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出版者:McGraw-Hill College

作者:Wilson, Edwin (EDT)/ Goldfarb, Alvin (EDT)

出品人:

页数:545

译者:

出版时间:2006-12

价格:$ 113.00

装帧:Pap

isbn号码:9780073514130

丛书系列:

图书标签:

• 戏剧
• 实验戏剧
• 先锋戏剧
• 表演艺术
• 戏剧史
• 美国戏剧
• 20世纪戏剧
• 戏剧理论
• 活剧
• 戏剧选集

晦暗的边缘：二十世纪后半叶先锋戏剧的探索与回响 一部深入剖析剧场革命浪潮的里程碑式著作，聚焦于那些挑战既有美学、颠覆观众预期的实验性戏剧团体及其核心理念。 本书并非对传统戏剧流派的回顾，而是对二战后西方世界，特别是欧洲与北美大陆上涌现出的，以“行动即意义”、“身体即文本”为核心的激进戏剧运动的深度考察。我们着眼于那些不满足于线性叙事、拒绝舞台自然主义，并积极寻求与观众建立非传统联结的先锋艺术实践。 第一部分：从“反剧场”到“过程美学”的萌芽 (1950s - 1960s 初) 本部分追溯了战后欧洲知识分子对既有文化秩序的反思，以及这种反思如何在舞台上找到了最直接的表达。我们首先考察了欧洲“黑色剧场”的残余影响，但重点转向了彼时正在形成中的，以对“文本权威性”的解构为开端的探索。 1. 雅克·科波（Jacques Copeau）遗绪与新的空间观： 虽然科波是更早期的革新者，但他的空间理念——强调剧场作为“仪式场所”的本质——为后来的实验者提供了精神资源。本书详细分析了如何从对“沉浸式剧场”的早期设想，转向对“去中心化舞台”的实践。我们审视了阿诺德·巴克（Arnold Becklin）在瑞士的初期工作，其对即兴和环境剧场的初步尝试，如何孕育了后来的“事件”概念。 2. 欧文·加文（Irving Garvin）的“非结构化表演”理论： 加文的早期论文《失语的舞台》被视为对传统戏剧逻辑的首次全面挑战。他主张戏剧的价值不在于“再现”（Representation），而在于“发生”（Occurrence）。本书详细分析了加文如何运用随机性、噪音和非训练有素的参与者来瓦解观众的预设期待。这一阶段的实践，往往在废弃工厂、地下室或临时搭建的空间中进行，强调身体的物质性与环境的压迫感。 3. 早期美国“即兴浪潮”的形成： 聚焦于纽约格林威治村和旧金山贝克地区，探讨了受爵士乐结构（尤其是自由爵士）影响的表演工作坊。这些团体，如“动态矩阵”（The Kinetic Matrix），开始系统性地运用默剧、感官剥夺和循环动作来建构表演片段，它们的作品往往短促、激烈，主题集中于个体的异化与都市的疏离感。 第二部分：身体的政治学与仪式剧场的崛起 (1960s 中期 - 1970s) 这是先锋戏剧爆发性增长的十年，社会动荡、反战运动与民权斗争为剧场提供了前所未有的政治语境。