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出版者:上海古籍出版社

作者:[明]文徵明 著

出品人:

页数:948

译者:

出版时间:2014-12

价格:178.00元

装帧:平装

isbn号码:9787532573158

丛书系列:中國古典文學叢書

图书标签:

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《晚明书画史论》 内容提要： 本书是一部系统梳理明代晚期（约万历至崇祯年间）书画艺术发展脉络的学术专著。全书以史为纲，以论为目，深入剖析了这一特定历史时期社会思潮、文人精神与艺术流派之间的复杂互动关系。重点关注了以董其昌、陈继儒为代表的松江画派的理论建构与实践创新，探讨了他们如何继承并重塑“元四家”的文人画传统，并构建了一套影响深远的绘画品评标准。同时，本书也着力发掘了被主流话语长期忽视的区域性绘画中心和非主流艺术家的创作面貌，例如对徽州、福建等地的地方性艺术实践的考察，以及对新兴市民阶层审美趣味对艺术创作渗透的分析。 在书法领域，本书将明末清初的书法风尚视为对晚明士人政治困境和文化焦虑的一种精神投射。通过对黄道周、倪元璐、傅山等人的书风演变进行细致的文本解读和风格比较，揭示了他们在书法创作中如何通过笔墨的奇崛、古拙或险峻来表达对时代变迁的复杂情感。特别强调了“尚态不尚法”的审美倾向在这一时期的强化，以及碑学开始抬头，对帖学传统构成的潜在挑战。 第一部分：时代背景与士人精神的转向 明代晚期是一个充满内在矛盾的时代。一方面，江南地区的经济持续繁荣，商品化趋势加剧，市民文化初露端倪；另一方面，政治上党争激烈，思想上程朱理学受到空前挑战，李贽的“童心说”等异端思潮广泛传播。这种社会结构的松动和精神领域的探索，直接塑造了艺术家的创作心态。 本书首先界定了“晚明”这一时间概念，并将其置于明代艺术史的断裂与延续之中。着重分析了文人阶层在“内卷化”的科举制度和日益严苛的政治审查下，如何寻求文化上的“避世”与艺术上的“自足”。“独往独来”的审美趣味开始取代早中期推崇的规范与法度，成为衡量艺术价值的核心标准。 第二部分：绘画领域的“董体”与反思 松江画派是明末书画史上无法回避的核心议题。本书用大量篇幅细致阐述了董其昌的“南北宗论”的理论结构及其历史局限性。我们认为，董氏的理论并非简单的分类法，而是一种高度精英化的文化话语权构建，旨在确立江南文人画的绝对正统地位。通过对董其昌大量传世作品的“淡墨山水”风格进行笔墨语言学的分析，揭示了其如何通过对元代笔墨技巧的提炼和意境的简化，达到一种“出神入化”的“逸品”境界。 然而，本书并未止步于推崇。通过引入“民间艺术”和“地方画派”的视角，我们审视了那些在董氏话语体系之外的艺术实践。例如，对以曾鲸为代表的肖像画（写真）的兴起进行了深入研究。写真在捕捉人物神韵、写实功力上的进步，反映了士人对个体生命真实体验的关注，这与山水画的玄思有明显的张力。此外，对晚明版画的繁荣及其对绘画图式传播的影响，也提供了新的研究维度。版画的普及，使得一些原本局限于小圈子的绘画风格得以更广泛地扩散，加速了艺术语言的交流与碰撞。 第三部分：书法：从法度到个性的呐喊 明代书法发展至晚期，进入了对帖学规范的叛逆期。本书认为，晚明书法家的创作，是其内心世界的外化，具有极强的表现主义色彩。 倪元璐的书法被视为“拙朴”与“险怪”的极致结合。其用笔的欹侧、结构的疏密变化，不再追求晋唐的匀称与和谐，而是追求一种内在的“金石气”与“禅机”。他将中锋与侧锋的运用推向一个极端，使得每一个字都仿佛处于一种平衡的边缘，体现了士人面对动荡时局的内心挣扎。 与倪元璐的结构性叛逆相对，黄道周的书法则展现了对上古（如钟繇、索靖）的追溯和对魏晋碑体的融汇。他的行草，体势开张，笔力雄强，展现了一种儒雅外表下的坚毅和耿直。本书通过对这些书家墨迹的细致比对，探讨了“奇险”如何从一种审美上的“异端”逐渐转变为一种时代性的“正声”。 同时，我们关注到碑学思潮的萌芽。虽然此时碑学尚未成为主流，但一些有识之士已经开始将目光投向金石的质朴力量，为清代的碑学大兴埋下了伏笔。 第四部分：艺术品市场与审美观念的世俗化 本书的第四部分关注艺术创作背后的经济基础和消费群体。晚明时期，资本的积累使得艺术品市场空前活跃。书画不再仅仅是文人自我修养的工具，也成为了财富、地位的象征。 我们分析了这一时期“尺牍”（信札）的地位提升。在书法的范畴内，尺牍因其日常性、自然性，被赋予了更高的“真率”价值，体现了审美上对“天然去雕饰”的追求。对一些著名书家尺牍的个案研究，揭示了当时士人交游的广度与深度。 此外，对“书画收藏”现象的梳理，展示了收藏家（如项元汴等）如何通过大规模的收藏活动，间接影响了艺术品的流向和艺术史的书写。这种物质层面的介入，是理解晚明艺术生态不可或缺的一环。 总结： 《晚明书画史论》旨在提供一个多维度的、兼顾精英与地方、理论与实践的晚明艺术全景图。它强调艺术创作的“历史在场感”，即在特定的社会动荡与思想解放中，艺术家们如何以笔墨和线条，回应时代的呼唤，并最终塑造了中国艺术史上一个充满张力与创造力的伟大时期。本书的论述风格力求严谨细密，注重一手文献的考证和图像的细读，致力于为研究者提供一套扎实可靠的学术参照系。

