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出版者:Allworth Press

作者:Joan Melton

出品人:

页数:240

译者:

出版时间:2007-8-7

价格:USD 19.95

装帧:Paperback

isbn号码:9781581154825

丛书系列:

图书标签:

• 音乐剧
• 歌唱
• 表演
• 技巧
• 声乐
• 舞台
• 音乐
• 戏剧
• 训练
• 方法

歌剧的金色年代：十九世纪中叶至二十世纪初的声乐艺术与舞台实践 本书将带领读者深入探索十九世纪中叶至二十世纪初——被誉为“歌剧的金色年代”——这一声乐艺术蓬勃发展，剧院文化达到巅峰的历史时期。我们聚焦于这一时期歌剧艺术的演变、主要流派的兴起、关键人物的艺术成就以及他们对后世产生的深远影响。 --- 第一部分：时代的序章——浪漫主义的余晖与民族主义的萌芽（约 1830-1870 年代） 本部分将梳理十九世纪中叶欧洲歌剧舞台的总体格局，分析自贝多芬以来，浪漫主义思潮如何深刻地影响了音乐创作和演员的表演理念。我们将考察意大利美声唱法（Bel Canto）的最后辉煌，以及它如何逐渐让位于更具戏剧张力和情感深度的风格。 第一章：美声的黄昏与威尔第的崛起 重点分析罗西尼、贝利尼和多尼采蒂的遗产，探讨他们如何确立了对人声技巧的极致要求。随后，我们将深入探讨朱塞佩·威尔第（Giuseppe Verdi）如何承接并超越了传统，将意大利歌剧提升到民族精神和宏大叙事的层面。书中将详细分析《弄臣》、《茶花女》和《阿依达》的创作背景、音乐结构及其在舞台上引发的社会反响。我们不仅仅关注其旋律的优美，更着重于威尔第如何通过音乐塑造复杂的人物心理和强烈的戏剧冲突。 第二章：德意志的史诗与瓦格纳的革命 本章将转向中欧，深入剖析理查德·瓦格纳（Richard Wagner）在德意志文化土壤中的激进变革。我们将详细阐述“乐剧”（Gesamtkunstwerk，总体艺术作品）的理论基础，分析其如何颠覆了传统歌剧的“咏叹调-宣叙调”结构，转而采用“无限旋律”和主导动机（Leitmotif）系统。对《尼伯龙根的指环》的结构、拜罗伊特节庆剧院的建筑哲学及其对当时听众的冲击进行详尽的考察。本书将客观评价瓦格纳在声乐写作上对演唱者提出的超乎寻常的要求，以及由此引发的关于人声保护与艺术表达平衡的早期争论。 第三章：早期民族乐派的探索 虽然意大利和德奥体系占据主流，但本章将关注欧洲其他地区艺术家如何试图在民族文化中寻找歌剧的根基。我们将考察俄国“五人强力集团”的早期尝试，如穆索尔斯基对俄罗斯民间语言和历史题材的探索，以及他们与西欧模式的张力。同时，也将简要涉及捷克和波兰地区在民族意识觉醒背景下的早期歌剧创作活动。 --- 第二部分：新时代的交锋——自然主义与颓废主义的影响（约 1880-1910 年代） 进入世纪末，社会思潮的剧变——工业化、城市化、心理学（特别是弗洛伊德学说）的兴起——直接投射到歌剧创作中，要求舞台艺术更加贴近真实或探索潜意识的领域。 