本部分将重点分析身体如何成为反抗的唯一可信媒介。 1. 东方哲学的渗透与身体的“去功能化”： 深度剖析了日本“舞踏”（Butoh）以及印度卡拉里（Kalaripayattu）等东方身体训练体系对西方实验戏剧的决定性影响。书中选取了数个在欧洲巡演的团体案例，展示了他们如何将“慢动作的痛苦”、“白色的面具”和“内在景观的具象化”融入自己的作品结构中，以此对抗西方的理性主义美学。 2. 雅克·阿尔托的遗产重构： 尽管阿尔托的《残酷戏剧宣言》广为人知，但本书着重分析了那些真正将“残酷”付诸实践的团体。残酷不再是情感上的凌虐，而是对形式和语言的暴力突破。我们分析了如何利用极端的声音设计（如高频啸叫、低频震动）和非同步的视觉元素，迫使观众从被动的观看转变为主动的生理感知。 3. 场景构建与“环境沉浸”的深化： 这一时期的剧场不再是“在……之上”（on a stage），而是“在……之中”（in the environment）。本书详细描述了如何利用建筑的原始结构、光线的自然流变和气味的调动来构建“非线性叙事空间”。例如，某团体的作品要求观众在黑暗中穿行数小时，通过触觉和听觉碎片拼凑出“故事”的残骸。 4. 政治行动的剧场化： 探讨了激进团体如何将街头抗议、占领行动与剧场实践融合。这些表演往往界限模糊，模糊了艺术与生活的边界。本书展示了他们如何运用集体意象、拟态行动和周期性重复来强化政治信息，而不诉诸于口号或说教。 第三部分：后结构主义的舞台转向与观众角色的重塑 (1970s 晚期 - 1980s) 随着初期激情的减退，实验剧场开始转向对自身理论基础的审视，并引入了后结构主义的复杂性。 1. 文本的碎片化与“词语的消亡”： 重点分析了那些彻底放弃对话和清晰角色身份的实践。这些作品往往是多重声音、录音、电视节选和空白时刻的拼贴。书中探讨了“静默”在这些剧作中的多重功能：是叙事的空白、是抵抗的姿态，还是纯粹的审美体验？ 2. 科技媒介的介入与“屏幕的统治”： 在此阶段，录像技术和早期电子影像开始被有意识地整合。与后来的多媒体剧场不同，这些实验者并非为了炫技，而是为了探讨“身体在镜头前如何被观看”以及“屏幕如何扭曲现场感”。我们分析了早期运用延迟反馈（delay feedback）系统来制造自我观看和自我审判的表演模型。 3. 符号学的去编码与观众的责任： 这一时期的作品将解读的负担几乎完全抛给了观众。本书审视了那些刻意使用模糊、多义且相互矛盾的符号系统的作品。核心观点是：如果剧场不再提供意义，那么观众必须自己创造意义，或者接受“无意义”本身即是当代处境的真实写照。 结语：未竟的呼唤 本书的最后一部分超越了具体团体的案例，旨在评估这些革命性探索的长期影响。它探讨了这些实验性工作如何在主流戏剧中留下回响，以及它们留给未来创作者的真正遗产——那份对“何为剧场”永不满足的追问。这部作品提供了一幅清晰的地图，标记出二十世纪后半叶，一群勇敢的艺术家是如何在废墟上，试图重建一个更诚实、更具活力、也更令人不安的舞台世界的历程。