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我是一个对古代绘画中“士气”和“趣味”非常敏感的读者，这本关于“清初四僧”画风演变的书籍，正好切中了我的关注点。这本书的独特之处在于，它将焦点放在了“个人命运”与“笔墨语言”的对应关系上。例如，对待髡残和八大山人的作品，作者没有采用并列介绍的方式，而是通过对比他们如何利用极简的构图和怪诞的造型来表达亡国的愤懑和遗民的孤独，使得画面中的每一个点、每一条线都充满了情感重量。书中的配图选择极具匠心，很多是博物馆级的精品，其装帧印刷也相当考究，充分尊重了原作的质感。读完后，你不会觉得这仅仅是艺术史的记录，更像是品读了几位伟大灵魂在特定历史背景下发出的沉重叹息，对于提升个人艺术鉴赏的深度和广度，非常有裨益。

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这本《明代文人画中的写意精神探微》的内容，用“磅礴大气”来形容都略显不足，它更像是一部梳理文人艺术思想脉络的宏大交响乐。作者的笔力极强，对“写意”二字的理解，已经超越了“不求形似”的肤浅概念，而是深入到了道家思想中“虚实相生”的哲学层面。书中对徐渭、陈淳等人的论述，尤其精彩，不仅展示了他们泼墨泼彩的狂放，更重要的是，解析了这种“狂放”背后，是对僵化格式的反叛与对个体生命力的极度肯定。全书的论证体系非常严谨，充满了大量的文献引用和思想史的串联，读起来像是在进行一场高强度的智力对话，需要不断地停下来思考和消化，绝非轻松的消遣之作，但收获是巨大的，它让你真正理解了，什么叫做“胸中有丘壑”。

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这本《山水画谱》真是让我爱不释手，尤其是它对宋元名家笔墨的精妙解析，简直是打开了我对传统绘画理解的一扇新窗。书里对董源、巨然的“披麻皴”的讲解，不是那种干巴巴的理论说教，而是结合了大量的原作局部放大图，让你能清晰地看到笔触的提按顿挫和墨色的浓淡变化。比如，书中专门有一章讲米芾的“刷笔山石”，不仅展示了米氏晕染的特点，还细致地分析了其受晋人书法影响的轨迹，这种跨学科的视角，让原本晦涩的技法变得生动起来。而且，作者的选材非常独到，不局限于大家耳熟能详的作品，还穿插了一些鲜为人知的精品，拓宽了读者的视野。对于想要深入研究中国山水画技法，尤其是对古代画家如何处理空间层次和氛围营造感兴趣的同好来说，这本书绝对是案头必备的工具书，读完后感觉自己的笔墨都有了新的方向感。

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说实话，我对古代的印章艺术一直抱持着一种敬而远之的态度，觉得那大多是考据家的范畴。但这本书，一本关于“篆刻流派源流”的入门读物，彻底颠覆了我的看法。它没有一开始就抛出复杂的刀法理论，而是从不同地域的石材特性入手，解释了为什么西泠八家会发展出那种圆润内敛的风格，而皖派的篆刻家们则偏爱那种刚劲峭拔的线条。书中的插图清晰度极高，尤其是那些罕见的“朱文”和“白文”的对比页，让你能直观感受到刀痕与字体结构之间的微妙关系。最让我惊喜的是，作者还附带了一部分当代篆刻家的访谈录，谈论了他们在继承传统和追求创新之间所面临的困境与选择，这使得这门古老的技艺重新焕发了生命力，让我跃跃欲试想去刻几方小印玩玩。

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我最近沉迷于明代文人书法的研究，偶然间发现了这本关于“吴门画派”的专题论著，其中的论述角度非常新颖，让人耳目一新。这本书的重点并非简单罗列画家生平，而是聚焦于当时苏州地区文人阶层独特的审美趣味是如何渗透到他们的创作实践中的。作者巧妙地将当时的社会风气、园林艺术乃至诗词格律的变化，与这些画家的用笔习惯进行对比分析。例如，书中对唐寅晚期作品中那种略带萧瑟的用墨方式的解读，就不仅仅停留在技巧层面，而是联系到了其仕途的失意，这种深度的文化剖析，使得作品不再是孤立的图像，而有了鲜活的历史温度。阅读过程中，我常常需要对照着相关时期的诗集来理解作者的言外之意，这种探索式的阅读体验非常酣畅淋漓，远超一般的艺术史读物。

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“诗与画寅得与徵仲争衡；至其学行，寅将捧面而走矣。”读文徵明如见君子。

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太懒，竟然读了几个月。

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“诗与画寅得与徵仲争衡；至其学行，寅将捧面而走矣。”读文徵明如见君子。