This is Van Gogh

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出版者:Laurence King Publishing
作者:George Roddam
出品人:
页数:0
译者:
出版时间:2015-3
价格:0
装帧:精装
isbn号码:9781780674803
丛书系列:This is ...
图书标签:
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具体描述

Vincent van Gogh used art to express his intensely emotional response to the world around him. Enraptured by the beauty of nature and tormented by the sorrows of human existence, he produced in his tragically short life some of the most powerfully expressive paintings ever seen. Many have made the mistake of thinking him mad, and he did suffer throughout his life periods of mental anguish. But Van Gogh's paintings are not the works of a madman. Van Gogh famously sold only one painting during his life, but within a few years of his death he was recognized as one of the greatest modern painters.

《塞纳河畔的画笔:印象派的光影流转》 一本书,带你穿越十九世纪末巴黎的喧嚣与宁静,探寻那些捕捉瞬间光影的大师们的心灵世界与技法革新。 内容提要: 《塞纳河畔的画笔:印象派的光影流转》并非一部简单的艺术史编年,而是一次深入灵魂的探索之旅。本书将带领读者走进一个艺术思潮剧烈变革的时代——19世纪中后期,在法国巴黎,一个名为“印象派”的群体如何挑战既有的学院派权威,用全新的视角和前所未有的色彩语言,重新定义了“观看”与“描绘”的关系。 本书聚焦于莫奈、雷诺阿、德加、毕沙罗等核心成员的创作历程,但更侧重于剖析他们共同的哲学基础和技法上的突破,以及这些突破如何深刻影响了后续的现代艺术发展。我们不只是罗列画作,而是深入解析光线如何成为主角,笔触如何从细腻的描摹转向对色彩震动的捕捉,以及户外写生(Plein Air)如何成为这场革命的宣言。 第一部分:旧世界的黄昏与新曙光的初现 本章追溯了印象派兴起前的艺术土壤——以沙龙(Salon)为代表的僵化体系。我们将详细描述学院派对主题、构图和技法的严苛要求,以及这种体制如何压抑了年轻艺术家的创新精神。随后,笔锋转向那些不甘于被束缚的先驱者们。我们考察了日本浮世绘(Japonisme)对他们构图和平面化处理的启发,以及摄影技术对传统写实主义带来的冲击,迫使画家寻找新的表达途径。 重点分析了巴比松画派对自然观察的强调,以及马奈作为“现代生活的画家”所扮演的关键过渡角色。他的作品,如《草地上的午餐》和《奥林匹亚》,如何以其坦率的主题和粗粝的笔触,为印象派的爆发积蓄了必要的“叛逆能量”。 第二部分:光与色的几何学——印象派的核心革命 这是全书最具技术性和理论性的部分。我们将拆解印象派最核心的革新:对瞬间印象的捕捉。书中将用大量篇幅分析色彩理论在这一时期的应用。画家们如何放弃传统阴影中的黑色,转而使用补色来构建阴影的丰富性?他们如何利用并置的纯色块,让观者的眼睛在距离上完成色彩的混合(光学混合),从而产生比颜料本身更鲜活的光感? 我们将详细研究莫奈对同一景物在不同时间、不同天气下的系列创作,这不仅仅是数量上的积累,更是对时间维度和光线物理特性的科学探究。雷诺阿的肌肤处理,毕沙罗对乡村环境光线的敏感,以及西斯莱对天空和水面的精妙表现,都将被置于这一“光影科学”的框架下进行审视。 第三部分:超越工作室的束缚——现代生活的画布 印象派艺术家的主题不再局限于神话、历史或贵族肖像。他们将视角转向了日常的、流动的现代生活。本章深入探讨了这一主题的转变如何反映了社会结构的变化: 都市的脉动: 巴黎的城市更新(奥斯曼男爵的规划)为他们提供了全新的、充满活力的场景——火车站、宽阔的林荫大道、咖啡馆和剧院。德加对芭蕾舞者排练场景的捕捉,展现了对运动瞬间的精准拿捏和对室内灯光的驾驭。 闲暇与享乐: 描绘中产阶级的休闲活动,如船游、野餐和花园聚会。这不仅仅是记录享乐,更是对新兴社会阶层生活方式的赞美与记录。 女性视角的引入: 尽管男性艺术家占据主流,但本书也会探讨卡萨特等女性画家如何以其独特的“私密空间”视角,为印象派注入了更细腻、更富人情味的观察。 第四部分:风格的变异与未来的回响 印象派并非铁板一块,其内部的张力最终导致了风格的分化与超越。本章将讨论“后印象派”的萌芽。随着一些艺术家对印象派“过度关注瞬间”的不满,他们开始寻求更稳定、更有结构或更具情感深度的表达。 我们将分析塞尚如何试图重建物体的“永恒结构”并挑战视觉的二维性;如何看待梵高对色彩和笔触的纯粹情感释放;以及秀拉对科学点彩法的严谨追求。这些发展轨迹清晰地展示了印象派如何充当了从古典艺术到20世纪所有前卫艺术运动之间,至关重要的一座桥梁。 结语:不朽的“瞬间” 本书最终回归一个核心问题:为什么印象派的画作,这些看似随意捕捉的“印象”,却具有如此持久的生命力?答案在于,他们捕捉的不仅是光线,更是现代性(Modernity)本身的焦虑、活力与短暂之美。通过对技法、哲学和社会背景的全面考察,读者将能真正理解,这些塞纳河畔的画笔,如何永久地改变了我们感知世界的方式。 本书特色: 深入的技法解析: 详尽图解色彩调配和笔触运用,让非专业读者也能理解光学原理。 跨学科的视角: 结合当时的社会学、城市规划和摄影技术进行多维度解读。 精美复刻插图: 选取最具代表性、色彩还原度高的作品进行展示与分析。 丰富的文献佐证: 引用了大量艺术家的书信、日记及同时期评论家的观点,力求还原现场氛围。 适合读者: 对十九世纪欧洲艺术史、现代主义起源感兴趣的艺术爱好者、艺术史学生,以及任何希望深入了解光影美学如何塑造我们视觉经验的普通读者。阅读本书,如同置身于1870年代的巴黎画室,亲历一场艺术的伟大革命。

