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出版者:Random House Inc

作者:Stewart, Martha/ Martha Stewart Living Omnimedia (EDT)

出品人:

页数:144

译者:

出版时间:

价格:244.40元

装帧:Pap

isbn号码:9780609803615

丛书系列:

图书标签:

• 花艺
• 插花
• 花卉
• 装饰
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• DIY
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• 设计

《星际拓荒者：新伊甸的低语》图书简介 宇宙的尽头，希望的微光在废墟中闪烁。 《星际拓荒者：新伊甸的低语》并非一本关于园艺或室内装潢的指南，而是一部宏大、深邃的硬科幻史诗，带领读者潜入一个后人类时代的宇宙前沿。故事的主角是艾莉亚·凡恩，一名被放逐的星图绘制师，她背负着一个被星际联邦严密封锁的秘密——一串无法被任何已知的超光速导航系统识别的坐标。这些坐标指向的，是传说中失落的“伊甸园计划”的最终目的地：一个被认为早已被黑暗能量吞噬的宜居行星——新伊甸。 第一部分：失序的残骸 故事始于“大静默”事件后的第三个星际世纪。人类文明在一次突如其来的、席卷了银河系主要殖民地的能量潮汐中几乎崩溃。超光速航行技术（FTL）被证明是双刃剑，它不仅连接了人类，也为未知的、更古老的威胁打开了大门。艾莉亚生活在“漂流者之环”，一片由残骸飞船和临时空间站构成的无政府主义地带。她的日常工作是利用古老的、基于量子纠缠的传感器，绘制那些被联邦视为“不稳定区域”的星图，并从中搜寻可用的稀有元素——“幽灵晶体”，这是维持小型飞船生命系统的唯一能源。 艾莉亚的飞船，“游隼号”，与其说是飞船，不如说是一个漂浮的档案馆和修补匠的作坊。她对联邦的统治深感厌倦，那种高高在上、宣称已经掌握了所有宇宙奥秘的姿态，与她亲身经历的宇宙的浩瀚和不可预测性形成了鲜明对比。她拥有的那组坐标，是她已故导师，一位被联邦指控为“时空叛徒”的物理学家留下的。导师临终前留下的唯一遗言是：“真正的生命不在于扩张，而在于回溯。” 联邦的安全部队，代号“仲裁者”，如同幽灵般在星环中巡逻，他们装备着能够暂时抑制量子驱动的磁轨武器，其唯一目标是回收所有“未注册的智慧算法”——特别是那些可能揭示大静默真相的科技。艾莉亚深知，一旦她的飞船上的核心处理器被仲裁者捕获，她将面临的不仅仅是流放，而是彻底的抹除。 第二部分：穿过寂静之墙 艾莉亚最终决定启动那组秘密坐标。这不仅仅是一次航行，更是一次对物理定律的终极挑战。导航所需的能量，远远超出了游隼号的承受极限。她必须前往“寂静之墙”——一片被公认为宇宙中没有引力、没有时间流逝的虚空地带。据信，只有在那里，物质和能量的结构才会暂时松弛，允许进行一次“无锚点跳跃”。 在准备阶段，艾莉亚被迫与一个非人类实体——“编织者”进行了一次危险的交易。“编织者”是一群生活在虫洞边缘的、纯粹由意识构成的实体，它们通过交换知识来维持存在。艾莉亚用她绘制的几张未被发现的早期星际文明遗迹图，换取了维持跳跃所需的“时间稳定器”——一种极其稀有的材料，只有通过近距离接触脉冲星的日冕才能提取。 穿过寂静之墙的描写是本书的高潮之一。这不是一次引擎的轰鸣，而是一场感官的剥离。时间感消失，颜色不再是光谱上的可见光，而是转化为可触摸的频率。艾莉亚发现，她的意识开始与飞船的AI系统——一个被她称为“皮姆”的、有着老派哲学家口吻的程序——融合。他们共同经历了数万年的宇宙演化，目睹了恒星的诞生与死亡，明白了宇宙并非是随机演化，而是在遵循着某种宏大而缓慢的“呼吸”节奏。 第三部分：新伊甸的逻辑 当游隼号最终冲出虚空，进入新伊甸的轨道时，迎接他们的不是田园牧歌，而是一个技术与自然完美融合的谜团。新伊甸没有大都市，没有钢铁森林，取而代之的是一座座“活体结构”——由基因编辑的巨型真菌和具有计算能力的植物构成的生态网络。 这里的居民并非幸存者，而是“继承者”。他们是伊甸园计划最初参与者的后代，通过与行星本身的生命网络深度融合，实现了对个体死亡的超越。他们看起来像人类，但他们的思考模式、社会结构，乃至对“时间”的理解，都与艾莉亚所知的任何文明相去甚远。 继承者的领袖，一位被称为“根源”的智者，向艾莉亚揭示了真相：大静默并非是一场灾难，而是宇宙对过度扩张和技术傲慢的自我修正。联邦所依赖的FTL技术，实际上是在不断地抽取宇宙的“生命力”。新伊甸的坐标，指向的不是逃亡之地，而是修复宇宙的基础——一个可以重新校准基本物理常数，让文明得以可持续发展的“中枢”。 艾莉亚必须做出抉择：是利用新伊甸的技术返回银河系，揭露联邦的谎言，并可能再次引发冲突；还是接受“根源”的邀请，放弃她旧有的身份和记忆，成为这个新生态的一部分，从而确保宇宙的长期稳定。 本书主题： 《星际拓荒者：新伊甸的低语》探讨了文明的迭代、技术伦理的边界，以及“进步”的真正含义。它深入剖析了在面对已知宇宙的巨大尺度时，个体存在的价值与意义，并质疑了我们对于“家园”和“控制”的永恒渴望。本书充满了对量子力学、深空生态学和后人类哲学的严谨推演，为读者提供了一次既有智力挑战又充满情感共鸣的星际旅程。

