Egyptian Revival Jewelry and Design pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Schiffer Pub Ltd

作者:Nicholls, Dale Reeves/ Foote, Shelly/ Allison, Robin

出品人:

页数:176

译者:

出版时间:2007-7

价格:$ 45.14

装帧:HRD

isbn号码:9780764325403

丛书系列:

图书标签:

• Egyptian Revival
• Jewelry
• Ancient Egypt
• Design
• History
• Fashion
• Art
• Archaeology
• Victorian Era
• Symbolism

珍宝的低语：维多利亚时代晚期与爱德华时代的珠宝设计 （A Glimpse into Victorian and Edwardian Jewelry: Masterpieces of Adornment and Craftsmanship） 本书将带领读者深入探寻一个艺术与工艺臻于化境的时代——维多利亚时代晚期（约1870年至1901年）直至爱德华时代（1901年至1910年）的珠宝设计图景。我们聚焦于一个超越了单一风格流派的时期，探讨在此期间，欧洲和美国珠宝界如何平衡对古典美学的回归、对异域文化的吸收，以及对新兴工业化浪潮的应对。这不是一本关于古埃及复兴风格的专门论述，而是对一个更加广阔、多元且充满戏剧性变革的珠宝黄金时代的细致考察。 第一章：工业的脉搏与贵族的审美 (The Industrial Pulse and Aristocratic Taste) 维多利亚时代晚期见证了前所未有的工业革命带来的社会结构变迁和财富集中。钻石切割技术的进步、黄金的标准化提纯，以及蒸汽动力的应用，极大地改变了珠宝的生产效率和可及性。然而，尽管生产力飞跃，上层社会的珠宝品味依然紧紧维系着历史的传统与象征意义。 本章首先分析了这一时期珠宝制作的材料科学进步。例如，铂金（Platinum）的日益普及如何取代了早期的“玫瑰金”或低纯度黄金，为珠宝提供了更坚固、更衬托钻石光芒的基座。我们详细考察了“新艺术运动”（Art Nouveau）在珠宝领域的早期萌芽，它对自然形态的极端推崇如何与维多利亚时代晚期对复杂叙事和象征符号的偏爱形成了微妙的对话。重点将放在由卡地亚（Cartier）、蒂芙尼（Tiffany & Co.）等先驱品牌所确立的设计语言，这些语言既尊重了过去的荣耀，又预示了现代主义的来临。 第二章：对历史的引用与情感的编码 (Allusions to History and the Encoding of Emotion) 维多利亚时代珠宝的显著特征是其深厚的情感内涵和对历史典故的频繁引用。不同于古埃及复兴那种清晰、宏大的风格标签，本阶段的珠宝更侧重于微妙的象征主义和纪念意义。 我们将深入探讨以下几个关键的非埃及主题设计： 哥特复兴（Gothic Revival）的幽暗魅力： 尽管哥特复兴在早期维多利亚时期已经盛行，但在晚期，它以更精致、更内敛的方式回归。这体现在对尖拱、玫瑰花窗图案的抽象运用，以及在胸针和吊坠中对黑色珐琅和缟玛瑙（Onyx）的大量使用，用以表达深沉的哀悼与虔诚。