作者简介

文字作者:

乔治·罗达姆(George Roddam),在英国和美国的一些大学里教授艺术史。他的研究主要集中在英国现代主义艺术领域,并围绕这一课题发表了论文若干。他和他的妻子、两个孩子生活在英国东南部。

插图作者:

施洛瓦·哈拉西莫维奇(Slawa Harasymowicz),一位在伦敦发展的波兰艺术家。继2012年《狼人》(据西格蒙特·弗洛伊德的著名案例完成的插画小说)出版后,她计划在伦敦的弗洛伊德博物馆做一个个人展。她取得了2008年艺术基金会奖学金和2009年维多利亚和阿尔伯特博物馆插画奖。

中文译者:

吴啸雷,杭州人。毕业于浙江大学心理学系、北京大学艺术学系。曾供职于中国美术家协会,现为自由学人,主要研究领域为西方古典艺术和当代艺术。译有《艺术史写作原理》(合译)、《艺术的终结》等。

目录信息

读后感

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当我画一个太阳,我希望人们感觉它在以惊人的速度旋转,正在发出骇人的光热巨浪。 当我画一片麦田,我希望人们感觉到麦子正朝着它们最后的成熟和绽放努力。 当我画一棵苹果树,我希望人们能感觉到苹果里面的果汁正把苹果皮撑开,果核中的种子正在为结出果实奋进。 当我画一个男...  

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说起梵高,我总是会不由自主的联想到顾城,顾城是将他的精神寄居在帽子里,他不想让他的思想被世俗所污染,他的帽子就是他所独有的空间,接受采访也好,在街头散步也好,去朋友家聚餐也好,他都会带着他那顶普普通通的帽子,他像一位店小二,像一位虔诚的穆斯林,唯独不像个充...

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对很多画家的认识都仅限于一两张代表作。 而梵高,最熟悉的莫过于他的《星空》和《向日葵》。但这两幅画作所展示的只是他生活中的一部分。《向日葵》系列讲述的是热烈的生命,而《星空》讲的是有序的永恒。 但是如果把这本书读完,可以发现有那么多画作都在表现他对生活其他的...  

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当我画一个太阳,我希望人们感觉它在以惊人的速度旋转,正在发出骇人的光热巨浪。 当我画一片麦田,我希望人们感觉到麦子正朝着它们最后的成熟和绽放努力。 当我画一棵苹果树,我希望人们能感觉到苹果里面的果汁正把苹果皮撑开,果核中的种子正在为结出果实奋进。 当我画一个男...  

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对很多画家的认识都仅限于一两张代表作。 而梵高,最熟悉的莫过于他的《星空》和《向日葵》。但这两幅画作所展示的只是他生活中的一部分。《向日葵》系列讲述的是热烈的生命,而《星空》讲的是有序的永恒。 但是如果把这本书读完,可以发现有那么多画作都在表现他对生活其他的...  

用户评价

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坦白说,我拿到这本书时,抱着一种“试试看”的心态,因为我对这个主题的了解仅限于教科书上的几页内容。然而,这本书的阅读过程,简直像是在拆解一个精密的钟表,每一个章节都如同一个齿轮,咬合得天衣无缝,推动着整个叙事向前发展,并且最终指向一个令人深思的结论。作者在构建逻辑链条上的功力令人叹服,他没有采取时间线式的平铺直叙,而是巧妙地设置了若干个“焦点事件”,然后从这些点辐射开去,将相关的背景、人物动机、文化思潮层层剥开,直至展示出事件的全貌。这种非线性的叙述策略,极大地提升了阅读的趣味性,避免了信息过载带来的疲惫感。更值得称赞的是,书中引用的原始材料和二手文献的交叉验证做到了近乎完美的平衡,既保证了论证的强度,又保持了文本的可读性。每当我读到一些关键的转折点,总会忍不住停下来,回味作者是如何用看似轻描淡写的一句话,完成了对一个复杂局面的精准概括。