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读完这本书，我最大的感受是，它成功地将一种通常被视为精英化的艺术形式，拉回到了日常生活的土壤之中。作者的文字中透露着一种强烈的“可操作性”，尽管理念深远，但落地的技巧却丝毫没有架子。他会毫不吝啬地分享如何利用最常见的厨房工具来处理茎干，或者如何在普通的玻璃杯中创造出具有雕塑感的造型。书中对季节更替的观察尤其让我着迷，作者似乎拥有比常人更敏锐的感知力，能捕捉到夏末到初秋之间那种略带萧瑟的，但又充满希望的过渡气息，并将其精准地融入到花艺作品中。他提到，好的作品应该能够讲述一个关于“此刻”的故事，而不是一个关于“永恒”的谎言。此外，书中关于“光线对颜色的影响”那部分，也彻底改变了我对室内装饰的看法。他指出，不同的灯光色温会“扭曲”花朵的真实色彩，因此，我们在欣赏作品时，必须同时考虑创作时的光照条件和最终展示时的环境光，这是一种极其细致入微的关怀。这本书不仅是关于如何插花，更是关于如何以一种更敏感、更具洞察力的方式去生活。

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这本书的叙事节奏感简直像是古典音乐中的奏鸣曲，张弛有度，高潮迭起却又从不喧哗。它最吸引我的地方，在于它构建了一个非常个人化的、近乎私密的叙事空间。作者很少使用命令式的语气，而是像一位老朋友在分享他的心头好。他会突然插入一段关于某次旅行中偶然瞥见的野外生长的植物的记忆，然后自然而然地引申出插花中对“野趣”的捕捉。这种结构上的跳跃，非但没有打乱逻辑，反而极大地丰富了阅读的体验，让人感觉不是在学习一门技艺，而是在跟随一位富有阅历的智者漫步。特别值得一提的是，书中对“色彩的感知”那几章的描述，简直是教科书级别的细腻。他没有停留在红配绿这种基础搭配上，而是深入剖析了“视觉重量”的概念——比如，一小簇深紫色的花朵，其视觉分量可能大于一大片浅黄色的叶片。他用大量的比喻，将抽象的色彩心理学转化为具体的实践指导，这使得即便是对色彩理论完全不了解的初学者，也能快速掌握其中的精髓。这本书让我认识到，美不是被定义的，而是被感受和被唤醒的。