我们细致分析了维多利亚女王逝世后，深色珠宝（Mourning Jewelry）的风格演变，以及其中蕴含的社会规范。 古典主义的持续回响： 罗马、希腊雕塑主题——尤其是对神话人物和缪斯女神的描绘——持续影响着珠宝商。本章将比较爱德华时代早期，如何将这些古典元素，通过更轻盈、更具空气感的镶嵌技术（如“花边”或“蕾丝”风格），进行现代化诠释。这些设计常常出现在发饰和冠冕上，强调佩戴者的优雅和文化素养。 自然主义的巅峰： 昆虫、花卉（特别是铃兰、鸢尾花、罂粟）的逼真描绘在这一时期达到顶峰。这不仅仅是装饰，而是生命力的象征。我们考察了微雕技术和宝石切割（如梨形、马眼形）如何服务于对自然形态的精准捕捉。 第三章：爱德华时代的“光之艺术” (The Edwardian Era: The Art of Light) 爱德华七世统治时期（1901-1910）是珠宝设计中的一个短暂而辉煌的高潮。此阶段的设计哲学是“轻盈、优雅、光彩夺目”。 我们重点分析了“汽球式镶嵌”（Garland Style）或“纽带和蝴蝶结风格”（La Guirlande）的兴起。这种风格的标志是大量使用铂金和钻石，创造出如同蕾丝般精致、半透明的视觉效果。铂金的强度允许宝石被极细的金属线固定，从而最大化了光线在钻石阵列中的折射。 本章详述了“永恒宝石”（Trellis Settings）和“镶嵌线”技术的革新。这些技术如何使得大型的项链和胸针在佩戴时看起来如同漂浮在皮肤之上，展现出一种前所未有的轻盈感，这与维多利亚时代那种厚重、密集的黄金底座形成了鲜明的对比。我们也将探讨这一时期对珍珠的偏爱，以及如何将珍珠与白钻巧妙结合，以营造“月光”般柔和的光晕。 第四章：工艺的革新与全球视野的碰撞 (Craft Innovation and Global Exchanges) 成功的珠宝设计离不开背后精湛的工艺和对新材料、新技术的拥抱。本章不再局限于风格的描述，而是探讨制作层面上的突破。 珐琅工艺的复兴： 尽管不是主流，但巴吕夫式珐琅（Plique-à-jour enamel）在这一时期获得了新的生命，特别是在新艺术风格珠宝商的手中。我们分析了如何利用这种近乎透明的珐琅来模仿蝉翼或花瓣的质感，使其在爱德华的钻石光芒中独树一帜。 异域风情的影响（非埃及视角）： 随着全球贸易的扩大和“东方主义”思潮的深入，珠宝设计吸收了来自亚洲、中东（不局限于尼罗河沿岸）的纹饰和色彩灵感。例如，日本艺术（Japonisme）对不对称构图和对特定动物（如蜻蜓、莲花）的偏好，被巧妙地融入到爱德华时代的钻石胸针设计中，形成了东西方交融的独特美学。 珠宝的社会功能转变： 珠宝不再仅仅是财富的炫耀，更是社会身份、情感状态和个人品味的复杂宣言。本书考察了沙漏形（Passementerie）胸针、折叠式袖扣以及用于装饰帽子的装饰艺术品的流行，它们反映了快速的社交生活节奏和新的着装规范。 结语：通往现代主义的桥梁 维多利亚晚期至爱德华时代，是一个充满矛盾而又极具创造力的时期。它既是古典传统的最后一次辉煌展现，也是对未来极简主义和几何设计做出回应的过渡阶段。本书旨在通过对材料、工艺、象征意义的全面审视，揭示这些珍宝如何在历史的十字路口，以其独特的语言诉说着那个时代贵族与工匠共同构建的审美世界。读者将发现，那些精美绝伦的宝石和金属，承载的远不止是光芒，更是深刻的历史记忆与情感编码。

