具体描述
本书收录艺术史家方闻分别在清华大学、香港中文大学等学府所做的讲演录九篇。九篇讲座各有不同主题，但事实讲的却是同一个“故事”。成功使中国艺术史在美国一流大学扎根并成为一门重要学科的方闻教授，始终抱定他的艺术史普遍性观念：“确信中国艺术的真正价值在于它表现方式的独一无二性。”这种“独一无二性”，用他自己的话来讲，即“作为一个艺术史学家，我迫切感到需要发展一种‘讲述’中国艺术史的表达方式，你愿意的话可将其表述为中国艺术史的‘故事’。”“故事”讲述的主线就是：一个时代的艺术何以展现一个时代的文化史？这样的疑问也就是方闻教授最终要解答的——“艺术即历史”（Art As History）。
方教授反复强调——中国艺术历史的“故事”终究不会终结；我们在现代艺术史学科范围内观照亚洲艺术，是想对世界不同文化的比较研究有所贡献；21世纪新视野的开拓，将使古典中国艺术和历史的宝贵财富，成为有待开发的深厚而渊博的文化资源，而且还有可能成为重建现代生活和人类创造力的源泉。 《艺术何以是历史——方闻中国艺术九讲》系上海书画出版社“方闻艺术著作系列”之一。
作者简介
方闻，美术史家。先后担任普林斯顿大学教授、讲座教授、艺术考古系主任、普林斯顿艺术博物馆主席（主任）、纽约大都会博物馆中国绘画部的特别顾问等职务。致力以“风格分析”的方法来解决中国古代书画的断代问题，主要出版有《夏山图：永恒的山水》、《心印》、《超越再现：8-14世纪的中国绘画与书法》、《中国书法：理论与历史》和《两种文化之间》等专著
目录信息
“回家”的“故事”
第一讲 中国艺术与文化史
一、状物形、表我意
二、儒家“理学”与“心学”的分歧
三、“状物形”绘画的流变与“终结”
四、“终结”之后的再生
第二讲 书画同体
一、书法表现形态的结构
二、“形似”与“助记”
三、一阶与二阶“问题意识”
四、穷则变、变则通
第三讲 为什么中国绘画是历史
一、艺术史的“危机”？
二、传统中国谱系的艺术史学
三、模拟形似的局限
四、“风格”：走向山水画史
第四讲 分界与关联——中国绘画史现状
一、何谓“心印”？
二、传统中国绘画史论
三、“墨迹”与物质文化
四、从“形似”到“写意”
第五讲 汉唐奇迹在敦煌
一、艺术即历史
二、汉唐奇迹：敦煌的“虚拟幻觉空间”
三、外来冲击
四、中国绘画的应对：顾恺之与戴逵
五、张僧繇的“凹凸画”和曹仲达的“曹衣出水”
六、阎立本、韩斡、吴道子和王维
七、原始性复古运动
第六讲 重访两张董元
一、独特的视觉语汇
二、早期宏伟山水画的范式
三、董元的先例
四、用风格分析法对《溪岸图》和《寒林重汀图》断代
五、“图式与修正”：跨文化视角
第七讲 王翚与中国艺术史
第八讲 视觉与文字：中西交汇
第九讲 东方艺术，西方面貌
附录
编后记
· · · · · · (收起)
读后感
方闻先生有大视野~
评分方闻先生有大视野~
评分原文第205页：“借裸体人物来体现柏拉图在《工具论》（Organon）中所谓的‘理想’主义。” 这里引用的观点确实来自柏拉图，但并非源自《工具论》一书。因为《工具论》的作者是亚里士多德。 方闻先生的著作让我受益良多，不过这本书是讲座合集，所以内容有很多重复之处，但其中...
