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出版者:Ashgate Pub Co

作者:Moore, Henry/ Garrould, Ann/ Henry Moore Foundation (COR)

出品人:

页数:263

译者:

出版时间:

价格:150

装帧:HRD

isbn号码:9780853316008

丛书系列:

图书标签:

• 雕塑
• 现代艺术
• 英国艺术
• 亨利·摩尔
• 艺术史
• 雕塑艺术
• 抽象艺术
• 20世纪艺术
• 艺术设计
• 艺术作品

雕塑的呼吸：空间、形式与人文的交响 《空间之形：现代雕塑的内在语言》 图书简介 一、 导论：重塑“三维”的哲学命题 本书并非一部聚焦于特定艺术家的传记或作品选集，而是一场对现代雕塑作为一种独立艺术语言的深刻剖析。它将现代雕塑视为一种对传统再现性美学的颠覆，探讨艺术家如何通过对空间、物质、体积与虚空的重新定义，构建出全新的感知维度。我们将从20世纪初立体主义对形体的解构开始，追溯雕塑如何从附属品、纪念碑的角色中解放出来，成为一种自主的、与观看者进行物理对话的存在。全书的核心论点在于：现代雕塑的真正革新，在于它不再是描绘或模仿现实的“物体”，而是组织和激活其周围空间的“事件”。 二、 第一部分：物质的觉醒与反抗 本部分深入探究了20世纪中叶以来，艺术家对传统材料（如大理石、青铜）的挑战，以及对工业材料的拥抱。 1. 工业时代的肌理与诚实性（Material Honesty）： 我们将考察立体派向未来主义过渡时期，材料的“诚实性”原则——即材料的特性（重量、纹理、切割痕迹）不应被掩盖，而应成为作品意义的一部分。重点分析了早期拼贴（Assemblage）技术如何将日常废弃物提升至艺术殿堂，探讨了这种“现成品”哲学对后续装置艺术的深远影响。 2. 结构的解放：穿透与轻盈的悖论： 雕塑不再是坚实的“块体”。本章详细阐述了“穿透性结构”（Perforated Structure）的兴起，探讨了艺术家如何利用镂空、网格和骨架来定义内部空间。这种对“负空间”（Negative Space）的强调，使得作品在视觉上呈现出轻盈感，但其在物理上对重力的挑战和对环境光线的捕捉，反而增强了作品的内在张力。 3. 表面叙事：氧化、锈蚀与时间的印记： 现代雕塑越来越少地追求光滑、永恒的表面。本章聚焦于材料的自然老化过程被纳入作品美学考量的现象。氧化、锈蚀、风化不再是作品的缺陷，而是记录其存在时间、与环境互动的“叙事层”。我们分析了这种“未完成”或“时间侵蚀”的美学，如何挑战了古典雕塑对永恒性的追求。 三、 第二部分：空间、运动与观看的场域 雕塑的革命性在于它将“场域”（Site）的概念引入了纯粹的体积概念之中。 1. 场的构建：环境与雕塑的共生： 本部分将雕塑视为一种“场域构建者”。它不再被局限在底座之上，而是直接作用于其所处的环境。我们将考察“场所特定艺术”（Site-Specific Art）的早期萌芽，探讨艺术家如何利用建筑环境的线条、尺度和光线，使雕塑与环境产生不可分割的联系。雕塑的边界不再是作品本身的边缘，而是其对周围空间的影响范围。 2. 动感的捕捉与时间的流动： 考察了动态雕塑（Kinetic Sculpture）的哲学意义。运动不再是外部施加的能量，而是作品内部生命力的体现。我们分析了如何通过机械结构或利用自然元素（如风、水流）来模拟持续的变化，从而迫使观众在多个时间点进行观察，打破了传统雕塑的“瞬间定格”。 3. 身体的投射与互动： 现代雕塑极大地拓展了观众的体验。本章探讨了作品的尺度（从微观到巨型纪念碑）如何影响观众的身体感受——是压迫、包围、还是引导？我们将分析那些要求观众绕行、穿过或触摸的作品，探讨这种身体参与如何模糊了观看者与被观看物之间的界限，使观看行为本身成为作品的必要部分。 四、 第三部分：概念的重量：从具象到非具象的转向 本书的第三部分将焦点从形式的物理性转移到其背后的思维结构。 1. 抽象的语法：几何体与有机形的对话： 现代雕塑常常在纯粹的几何抽象和对自然形态的提炼之间摇摆。我们将分析艺术家如何使用最基础的几何元素（立方体、球体、平面）来表达复杂的哲学概念，例如秩序、无限或断裂。同时，也会探讨有机形抽象如何从生命形态中汲取灵感，但拒绝模仿，而是提取其内在的“生长逻辑”。 2. 隐喻的重量：空洞的意义： 现代雕塑常常以“空洞”或“缺失”来表达存在。本章探讨了空洞不再是物质的缺乏，而是主动的、被界定的空间。这种“减法”的美学，挑战了观众对“完整性”的传统定义，引导观众去思考“不在场”所蕴含的意义。 3. 媒介的边界消融与延伸： 随着技术的发展，雕塑的定义变得越发模糊。本部分将讨论雕塑如何渗透进装置艺术、行为艺术乃至数字媒体。关键在于理解，无论媒介如何变化，现代雕塑的本质精神——即通过物质或非物质的介入来组织和定义空间——始终得以延续。 结论：雕塑作为一种持续的提问 本书旨在证明，现代雕塑是一门关于“关系”的艺术：物质与空间的关系，作品与环境的关系，以及观看者与形式之间的身体关系。它不是一套固定的答案，而是一系列开放性的、邀请思考的物理陈述。通过对这些形式语言的解构，我们得以更深入地理解艺术家如何通过雕塑这一古老媒介，对当代世界进行最前沿的哲学拷问。阅读本书，即是学习如何以一种全新的、更具参与性的方式，去“感知”我们周围被组织起来的三维世界。