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这本书给我的最大触动,在于它让我重新审视了“理解”的深度。读完之后,我不再满足于对表面现象的认知,而是开始追问背后的“为什么”。作者在分析过程中展现出的那种近乎偏执的求真精神,感染了每一个读者。他不仅仅是在讲述故事,更是在解构主流叙事,不断挑战那些被奉为圭臬的既定结论。我特别欣赏他对那些“灰色地带”的坦诚处理,既不美化也不过度批判,而是将其置于历史的熔炉中进行冷静的考察。这种成熟的、多层次的视角,使得整本书充满了思辨的张力,让人在合上书本之后,依然能感到思维在持续地发酵和碰撞。它不像是一本让人读完就束之高阁的书籍,更像是一个可以反复回味、每次都能从中汲取新营养的知识源泉。这是一次真正意义上的精神洗礼,远超出了我购买它时对一本“历史读物”的全部期待。

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这本书的封面设计真是太抓人了,厚重的纸张和那种复古的印刷质感,一下子就把你拉回到了那个充满艺术激情与时代洪流的交汇点。我原本以为这是一本枯燥的艺术史梳理,但翻开后才发现,作者的叙事手法极其高明,他仿佛是一位技艺精湛的导游,带着读者穿梭于不同的历史场景之间。尤其让我印象深刻的是他对那个时期社会氛围的描绘,那种弥漫在空气中的躁动、对既有体制的反叛以及新思想萌芽的渴望,都通过细腻的笔触被刻画得入木三分。书中对一些关键事件的侧写也十分精彩,不是简单罗列事实,而是深入挖掘了事件背后的人性挣扎与选择的艰难。我特别喜欢作者在描述那些不为人知的小插曲时所展现出的那种同理心,让人感觉即便相隔百年,依然能与书中的人物产生深刻的情感共鸣。读完整本书,我感觉自己不只是了解了一段历史,更是体验了一段波澜壮阔的人生旅程。这种沉浸式的阅读体验,在近年来的非虚构作品中实属罕见,它成功地将学术的严谨性与文学的感染力完美地融合在了一起。

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我必须强调这本书在结构布局上的大胆创新。它不是一本线性叙事的传记或历史,更像是一部多维度的拼贴艺术品。作者采取了主题式划分,每一部分都聚焦于一个核心概念——或许是“光影的哲学”,或许是“被误解的社交困境”,这种切割方式使得原本庞杂的素材被有效地组织起来,形成若干个独立的、却又相互呼应的知识模块。这种结构的好处在于,读者可以根据自己的兴趣点,选择性地深入阅读某个模块,而不会因为跳跃性而感到迷失。但即便是这种模块化的处理,作者也通过巧妙的过渡句和反复出现的符号意象,将所有的碎片牢牢地锚定在同一个宏大的主题之下。这让我意识到,理解一个复杂的历史现象,需要的不是时间顺序的排列,而是对核心矛盾和内在驱动力的多角度审视。这本书的目录本身就是一份精妙的地图,引导读者进行一场思维上的探险。

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这本书的语言风格简直是一股清流,完全颠覆了我对同类题材书籍的刻板印象。它没有故作深奥的学术腔调,也没有过度煽情的文学辞藻堆砌,而是在一种极其克制、精准的白描中,蕴含着巨大的信息密度和情感张力。作者似乎深谙“少即是多”的精髓,寥寥数语就能勾勒出一个鲜活的场景或一个复杂人物的内心世界。例如,书中对一些日常片段的捕捉,比如清晨的薄雾、街角咖啡馆里的低语,都被赋予了独特的时代烙印,让人仿佛能闻到那个时代的尘土味和咖啡香。这种笔触的干净利落,使得阅读过程极为顺畅,几乎没有遇到任何需要停下来查阅背景知识的障碍。对于我这样一个追求阅读效率的人来说,这本书无疑是教科书级别的范本:如何在保持深度和广度的同时,将文字打磨得如此剔透、易于消化。它证明了严肃的主题也可以用优雅而轻盈的文字来承载。

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一本并不详尽的转记。但的确加深了我对梵高的了解。除了他很丧人生经历,还有他对日本绘画的兴趣,对想象中的日本的向往。对普通人的疾苦的挂怀。还有《星空》是inspired by morning star的事实···最佩服他的弟弟始终支持他。图多字少,字可能30页都没有

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一本并不详尽的转记。但的确加深了我对梵高的了解。除了他很丧人生经历,还有他对日本绘画的兴趣,对想象中的日本的向往。对普通人的疾苦的挂怀。还有《星空》是inspired by morning star的事实···最佩服他的弟弟始终支持他。图多字少,字可能30页都没有

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Van Gogh is too emotional more than mad.

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I found this book in Auckland library. This is a nice book, just like the belife of Lust for living.

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尽管他自身经历也是痛苦的,但梵高永不会放弃对周围人们苦难生活的同情之心。从《负重者》开始,他一直沿用这一方法:把事物的表象和他对于这个世界的强烈感情联系在一起。 他的画作都是在清醒的时候创作的,强烈的感情,以及随时准备以激烈的方式表达自己的想法,使他疏离于他所生活的时代,然而他的内心深处其实抱持着对整个世界近乎疯狂的热情。

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