第四章：意大利的“真实”：真实主义（Verismo）的爆发 本章聚焦于普契尼、马斯卡尼和莱翁卡瓦洛等艺术家的创作。我们将分析“真实主义”如何将舞台从历史的宏伟叙事转向普通民众的悲剧命运，关注爱情、嫉妒、死亡等原始情感的直接表达。重点分析普契尼对人声色彩的精妙运用，以及他如何在保持美声传统的同时，融入更具叙事性的旋律线，如在《波希米亚人》和《托斯卡》中的表现。 第五章：德奥晚期浪漫主义的巅峰与界限 面对瓦格纳的巨大阴影，德奥作曲家们如何继续前行？本章将深入探讨古斯塔夫·马勒（Gustav Mahler）的交响诗式歌剧，分析他如何将交响曲的复杂性和管弦乐的织体推向极致，以及这种处理方式对舞台表现力的影响。同时，也将考察理查德·施特劳斯（Richard Strauss）在早期的戏剧性创作，特别是《莎乐美》和《厄勒克特拉》中，对极端心理状态和色彩性配器的探索，以及由此对传统“美声”概念的冲击。 第六章：法语歌剧的精致与世俗化 我们将审视在巴黎歌剧院体系下，法语歌剧（Opéra Comique 和 Grand Opéra）在这一时期所展现的独特气质。重点分析朱尔·马斯内（Jules Massenet）作品中对微妙情感和细腻场景的描绘，以及乔治·比才（Georges Bizet）的《卡门》如何以其异域风情和对社会边缘人物的关注，成为跨越国界影响力的杰作。本书将探讨法语歌剧在维持其传统优雅的同时，如何吸收真实主义的元素。 --- 第三部分：人声技术与舞台生态的变迁 最后一部分将跳脱出具体的作曲家和作品，从技术和职业生态的角度，剖析“金色年代”的演唱实践如何形成和固化。 第七章：黄金时代的演唱技巧：跨越风格的共性 尽管流派纷呈，但本章将试图提炼出十九世纪末顶尖歌唱家们所共同遵循的演唱原则。我们将探讨“支持”（Appoggio）的理念、对气流的控制、头腔共鸣的使用，以及他们在美声与戏剧化表达之间的微妙平衡。通过对早期录音（如来自 1900 年代的留声机录音）的分析（不直接引用录音内容，而是分析其反映的风格），探讨当时对“声音质量”的评判标准，以及与二十世纪中后期标准之间的差异。 第八章：剧院的运作与歌剧明星的诞生 歌剧的辉煌离不开其背后的商业和管理体系。本章将描述当时欧洲和美洲主要歌剧院的组织结构，包括独家经理制（Impresario System）的运作方式。我们将讨论歌剧明星（如恩里科·卡鲁索、涅莉·梅尔芭等）如何通过巡演制度，成为全球性的文化符号，以及他们如何通过商业合同和公众形象，重塑了歌唱家的社会地位和收入结构。 第九章：遗产与展望：通往现代的桥梁 总结“金色年代”对二十世纪音乐剧和歌剧的结构性影响。本章指出，正是这一时期对戏剧深度、管弦乐复杂性以及对人声表现力极限的不断探索，为后来的德布西、斯特拉文斯基等现代主义先驱提供了必须回应或反叛的起点。本书最后将强调，理解这一时期的艺术实践，是理解整个西方舞台音乐发展轨迹的关键。 --- 本书旨在提供一个全面、细致且不失学术深度的历史画卷，描绘出从浪漫主义的巅峰到现代主义前夜，歌剧艺术如何在声乐、戏剧和技术层面上经历的深刻变革与辉煌成就。