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对于想了解二十世纪雕塑如何从具象藩篱中解放出来的读者来说，这本书提供了一个绝佳的案例分析路径。它的排版设计非常克制，大量留白使得每一幅图像都获得了足够的呼吸空间，避免了信息过载，让观者可以真正“看进”作品。我特别欣赏编辑在介绍创作背景时，采取的非线性叙事手法。我们不是按照时间顺序被动地接受信息，而是通过不同时期的作品并置，自行构建出艺术家的创作脉络和核心母题的演变。比如，一个早期相对写实的头部研究，紧邻着一个后期完全几何化的穿孔圆柱，这种强烈的对照，使得“简化”和“提炼”的过程变得可视化。书中对材料处理的细节描述，例如如何通过手工打磨和铸造过程中的意外纹理来增强作品的生命力，非常专业且引人入胜。这本书成功地将一位大师的创作历程，转化为了一场关于形式美学和物质哲学的深度探讨。

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翻阅这本书的过程，与其说是阅读，不如说是一场关于“体量感”的训练。我发现自己不自觉地开始用双手去“触摸”书页上的图像，试图去感受那些凹陷与凸起，去想象将一个如此巨大的形体搬运到工作室的难度。书中的大量彩图，尤其是对户外大型装置的拍摄，总能捕捉到一种在画廊灯光下难以捕捉到的光影效果，那种光线在巨大曲面上蜿蜒流淌的感觉，令人心折。我关注到，无论作品的抽象程度如何提升，总有一条清晰的线索——对人体基本形态的尊重与变形——始终贯穿其中。这使得即便是最激进的抽象作品，也依然保留着某种可供人理解和共情的“人体记忆”。这本书没有过度解读，而是将主动权交还给了观者，提供了足够的视觉证据，让每个人都能在那些巨大的、弯曲的形态中，投射出自己对“自然”、“身体”与“纪念碑”的理解。

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老实说，最初接触这个名字，我带着点审视的眼光，毕竟抽象雕塑的领域里，充斥着太多故作高深的“概念堆砌”。然而，当我开始系统地浏览这本精装书中的图像时，我的偏见迅速瓦解了。吸引我的并非是理论的复杂性，而是作品本身所散发出的那种毫不矫饰的、坦率的力量。那些巨大的户外作品，无论放置在何种环境中——是光秃秃的田野，还是现代主义建筑的广场前——它们都能瞬间建立起一种不可动摇的存在感。它们如同从大地深处生长出来的，具有一种地质学上的厚重感。尤其是在比较了早期铅笔素描和后来的成熟青铜铸造件后，更能体会到艺术家在追寻“本质形式”这条道路上所付出的艰辛与探索。我留意到许多评论会强调其与布朗库西或阿尔普的关联，但就我个人体验而言，这位艺术家的作品似乎更根植于英格兰本土的某种泥土气息和古老神话的遗迹之中，那种沉甸甸的、无可辩驳的“存在感”，非常耐人寻味。

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这本厚重的画册，一打开就仿佛被一股强大的、近乎原始的雕塑力量所攫住。我花了整整一个下午，沉浸在那些粗粝的青铜、温润的大理石和看似随意却蕴含着宇宙规律的形体之间。最让我震撼的是他对“空间”的理解，他不是在填满空间，而是在雕刻“负空间”，让空气本身成为作品的一部分，与实体形成一种令人屏息的对话。那些躺卧的人体，那些弯曲、穿孔的抽象结构，它们似乎都在讲述着亘古不变的人类处境——诞生、成长、消亡，以及与自然界永恒的纠缠。书中的布光和摄影技术也值得称赞，完美地捕捉了雕塑表面那种令人着迷的肌理感，阳光下的阴影变化，简直是另一个维度的作品。我尤其喜欢其中关于“母亲与孩子”系列的作品，那种既具纪念碑式的宏伟感，又不失母性最柔软、最内在的温柔，实在难以用语言完全概括其精妙。翻阅过程中，我能清晰地感受到一种强烈的生命冲动，仿佛这些石头和金属都在呼吸，都在经历着漫长的时间洗礼。这不仅仅是一本关于艺术家的作品集，更是一部关于物质、形式与精神如何共存的哲学宣言。

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我更倾向于将这本书视为一本关于“触觉记忆”的文献。不同于那些纯粹的、冰冷的图像复制品，这里的每一张照片似乎都带着一丝温度和粗糙感。我能想象出艺术家站在工作室里，用手指感受着粘土的湿度和塑性时的专注。最让我心神不宁（褒义）的是那些似乎永远没有尽头的“穿孔”和“切口”——它们不仅是造型的一部分，更是艺术家对雕塑“物质性”的挑战。他似乎在问：一个实体可以被掏空到什么程度，还能保持其雕塑的完整性？书中的文字部分，虽然简练，却点出了他对“雕塑是一种生命活动”的核心信念。对于那些痴迷于材料本质和形式语言的爱好者来说，这本书无疑是一部值得反复研读的宝典，它不提供廉价的答案，而是提供了一扇通往纯粹造型艺术深处的、布满迷人阴影的门廊。

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