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说实话，我刚开始接触这本书时，内心是抱着一种略带怀疑的态度的，因为市面上关于“美学”的书籍太多了，很多都沦为华而不实的空洞口号。然而，这本书的独到之处在于其无可辩驳的“真诚度”。作者仿佛毫不设防地将自己多年来在实践中摸爬滚打的教训和顿悟毫无保留地展示了出来。他没有使用那些高高在上的术语去故作高深，反而用一种近乎朴实的语言，描述了多少次因为急于求成而导致的失败，以及在失败中领悟到的关于平衡与不对称的微妙关系。书中有一章专门讨论了“容器的选择”，这部分内容让我印象极其深刻。他不是简单地说“配这个花用那个瓶子”，而是深入探讨了材质的温度——陶土的粗粝感与玻璃的透明感分别如何影响观众对花材情感的接收。他甚至花了好几页篇幅去分析不同光线下，同一束花在不同背景墙前会呈现出的迥异“性格”。这种对细节的极致打磨，让这本书的重量感一下子就凸显出来了。读完后，我感觉自己对周围环境中那些被忽略的日常物件，都多了一层审视和尊重的眼光。它成功地把我从一个“装饰者”提升到了一个“共创者”的角度。

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这本书的封面设计简直是一场视觉的盛宴，那种淡淡的、近乎水墨晕染的色彩过渡，让人一拿起来就感觉心绪都沉静了下来。我记得当时是在一个阳光洒满的午后，在一家老旧书店的角落里翻到的，那感觉就像是发现了一个被时间遗忘的宝藏。作者在开篇的引言中，用了大量的篇幅来描绘植物的生命力，他没有直接跳入具体的“如何操作”的步骤，而是先带你进入了一个植物世界的哲学思辨。他把每一次修剪、每一次选材，都比作是与自然进行的一场温柔的对话，强调的不是最终的造型是否完美，而是投入其中的那份专注与敬畏。我特别欣赏他对于“时间”这个概念的处理，书中提到，好的花艺作品不是瞬间的堆砌，而是对植物生长周期和自然韵律的深刻理解和尊重。比如他描述一枝刚抽出嫩芽的枝条时，那种细腻入微的观察力，仿佛能透过文字触摸到那份新生的微弱颤动。整本书的排版也极为考究，大片的留白处理，让文字和偶尔穿插的古老插图之间有了呼吸的空间，阅读的过程变成了一种缓慢而沉浸式的冥想，让人暂时逃离了日常生活的喧嚣和碎片化信息对注意力的切割。这本书更像是一本关于生活态度的指南，而非仅仅是技术手册。

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这本书的语言风格，我只能用“克制而深邃”来形容。它避免了当代许多美学书籍中常见的浮夸和快速的节奏，而是选择了一种缓慢、沉静的语态，仿佛是从一个宁静的湖底向上映照天空的景象。作者在描述花材的形态时，所使用的动词和形容词的选择，都带着一种令人敬畏的精确性。例如，他不会简单地说“把枝条折断”，而是会使用“以适当的张力进行分离”或“引导其自然的断裂点”，这种措辞上的微妙差异，体现了作者对于每一个动作背后蕴含的意义的深度思考。我尤其喜欢其中关于“空”的概念的阐述，这在中国传统美学中非常重要，但这本书用了一种非常现代且易懂的方式将其重新解读。作者认为，插花艺术中留白的空间，与画布上的留白一样重要，它们是用来承载观众想象力的容器，是让作品得以呼吸的必要条件。这种对“负空间”的强调，使得原本可能显得拥挤的作品立刻获得了开阔的格局。整本书读下来，像经历了一次深呼吸，让人重新校准了自己对“完美”的定义，认识到不完美才是生命力的最高体现。

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