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这本关于埃及复兴风格珠宝和设计的书，简直是一场视觉的盛宴，色彩的狂欢。我一直对那个年代的艺术思潮充满了好奇，尤其是它如何与古埃及的神秘主义交织在一起。书里的图片质量极高，每一件首饰的细节都展现得淋漓尽致，那种几何图形的运用，结合了狮身人面像、圣甲虫和荷花的意象，让人仿佛能触摸到那个逝去的辉煌时代。不仅仅是展示作品，作者在文字描述中深入浅出地剖析了不同历史时期，例如图坦卡蒙墓被发现后，这种风格是如何在全球范围内引发时尚革命的。我尤其欣赏它对材料选择的讨论，黄金、绿松石、深红色珐琅，这些色彩的搭配简直是教科书级别的范例。对于一个珠宝设计师来说，这本书提供的灵感是无穷无尽的，它不是简单地复刻，而是鼓励我们在继承传统的基础上进行创新。我花了整整一个下午，沉浸在那些精美的胸针、发饰和项链中，每一页都充满了令人惊叹的工艺和深厚的文化底蕴。

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这本书的学术严谨性让我印象深刻，但同时又不失其艺术的感染力。它没有停留在对符号的简单罗列上，而是深入挖掘了符号背后的心理学和文化意义。例如，作者探讨了“永恒”与“死亡”这两个核心概念是如何被珠宝设计师转化为可见的、可穿戴的符号的。这种对深层含义的挖掘，让原本可能显得有些“异域情调”的设计，立刻获得了庄重的历史感。我特别关注了其中关于材料伦理的章节，探讨了在当时的背景下，这些异国情调的材料是如何获取的，这为我对“复兴”这一概念的理解增添了一层批判性的思考。总体而言，这本书为想要理解20世纪初西方对古埃及文化想象的人，提供了一个无与伦比的、深入且富有洞察力的指南。它不仅仅是一本图册，更是一份关于文化挪用与艺术再生的思想档案。

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阅读这本书的过程，更像是一次穿越时空的私人导览。作者的文笔非常具有画面感，即使是对设计背景知识不多的读者，也能轻易地被带入那个充满着神秘感和新兴现代性的交汇点。我发现自己经常会停下来，对着某一页上的手稿素描或早期的广告插图出神。这些辅助材料的加入，极大地丰富了我们对设计流程的理解，让我们看到了从最初的灵感到最终成品之间的曲折路径。我尤其喜欢它对“新古典主义”与“异域风情”之间张力的描述，埃及复兴风格正是这种复杂张力的完美体现。它既是对古典传统的继承，也是对传统的一种激进的、异国情调的颠覆。这本书的体量相当可观，但阅读起来毫不费力，那种对美的执着追求，那种对已知世界的探索欲，都深深地感染了我。毫无疑问，这本书将成为我未来很长一段时间内，案头必备的灵感宝典。

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我是一个历史爱好者，特别是对20世纪初期的文化运动非常着迷，这本书正好满足了我对“埃及热”那种狂热追溯的渴望。它的叙事方式非常引人入胜，不像枯燥的学术著作，而是像一位资深策展人在娓娓道来。作者巧妙地将珠宝设计置于更宏大的社会背景下考察，解释了为什么在那个特定的历史节点，人们会对异域文化产生如此强烈的向往。从巴黎的装饰艺术博览会到好莱坞电影的影响，这本书细致地勾勒出了埃及复兴风格是如何从一个小众品味发展成为全球性的设计潮流的。我特别喜欢其中关于工艺技术的部分，比如珐琅的应用、微镶嵌的手法，以及如何将古埃及的符号系统转化为现代可佩戴的艺术品。这本书的深度远超我原本的预期，它成功地将艺术史、社会学和工艺美学融为一体，提供了一个多维度的视角来理解这一独特的审美现象。

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说实话，我最初买这本书是希望找到一些关于如何修复或鉴定老式埃及复兴珠宝的实用技巧，但它给我的远不止于此。这本书的侧重点似乎更偏向于设计理论和文化影响力的分析。尽管如此，我还是从中获得了巨大的启发。作者对不同设计师的风格差异进行了细致的对比，比如某位设计师偏爱使用鲜艳的彩色宝石，而另一位则倾向于更内敛的金属线条处理。这种对比性的分析让读者能够更清晰地分辨出风格内部的细微差别。书中的排版设计也值得称赞，大量的黑白历史照片与高清晰度的彩色作品图交替出现，使得阅读体验非常流畅。如果说有什么遗憾，可能就是关于市场价值和收藏趋势的探讨略显不足，但就其作为一本设计和艺术史参考书的定位而言，它无疑是杰出的。它迫使我跳出“收藏家”的思维定势，开始以更纯粹的“美学观察者”的角度去欣赏这些作品的结构和构图。

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