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出版者:Fondazione Prada

作者:Celant, Germano

出品人:

页数:557

译者:

出版时间:2006-07-15

价格:USD 145.00

装帧:Hardcover

isbn号码:9788887029376

丛书系列:

图书标签:

• 艺术
• 雕塑
• 装置艺术
• 当代艺术
• 流行文化
• DIY
• 手工
• 美国艺术家
• Tom Sachs
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观照与重构：当代艺术的物质性与精神性探寻 一本关于日常物质的深度剖析，一次对艺术创作本质的哲学思辨。 本书并非一部聚焦于特定艺术家个案的传记或作品选集，而是一次对当代艺术语境下，“物质性”（Materiality）与“精神性”（Spirituality）之间复杂关系的系统性考察。它将目光投向那些在日常生活中被我们习以为常、却蕴含着巨大文化张力的“在场之物”——从工业废料、廉价商品到精妙的机械装置，探究艺术家如何通过对这些物质的重新选择、拆解与组装，搭建起通往深层意义的桥梁。 我们将深入探讨一个核心议题：在高度符号化和数字化的当代社会，实体物件的“在场感”如何被重塑和强化？艺术家不再满足于再现世界，而是致力于“制造”世界。这种制造，往往体现为一种对既有秩序的挑战，一种对“完美”的故意规避，以及对“不完美”的崇高化处理。 第一部分：日常的炼金术——从废弃到神圣 本部分着眼于艺术创作的“原材料”的转变。我们不再谈论传统的雕塑材料如大理石或青铜，而是将焦点置于那些被主流美学体系排斥的“非艺术”材料：塑料、胶带、泡沫板、旧电子元件、乃至食物残骸。 1. 语境的剥离与再植入： 材料本身的意义是流动的。一根管道在建筑语境中是承载功能，但在艺术语境中，它立刻成为一种关于结构、空间和透明度的隐喻。本书详尽分析了艺术家如何通过精密的“语境剥离”技术，将常见物品从其既有功能中抽离出来，使其在纯粹的观看行为中重新获得本体论上的重量。我们考察了“原型”（Prototype）与“复制品”（Reproduction）之间的张力，探讨了当一个工业产品被手工放大或微缩时，其所承载的时间感和劳动价值如何被扭曲和重估。 2. 汗水与时间的计量： 当代艺术中，可见的“手工痕迹”成为一种新的奢侈品。这种痕迹不再是追求光滑表面的技艺展示，而是对创作过程本身——包括犹豫、错误、返工——的诚实记录。我们分析了那些耗费数月乃至数年完成的、具有强迫症式精准度的手工构建，探讨这种对时间的“浪费”如何成为对现代效率至上主义的无声抵抗。胶带的缠绕、螺丝的排列，它们不仅是连接手段，更是艺术家个人意志的烙印，是物质世界中对“永恒”的短暂模仿。 3. 廉价之美学（The Aesthetics of Cheapness）： 资本主义美学推崇的是光滑、无瑕和永恒的品质。然而，许多当代创作却拥抱了“廉价感”——易碎性、氧化性、以及材料本身的短暂生命周期。这种对“暂存性”的偏爱，揭示了艺术家对“纪念碑式”艺术的反思。作品的脆弱性，恰恰是其对我们当下生存状态最诚实的映射。