前期的麦克风摆位哲学，到中期的电平设置和增益结构，再到后期的效果器链条设计，脉络清晰得让人印象深刻。我特别欣赏它在讲解“均衡器”部分时，没有直接跳到“高频提升三赫兹”这种操作层面的东西，而是深入探讨了不同乐器在频谱中的“能量中心”概念。书中配的那些图表，无论是阻抗曲线图还是频率响应图，都绘制得极为精准，即使不看文字，也能从中读出很多信息。对于一个急需将理论付诸实践的人来说，这种严谨性是极其宝贵的。它让我明白，在录音棚里，每一个旋钮的转动，都不是随意的，背后都有着深思熟虑的声学和心理学依据。这本书，更像是一位经验丰富的老制作人，在你耳边低语，手把手教你如何驾驭声音的“野兽”。

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我是一个音乐学方向的研究生，在我的专业课程中，传统乐理和历史分析占了绝大部分篇幅，但对于现代音乐制作中的实践环节，总觉得像是隔着一层纱。这本书恰好填补了我这方面的知识空白。最让我感到震撼的是它对“空间感”的探讨。以前我总以为空间感就是加点混响，但这本书深入剖析了“早期反射声”、“扩散度”以及“混响时间”如何共同作用于听者的心理认知。书中引用了大量的声学实验案例，比如不同材质墙面对声音反射特性的影响，这对我理解古典音乐的录制环境至关重要。当我重新去听那些著名的交响乐录音时，我开始能分辨出哪个录音是靠精妙的麦克风技术营造出来的“皇帝位”，哪个又是通过后期数字处理强行拉伸的空间。这种“解构”能力，极大地提高了我的批判性聆听水平。而且，书中对不同年代录音风格的对比分析也十分到位，比如六十年代模拟录音的温暖感和现代数字录音的清晰度之间的取舍，让我对“理想声音”的定义有了更辩证的认识。这本书绝对不仅仅是给技术人员看的，它对任何想深入理解声音本质的人都有巨大的启发。

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