图案在我们的生活中无处不在,如绘画、雕塑、手工艺品、平面设计、室内设计、工业设计、建筑、音乐、时装等诸多领域,它们各个都风格独特,源自不同的文化、时代或发展潮流。图案设计并不是一门枯燥的学科。实际上,它就像是一个创造性与严谨性结合而形成的乐园。重复、群化、并置、叠加、异位、调制、偏移、旋转、组合、上色等无数的构建方式被用于图案设计中,形成了富有韵律、纹理丰富而华美的变化。这些单纯的想法就像是一个诱发创意的导火索,而图案是一种简单的诱因。
王绍强编著的《图案无限&品牌中的图案(精)》以文字和图片的形式,将国内外106个成功案例进行了展示,力求让你可以快速、娴熟地驾驭图案,成为图形设计的大师。
王绍强,广州美术学院视觉与动漫设计学院常务副院长,广州美术学院副教授,硕士研究生导师,中央美术学院访问学者。知名设计师,独立出版人,《DESIGN360°观念与设计》杂志创始人与总编辑,APD 亚太设计年鉴主编, 第16 届亚运会核心图形与色彩系统主创设计者。
长期从事教育、设计、出版传媒等工作,主编过专业设计书籍过百部,得到国内外设计界与出版界的广泛认可, 现在为美国Gingko出版公司,日本Azur出版公司,新加坡PageOne出版公司,西班牙Promopress出版公司的独立出版人。其主编的《DESIGN360°观念与设计》杂志荣获2009、2010、2011年DOBW亚洲最具影响力设计奖。其作品入选全国美展、亚太设计双年展、澳门设计双年展、中德平面设计双年展、GDC、BODW等。
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这本书的阅读过程,对我而言更像是一场深入的思维健身之旅。它的叙事风格非常跳跃和发散,不像传统教材那样循规蹈矩,反而更像是与一位经验极其丰富的行业前辈进行高强度的头脑风暴。每一章的标题都极具挑衅性,比如“当对称性成为平庸的借口”,立马就能将读者的注意力拉入一种辩证的思考状态。我发现自己常常需要停下来,合上书本,反复咀嚼其中的某些论断,因为它们挑战了我过去习以为常的许多设计直觉。比如,作者对“纹理”的解构,不再仅仅从技术层面讨论笔触或材质,而是将其提升到了“信息载体的密度”这一更抽象的层面来探讨,这极大地拓宽了我对视觉元素的感知边界。书中的语言时而严谨如学术论文,时而又充满诗意的比喻,这种混搭使得阅读过程充满惊喜,避免了技术性书籍常见的枯燥感。更重要的是,作者没有提供现成的“答案”,而是提供了一套提问的框架。每当读完一个复杂的分析,我脑子里冒出的不是“原来如此”,而是“那么,在我的案例中,这个原理该如何反向推导和应用呢?”。这本书无疑是为那些已经有一定基础,渴望突破瓶颈的进阶学习者量身定做的“思想催化剂”。
评分坦白说,这本书的阅读难度并不低,它需要的不仅仅是设计技能,更需要一种开放的哲学思维。我注意到,书中某些关于“生成性设计”和“随机性在可控范围内的应用”的探讨,已经触及了人工智能和复杂系统理论的前沿。作者巧妙地将这些前沿概念,转化成了可以被设计师理解和操作的视觉工具和思维模型。它不像市面上那些教你如何使用新软件的工具书,它更像是为你提供了建造自己工具箱的蓝图。我特别欣赏其中对“不完美之美”的推崇,作者认为,过度追求数学上的完美和对称,反而会扼杀图案的生命力,而恰到好处的“偏差”和“人性的温度”,才是让视觉符号真正打动人心的关键所在。这种对设计本质的深刻反思,让我对未来设计趋势的判断更加清晰和审慎。读完后,我感觉自己的“视觉词汇库”被极大地扩充了,不再是简单地替换元素,而是开始思考如何通过结构和逻辑来创造全新的视觉语法。这本书的价值在于,它不会告诉你明天流行的会是什么,但它会让你有能力去定义后天的设计语言。它是一本需要反复研读,每次都能发现新东西的宝藏。