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这本关于音乐剧演唱的书，我最近刚读完，实在让人印象深刻。首先，它对发声技巧的讲解简直是教科书级别的细致。作者没有停留在空泛的“要打开”或者“要放松”这种含糊其辞的指导上，而是深入剖析了胸腔共鸣、头腔共鸣的物理原理，并且用非常形象的比喻，比如将声带想象成一个精密的乐器，让我这个初学者茅塞顿开。书中还专门开辟了一个章节，讲解了不同时期音乐剧对演唱风格的独特要求，从早期的美声式唱腔到现代百老汇的“真诚叙事”，每一个转变的背后都有深厚的时代背景和音乐理论支撑。我特别喜欢它介绍如何处理“高音区的换声点”的那部分，书中提供的练习是循序渐进的，通过一系列的音阶和琶音练习，真正做到了理论指导实践，而不是仅仅停留在理论层面。对于那些想把自己的嗓音打磨得更专业、更符合舞台要求的学习者来说，这本书的价值无可估量，它提供的不仅仅是技巧，更是一种对声音艺术的深刻理解。

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如果说有什么地方让人觉得意犹未尽，那就是关于“高科技辅助设备”的应用部分可以再多一些。不过瑕不掩瑜，这本书的整体结构和深度是毋庸置疑的。它最大的贡献在于，它成功地构建了一个连接理论与舞台实践的坚实桥梁。书中对“如何阅读乐谱并快速融入角色理解”的分析，尤其值得称赞。作者展示了如何通过和弦进行、旋律走向来反推作曲家想要表达的情绪张力，这使得我对新学的曲目有了更快的“上手”速度。我发现，当我开始从作曲家的角度去思考这些音符时，我的演唱立刻变得更有目的性。总而言之，这本书不仅仅是一本指导歌唱技巧的书，更像是一本音乐剧艺术的“幕后指南”，它教会了我如何成为一个更聪明、更有洞察力的表演者。

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让我感到惊喜的是，作者对“舞台管理与嗓音的持久性”也进行了细致的探讨。这部分内容通常在纯粹的声乐书籍中会被忽略，但对于一名职业音乐剧演员来说，这至关重要。书中不仅涵盖了基础的饮水、休息和热身技巧，更深入地讨论了如何在高强度的排练和演出日程中，科学地分配嗓音的使用。它提供了一份为期一周的“嗓音恢复计划”，针对连续演出后声音疲劳的不同阶段，给出了不同的放松和恢复策略，包括冥想、饮食调整，甚至是对特定草药茶的推荐。这种全方位的关怀，体现了作者深厚的行业经验。读完这部分，我感觉自己不再是单纯地“使用”我的声音，而是学会了如何像爱护精密仪器一样去“维护”它，确保它能够在关键时刻爆发出最完美的状态。

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这本书在处理“角色塑造与声音设计”这块内容上，达到了一个新的高度。它不像其他声乐教材那样，把所有角色都一概而论地要求“饱满”或“清晰”。相反，它细致地区分了不同声部（如抒情男高音、戏剧女中音等）在不同音乐剧流派中应具备的声音“质感”。例如，在处理“摇滚音乐剧”时，作者明确指出需要学会安全地使用“咽音”或更具颗粒感的“混声”，而不是简单地劝阻读者去“喊”。这一点对我启发很大，因为我一直为如何在外放音量和保护嗓子之间找到平衡而苦恼。书里有一章专门讲了如何通过调整口腔形状来改变声音的“色彩”，从明亮的“前置音”到深沉的“后置音”，配有大量的图示说明，非常直观。我尝试着书中建议的“口腔镜面练习”，效果立竿见影，声音的聚焦感明显增强了许多，简直像是给自己的嗓音加了一个“变焦镜头”。

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说实话，我原本以为这会是一本枯燥的“技术手册”，但这本书的叙事方式极其引人入胜。它巧妙地将音乐剧的历史脉络融入到演唱技巧的讲解中。比如，在谈到如何塑造角色情感时，作者引用了《吉屋出租》中罗杰那个标志性的、充满挣扎的A大调高音，并分析了那个音符是如何完美地传达了角色在绝望边缘的挣扎与释放。这种“案例分析”的方法，让学习过程充满了画面感。我感觉自己不是在学习发声练习，而是在和那些舞台上的传奇人物对话。书中对“情感注入”的探讨尤其深刻，它强调“技术是为情感服务的”，而不是反过来。书中提供了一些情景模拟的写作练习，要求读者在不开口的情况下，先在脑海中构建出角色的全部动机和情感曲线，然后再尝试用声音去“描绘”出来。这极大地提升了我的舞台表现力，让我意识到，好的演唱绝不仅仅是音准和音高的完美呈现，更是内心世界的深度挖掘与外化。

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