评分方闻先生有大视野~
评分方闻先生有大视野~
用户评价
这本书给我的最大感受是它的“跨界”视野。它很少孤立地谈论某一种艺术形式，而是习惯于在更宏大的文化背景下进行观照。例如，在论及唐代雕塑的巅峰期时，作者会自然而然地引入当时的丝绸之路贸易、宗教思想的传播，甚至是长安城的城市规划，来解释为什么那种雍容华贵、气象万千的风格会在那个特定的时代爆发。这种牵一发而动全身的叙事方法，让艺术不再是孤立的审美对象，而成了特定时代精神的载体。尤其喜欢它探讨园林艺术的部分，不光分析了叠石理水的技巧，更深入到文人对“咫尺之内再造乾坤”的哲学追求，读起来有一种“一沙一世界”的玄妙感，让人在阅读的同时也进行着深层次的哲学思辨。
评分这本厚重的书，捧在手里沉甸甸的，光是封面那古朴的书法和典雅的纹饰，就让人仿佛能闻到陈年宣纸和墨汁的味道。我印象最深的是它对魏晋风度的描摹，那种洒脱不羁、超凡脱俗的气质，被作者用极其细腻的笔触勾勒出来，让人不禁神往。尤其是在谈到那个时期绘画的演变时，作者并没有简单地罗列作品，而是深入剖析了士大夫阶层的心态变化如何影响了笔墨的走向，这种结合社会思潮的解读，让原本枯燥的艺术史变得鲜活起来，仿佛亲眼目睹了竹林七贤在山涧旁即兴赋诗作画的场景。书中对于早期佛教造像的分析尤其精辟，它清晰地展示了犍陀罗艺术和中土审美是如何在中原大地碰撞、融合，最终孕育出独具神韵的石窟艺术。我喜欢它那种娓娓道来的叙事方式，像一位饱学之士在炉火旁，慢悠悠地与你分享他毕生的见闻，让人感到温暖而充实。
评分全书行文如行云流水，但逻辑骨架却异常坚固。我个人认为，它在处理从古典到近现代的转型期议题时，展现出了非凡的洞察力。作者没有采取批判或全盘否定的姿态去审视西方影响的涌入，而是冷静地分析了本土艺术体系在面对外来冲击时，内部产生了哪些自我调适和挣扎。书中对海派绘画中那种兼容并包、甚至略带“野气”的风格的解析，就显得尤为精彩，它将这种风格的形成归因于都市化进程带来的社会心理的松动和对传统规范的有意疏离。这种对“变革”过程的描绘，充满了一种张力和历史的必然感，让人在为传统美学的不易感到惋惜的同时，也对新生事物的活力感到振奋。读罢合卷，心中对中国艺术的脉络梳理，清晰且有力量。
评分我得承认，初翻开这本书时，差点被它那严谨的学术腔调给“劝退”了。它对宋代文人画的探讨，简直是把“格物致知”的精神发挥到了极致。作者对于“院体”和“民间”两种绘画体系的界定和比较，逻辑链条极其严密，各种流派的传承关系图谱清晰可见，看得我直冒冷汗，生怕漏掉哪个关键的时间节点或人名。不过，一旦沉下心来，你会发现这种细致的梳理非常有价值，它帮助我彻底厘清了不同画派之间复杂纠葛的渊源。比如，书中对“元四家”的个体风格差异的细致区分，不是简单地堆砌技法描述，而是结合了当时士人阶层在政治动荡中的复杂心态，去解释他们为何会选择不同的山水表达方式，这层次感一下子就出来了。读完这部分，再去看那些传世名作，感觉眼睛都被打开了，不再是看热闹，而是能品出每一笔皴擦背后蕴含的深意。
评分这本书的排版和插图处理得相当讲究，虽然没有堆砌大量高清彩图，但那些精选的局部放大和必要的线描图，恰到好处地起到了辅助说明的作用。我特别欣赏它在讲述明清之际江南艺术圈的变化时，那种对地方文化特征的捕捉能力。作者没有将目光仅仅停留在宫廷或少数几位巨匠身上，而是花了很多篇幅去探讨市民阶层和商业经济对艺术生产的影响，这使得整个明清艺术图景变得更加立体和多元化。它对版画艺术的讨论也出乎我的意料地深入，将市井生活中的审美趣味如何渗透进装饰艺术和通俗读物中，描绘得淋漓尽致。这种从“庙堂”到“江湖”的全景式扫描，让我对那个时代的艺术生态有了更接地气的理解，而不是停留在传统教科书上对几位“大咖”的赞美。
评分幾篇演講稿，內容也多重複，適合在圖書館看⋯⋯
评分好多重复，都是演讲稿_(:з」∠)_ 讲得非常绕 考虑之后出手
评分说来说去还是贡布里希那一套～演讲内容有不少重复。断代和考古的研究方法应该重视起来～在中国画里，继承和变革就是关键词
评分翻阅过，译文读起来不是很舒服
评分讲中国画的很少能看进去，看画也没耐性。看石窟的命。
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