评分这本书的装帧设计真是让人眼前一亮,封面采用了一种非常现代且富有艺术感的几何图形组合,色彩搭配大胆而和谐,予人一种既专业又充满创意的感觉。我本以为这是一本偏向纯理论或者技术层面的书籍,但翻开目录后,才发现它更像是一本引导我们深入思考“美”与“功能”之间关系的实战指南。作者似乎非常擅长将复杂的概念用直观的图例来阐述,比如在讲解视觉传达的效率时,引用了大量跨行业的案例对比,让我瞬间明白了为何某些设计能迅速抓住注意力,而另一些则显得平淡无奇。尤其是其中关于“视觉韵律”的章节,作者的描述非常生动,仿佛能听到画面中线条和形状在互相对话、引导读者的目光流动。这本书的排版也极具用心,大量留白的处理让阅读体验非常舒适,即便是面对那些密度较高的分析图表,也不会感到压迫。我特别欣赏作者在介绍设计原则时,不拘泥于传统的条条框框,而是鼓励读者去打破既有的思维定式,寻找那些隐藏在日常观察中的设计灵感。读完第一部分,我就迫不及待地想拿起画笔或软件,尝试应用那些关于“动态平衡”的新理解去重新审视我手头正在进行的项目。总而言之,从视觉到内容的组织方式,这本书本身就是一件精心打磨的艺术品,传递出一种对细节的极致追求。
评分这本书的资料搜集和案例引用做得极其扎实和广博,展现了作者深厚的学术功底和跨学科的视野。它不仅仅局限于平面设计领域,我惊讶地发现其中穿插了许多关于建筑学、生物形态学甚至是音乐结构理论的例子,来佐证关于“重复与变化”的规律。这使得我对图案的理解从二维平面上升到了三维乃至更高维度的空间逻辑。特别是当作者分析古代文明中的装饰母题时,他能够精准地指出这些重复出现的结构是如何服务于当时人们的宇宙观和宗教信仰的,这为理解图案的“深层意义”提供了全新的视角。我特别喜欢作者在处理案例时所展现出的那种批判性精神,他敢于指出那些被奉为圭臬的经典设计中的潜在缺陷和局限性,而不是一味地歌颂。这种“解构”的过程,虽然有时让人感到不适,但却是真正促进创作者成长的必要步骤。整本书的论证逻辑像是一张精密编织的网,每一个看似无关的章节,最终都会以一种巧妙的方式汇聚到核心的论点之上,显示出作者在构思全书结构时所付出的巨大心血。对于追求知识的广度和深度的读者来说,这本书的参考价值极高。
评分读完这本书的后半部分,我最大的感受是,作者对于“系统性思维”的强调达到了一个令人惊叹的高度。这绝不是一本仅仅罗列漂亮图案的图册,而是深入剖析了图案如何在构建一个完整品牌识别体系中发挥作用的深度论著。书中花了相当大的篇幅去探讨“模式的生命周期”,也就是一个视觉符号如何从诞生、流行、被模仿到最终被淘汰的全过程,这对于任何长期从事品牌建设的人来说,都是极具价值的警示录。我尤其对其中关于“文化语境与符号适应性”的章节印象深刻。作者通过对比不同地域和时代背景下,同一类基础图案(比如螺旋、网格)所承载的不同文化内涵和情感联结,清晰地揭示了设计并非孤立的创作行为,而是与社会环境紧密交织的产物。这迫使我重新审视自己过去对“通用设计”的理解,意识到真正的经典设计,必然是在特定文化土壤中生长出来的,并具备跨越文化边界的某种普适性逻辑。书中提供的那些数据分析和案例的佐证,使得所有的观点都有坚实的落地基础,而不是空泛的理论喊话。这本书教会我的不是如何“画出”一个图案,而是如何“思考”一个图案在时间维度和空间维度上的战略价值。
评分实用的工具书
评分并没有什么卵用
评分风格都很类似 喜欢运用肌理效果 当成一本图册翻完
评分偶尔看一下花花绿绿的图案设计换换脑子心情真好!
评分挺多设计都富有启发性!喜欢
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