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读完这本厚厚的文集，我有一种强烈的宿醉感——不是宿醉的头痛，而是一种精神上的过度饱和。它的内容密度极高，仿佛每一页都压满了二十世纪中叶以来西方先锋艺术的全部重量。我尤其欣赏作者（或编者）在引入部分对于“活的剧场”这一概念的梳理，那种对“当下性”和“事件性”的执着追求，简直是教科书级别的阐述。它清晰地勾勒出了从布莱希特到后来的实验剧场运动之间的谱系关系，但又没有被历史的洪流所裹挟，而是坚守着一种近乎宗教般对剧场“仪式感”的复兴诉求。书中的一些剧作片段，其结构极其松散，情节更是支离破碎，但正是这种破碎感，精准地捕捉了后现代社会个体经验的碎片化状态。阅读时，我时常需要停下来，不是因为看不懂，而是因为需要时间去消化那些突然出现的、尖锐的、如同手术刀般的句子。这本书的价值，在于它提供了一套完整的方法论，去理解剧场如何从叙事工具异化为反思自身的棱镜。

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这本选集无疑是献给那些不满足于“看戏”的剧场探索者的宝贵资源。它不像那些印刷精美的文学作品，更像是一份从历史现场抢救出来的、沾满了油墨和时代灰尘的“行动纲领”。我个人对其中对于“非机构化”剧场运动的记录特别感兴趣，那些关于如何在简陋空间内实现最大化艺术张力的实践记录，充满了创造性的智慧。文字本身似乎也带有强烈的行动倾向，它们不是被“写”下来的，更像是被“记录”下来的瞬间爆发。我读到一些剧作的注释部分，详细记录了演员们在排练中遭遇的身体极限和心理冲突，这些“幕后花絮”比许多成熟剧目的成品更具启发性。这本书让我意识到，真正的“活的剧场”其核心不在于舞台技术的华丽，而在于它挑战既有观看模式的勇气和能力。它是一面镜子，照出的是观众的麻木，而剧场本身，则是一个永不休止的、充满危险和激情的“在场”实验。

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这本书的阅读体验是断裂的，充满了惊叹号和问号的交替闪烁。它不像传统戏剧选集那样温文尔雅，而是像一把粗粝的锉刀，打磨着我们对“表演”的既有期待。有些篇章的文字简直是为行动而生的——你几乎能闻到舞台上汗水和尘土的气味，听到木板被踩踏发出的咯吱声。我发现，很多剧本的说明部分比对话本身更引人入胜。例如，描述演员如何在观众席间穿梭，或者如何使用日常物品（如一堆生锈的铁链或一盆泥土）来构建一个宏大的象征体系。这要求读者必须具备极强的画面构建能力。我试着将其中一个短篇搬进脑海进行“排演”，结果发现，任何中规中矩的舞台设计都会瞬间被文本中的原始冲动所摧毁。这本书真正厉害的地方在于，它迫使你承认：伟大的戏剧并不总是发生在舞台的中央，它可能发生在观众席的边缘，甚至在你阅读时脑海中瞬间爆发的那个意象里。

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这部《Anthology of Living Theater》真是让我大开眼界，它不仅仅是一本剧本集，更像是一部活生生的艺术宣言。初翻开时，我被那些极具冲击力的舞台调度和近乎野蛮的文本张力所震撼。它彻底颠覆了我对传统戏剧的认知。舞台不再是镜框，而是一个充斥着原始能量的场域。那些角色，与其说是人物，不如说是某种精神状态的具象化，他们的台词像是从某种集体无意识深处挖掘出来的，充满了难以言喻的象征意义和令人不安的真实感。我记得其中一幕，演员们在几乎全黑的舞台上进行着缓慢而痛苦的肢体抗争，没有一句对白，但那种无声的呐喊比任何激烈的独白都更具穿透力。这本书的排版和设计也十分考究，黑白分明的字体和不规则的留白，仿佛本身就在模仿剧场中光影的对比，让人在阅读时也能感受到那种被光束聚焦或被黑暗吞噬的紧张感。这本书无疑需要读者投入极大的耐心和开放的心态去接纳，它不会提供易于消化的故事，而是要求你直面那些隐藏在日常表象之下的焦虑与躁动。对我来说，它更像是一次心灵的洗礼，迫使我重新审视艺术的边界和人类存在的本质。

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如果说戏剧是时间的艺术，那么《Anthology of Living Theater》就是对线性时间观的彻底反叛。阅读这些作品，时间感是扭曲的——上一秒可能还在进行着漫长、近乎冥想的静默，下一秒就爆发出一连串快速、尖锐的、充满政治隐喻的诘问。这本书的语言风格极其多变，时而像哲学论文般严谨，时而又回归到街头巷尾的粗粝呐喊，这种极端的反差，正是它生命力的来源。我特别喜欢其中几篇对“主体性”的消解尝试，演员不再代表任何个体，他们成为了一种可被操纵、可被消耗的媒介，用来展示社会机器的运作和个体的异化。这无疑是对“人本主义”剧场的一次强力抨击。对于那些渴望从戏剧中寻找慰藉或传统美感的读者，这本书可能会带来极度的不适，因为它拒绝提供任何情感上的出口，它只提供一个观察人类困境的，冰冷而诚实的放大镜。

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