我们通过对特定材料的物理特性研究，探究其如何激活观者的触觉记忆和社会阶层意识。 第二部分：系统、程序与宇宙观的构建 如果说第一部分关注的是微观的物质细节，那么第二部分则转向宏观的结构与秩序的建立。许多当代艺术实践倾向于构建复杂的、自洽的系统或模型，这些模型往往模仿科学实验、军事部署或复杂的机械流程。 1. 模因与机械的偏执： 本部分深入剖析了艺术家如何热衷于创造“程序化”的艺术。这些程序不一定需要复杂的算法，有时仅仅是一种严格遵循的、近乎仪式的操作守则。我们探讨了“系统艺术”在当代语境下的变异：它不再是冷峻的几何抽象，而是将日常对象（如工具、家具、模型）纳入一个看似严谨、实则充满个人化偏见的逻辑链条中。这种“偏执的系统性”，反映了人类在面对信息爆炸和意义缺失时，试图通过建立个人秩序来寻求慰藉的心理需求。 2. 空间与尺度的错位： 艺术家常常通过对标准尺度的颠覆来挑战观者的感知。一个放大到人体的模型，或一个缩小至桌面尺度的城市景观，迫使我们重新审视“真实”与“复制”的关系。本书分析了这种尺度游戏背后的哲学意图：是通过模仿来确立对现实的掌控，还是通过制造出“不可能的场景”来揭示现实的荒谬？这种对三维空间的精妙编排，往往指向一种对建筑学和城市规划的深刻批判或致敬。 3. 效用与无用之辩： 许多作品表现出高度的功能性外观——它们看起来像某种机器、实验室设备或精密的测试台。然而，它们往往缺乏真正的效用。这种“伪功能性”的悖论是当代艺术的核心张力之一。我们分析了这种将“工具”转化为“雕塑”的过程，它质疑了现代社会对“效用至上”的信仰，并暗示了人类创造力的终极目标可能并非解决问题，而是提出更好的问题。 第三部分：精神的容器——在物质中寻找“神性”的残余 本书的最后一部分将目光转向更抽象的领域：物质性如何服务于精神性的表达。我们不再探究作品的“主题”，而是关注作品在观者心中引发的“状态”。 1. 仪式化与世俗的圣像： 艺术家通过重复劳动和精细布局，赋予普通物体一种近乎宗教仪式的光环。这种“世俗化”的仪式感，并非复兴传统宗教，而是在一个世俗化、去魅的时代，尝试重新制造一种集体性的专注和敬畏。我们考察了如何通过灯光、基座的设置，以及材料的排列组合，将一个工具箱提升至“祭坛”的地位。 2. 对权威与传统的解构性致敬： 当代艺术在与历史对话时，往往采取一种“拆解后重装”的方式。本书探讨了如何利用对经典艺术形式（如纪念碑、列柱、祭坛）的物质性模仿和挪用，进行一场复杂的致敬与反讽。通过使用劣质材料制造本应永恒的结构，艺术家在物质层面完成了对历史权威的“去神化”，使其回归到人类创造的范畴内，接受审视和批判。 3. 留白与沉默的重量： 最终，最耐人寻味的部分往往是那些被艺术家刻意“留空”或“省略”的部分。本书强调了在复杂、信息过载的装置中，“空隙”的价值。这种物质的“不在场”，迫使观者填补意义的空白，将内在的思考投射到作品之上。这种对“空白”的物质性运用，是当代艺术家对传统东方哲学中“虚”与“实”辩证关系的一种现代性回应。 本书旨在提供一个多维度的分析框架，引导读者超越对艺术作品表层形式的直观判断，进入对材料、过程、系统和意图之间微妙互动的深层理解。它邀请读者重新审视我们被物质包围的世界，发掘日常之物在被艺术的目光审视后，所能释放出的惊人能量与深邃思想。

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这本书的文本部分，如果用传统艺术评论的眼光去看，可能会感到有些出乎意料的“直白”。作者的文字像是一份技术手册，掺杂着大量行业术语和对特定材料性能的描述，毫不拖泥带水，拒绝任何矫揉造作的抒情。这种非学院派的表达方式，反而带来了极强的说服力。他似乎在用一种“如果我给你工具，你也能做出来”的姿态来对话读者，但这背后的逻辑链条却是异常复杂和严密的。特别是当他解释某些看似荒谬的材料替换背后的功能性考量时，你会恍然大悟，原来所有的“戏仿”和“挪用”都是建立在对原作机制的深刻理解之上的。这不仅仅是简单的模仿，更像是对既有文化符号进行了一次彻底的“逆向工程”拆解。书中的自述部分，没有故作高深，而是坦诚地探讨了创作中的预算限制、时间压力，以及如何用最少的资源达成最大的视觉冲击力，这使得整个阅读过程充满了智力上的愉悦感和发现的惊喜。

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这本书的整体节奏把握得非常巧妙，它不是线性的叙事，更像是一系列精心编排的展览目录，每一章都像是一个独立而完整的微型展览。即便只是随便翻到某一页，你都能立刻被吸引进去，因为图像和文字的密度都非常高。它迫使你慢下来，去观察那些通常会被我们的大脑自动过滤掉的细节——比如，螺丝的型号、涂层的厚度、连接处的焊接方式。对我这样一个关注设计美学的人来说，这本书简直是打开了新世界的大门，因为它证明了真正的创新往往不是凭空想象出来的，而是建立在对现有技术和材料的透彻理解，并对其进行富有想象力的“越界”使用之上。它没有提供标准答案，而是提供了一套极度个人化、但又逻辑自洽的思考框架。合上书本后，我发现自己看周围的日常物品的眼光都变了，开始好奇它们是如何被制造出来的，这种潜移默化的影响，是任何一本纯理论书籍都难以达到的效果。

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读完这本书，我最大的感受是，作者对于“过程”的执着简直到了偏执的地步。他似乎并不满足于展示最终的成品，而是将那些被我们通常视为“不完美”的中间步骤——那些草图、那些失败的模型、那些工具的痕迹——都毫不保留地呈现在读者面前。这种近乎坦白的方式，彻底打破了艺术创作中那种神秘化、神圣化的滤镜。你会清晰地看到，那些看似理所当然的复杂装置是如何一步步用最基础的工具、最朴素的逻辑搭建起来的。书中对工作坊环境的描绘尤其生动，那些堆积如山的零件、混乱却有规律的工具摆放，本身就是一种叙事。它不是在教你如何“做”艺术，而是在展示一种思维模式：如何将系统性的、工程师式的严谨，嫁接到充满个人趣味的创作冲动之上。这种混合了孩童般的玩乐精神和精密机械的执行力，在我看来，是理解其作品精髓的关键。它挑战了那种认为艺术必须是“灵光一现”的观念，强调了汗水和时间投入的价值。

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这本书的装帧设计简直是一场视觉盛宴，那种粗粝的质感和不加修饰的坦诚，让人一上手就知道这不是一本寻常的艺术画册。封面上的排版布局，带着一种近乎工业化的精确美学，但细看之下，又能在那些看似随意的笔触和材料选择中，捕捉到一丝玩味和反叛。内页的纸张选择也极为考究，不同的章节使用了不同的材质，有的光滑如镜，有的则吸光沉静，这种触觉上的多变，极大地丰富了阅读体验。每一次翻页，都像是在探索一个全新的物理空间，而不是简单地浏览图片。尤其是那些对作品细节的特写，光影的处理达到了惊人的细腻程度，仿佛能透过纸张感受到金属的冰冷、塑料的纹理，甚至是胶带的拉扯感。这种对“物”本身的极致关注，已经超越了一般摄影记录的范畴，更像是一种对物质世界进行解构和重组的宣言。光是研究它如何将日常的、廉价的材料提升到艺术殿堂的这种手法，就足够让人沉浸其中，反思我们习以为常的审美标准。整体而言，这本书的物理形态本身就是一件精巧的装置艺术，完美地呼应了其核心精神。

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我特别欣赏这本书中关于“尺度”和“语境”转换的讨论，虽然书里没直接使用这些词汇，但其作品呈现的逻辑无处不在。作者似乎热衷于将那些宏大叙事中的符号，强行缩小到个人操作的尺度，或者反过来，用最微小的手工件去重现那些庞然大物的结构感。这种强烈的对比和并置，产生了一种奇特的幽默效果，但这种幽默绝非肤浅的笑料，它直指文化消费的核心：我们如何看待那些被镀金的、被神化的“大师之作”？通过构建一个“可控的、可复制的微缩世界”，作者巧妙地解除了原物的权威性，邀请我们以一种更平等、更具动手能力的视角去审视它们。书中对道具制作的记录，充分展现了这种“扮演”和“重构”的仪式感。这让我反思，我们日常生活中对许多事物的定义，究竟是源于其内在价值，还是其被赋予的社会标签。这本书提供了一个绝佳的工具箱，去拆除这些标签。

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