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出版者:上海大学出版社

作者:马琳

出品人:

页数:192

译者:

出版时间:2014-1-1

价格:46.00元

装帧:平装

isbn号码:9787567111431

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艺术的边界：解构与重塑的多元图景 图书名称：艺术的边界：解构与重塑的多元图景 内容简介： 本书旨在对当代艺术领域中“边界”这一核心概念进行一次深入的、多维度的探讨。我们并非聚焦于任何特定的展览实践或策展个案，而是力图构建一个宏大的理论框架，用以分析艺术在面对传统分类、媒介限制、以及社会语境时所采取的解构与重塑策略。全书结构严谨，论证充分，面向对当代艺术理论、美学哲学以及文化研究感兴趣的读者。 第一部分：理论基石——边界的哲学溯源与艺术史定位 本部分首先回溯了“边界”在西方哲学传统中的历史地位，从柏拉图的“形而上学之界”到康德的“先验判断力之限”，探讨了边界如何作为一种认知和建构的工具存在。随后，我们将视角转向艺术史，分析艺术本体论在不同历史时期如何界定自身的领地。我们考察了现代主义运动中“为艺术而艺术”的纯粹化倾向，如何试图划清艺术与非艺术、高雅与通俗的界限。重点分析了杜尚的现成品（Readymade）对传统艺术定义边界的第一次颠覆性冲击，并将其置于早期现代主义危机的大背景下进行考察。 我们辩证地审视了“媒介纯化”的思潮，探讨了格林伯格（Clement Greenberg）等理论家如何通过强调媒介的“固有性”（Purity of Medium）来巩固艺术的内在边界。然而，这种纯化倾向在后来的艺术实践中迅速遭遇了挑战。我们详细分析了波普艺术、观念艺术如何有意地模糊了艺术与生活的界限，探讨了这种模糊化对传统艺术等级制度产生的深刻影响。 第二部分：媒介的消融与新形态的生成 本部分专注于当代艺术实践中，媒介本身如何成为一个被挑战和瓦解的对象。我们不再将媒介视为固定的载体，而是将其视为流动的、可塑的概念。 2.1 从物质到信息：数字化的渗透 我们深入剖析了数字技术对传统艺术疆界的消融作用。网络艺术、生成艺术、以及基于算法的创作实践，彻底打破了作品的物理性和单一性。讨论的重点在于：当作品不再拥有一个固定的物质形态，其“原创性”和“权威性”的边界在何处安放？我们引入了对“分布式作品”（Distributed Works）和“参与性体验”（Participatory Experience）的分析，探讨了观众与作品关系的重构如何从根本上动摇了艺术品的传统定义。 2.2 跨学科的迁徙：艺术对边缘领域的借用 本书重点研究了艺术如何主动“侵入”看似与其无关的领域，以拓展自身的外延。我们分析了艺术与科学（如生物艺术、数据可视化）、艺术与社会学（如行动主义艺术、社会实践艺术）的交汇点。这些跨界实践并非简单的嫁接，而是通过将特定领域的知识、方法论转化为艺术语言，从而重塑了艺术实践的工具箱和关注焦点。例如，我们详细分析了将科学实验方法应用于美学构建的案例，揭示了这种“借用”如何迫使艺术界重新界定其知识体系的合法性边界。 第三部分：空间与时间的重构——场域的流动性 艺术品的存在是依赖于特定“场域”（Field）的。本部分关注艺术家和理论家如何处理和操纵这些场域的固有边界。 3.1 机构批判的深化：白立方之外的张力 我们回顾了早期的机构批判，并将其发展到对当代艺术生态系统中权力结构的审视。重点分析了当代艺术如何超越传统的博物馆和画廊——即“白立方”——进入公共空间、虚拟空间乃至日常生活本身。这种空间上的拓展，实质上是对“何种空间有权容纳艺术”这一根本问题的重新协商。我们探讨了“临时性”（Temporality）在艺术作品中的作用，分析了那些刻意设计为转瞬即逝或依赖于现场互动的作品，它们如何挑战了艺术品“永恒性”的传统价值主张。 3.2 体验的尺度：从观看对象到生活事件 本书着重探讨了体验美学的兴起如何冲击了以视觉为核心的艺术界限。我们区分了“观看体验”和“卷入体验”，分析了那些要求观众身体参与、情感投入甚至伦理选择的艺术形式。这种转变意味着艺术不再仅仅是供人审美的客体，而日益成为一种生活事件或一次社会性的介入。我们审视了这种“事件化”趋势对艺术品可收藏性、可复制性以及价值评估标准带来的冲击。 第四部分：后人类视域下边界的未来形态 在收尾部分，我们展望了在人工智能、生物技术飞速发展的背景下，艺术的边界可能走向何方。 我们探讨了“创作者”这一边界的模糊化：当算法成为共同创作者甚至主要驱动力时，人类的创造性角色如何被重新定义？这种去中心化的创作模式，对艺术的作者身份和随之而来的知识产权提出了根本性的挑战。 最后，本书以一个开放性的问题作结：如果艺术的本质在于对既定边界的质疑和超越，那么当所有既有的界限——媒介、空间、作者、观众——都被系统性地解构时，艺术是否会消融于无边界的“存在”之中？或者，这种无界限的状态本身，是否将成为一种新的、更为隐蔽的、需要重新被定义的艺术边界？本书力求提供深邃的思考工具，而非武断的结论，引导读者在当代艺术的广阔图景中，辨识出那些正在形成与消逝的结构性力量。

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想象一下，一个精心策划的展览，就像一本立体的小说，观众在其中穿梭，体验着策展人设定的情感曲线和逻辑脉络。我曾经看过一个关于“镜像”主题的展览，它汇集了绘画、雕塑、摄影、影像和装置艺术，从不同角度探讨了自我认知、社会反射、现实与虚幻的边界。策展人并没有简单地将作品罗列，而是通过空间的划分，比如设置一些镜面装置，让观众在移动的过程中不断与自己的影像互动，与作品产生对话。这种沉浸式的体验，让“镜像”这个抽象的概念变得具象可感，也让那些作品在互动中焕发出新的意义。这本书的书名让我思考，策展人是否能够超越简单的“呈现”，而主动去“构建”一种新的艺术体验，一种能够“改变”观者对艺术的理解和感受的体验？

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我非常期待这本书能够深入剖析“策展的可能性”这个概念。这是否意味着策展可以是一种独立的艺术形式？策展人是否可以通过他们的策展实践，形成一种独特的艺术风格，或者创造出一种新的艺术语言？我脑海中浮现出一些极具个人风格的策展人，他们的展览往往能留下深刻的烙印，甚至成为艺术史上的里程碑。这本书的书名，让我思考，当策展本身也成为一种被研究、被讨论、被创造的领域时，它会带来怎样的艺术变革？这是一种超越作品本身的“元艺术”的思考，让我对接下来的阅读充满了好奇。

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“展览改变艺术”这个概念，让我联想到艺术史上的那些关键转折点，很多时候，一些重要的展览就如同催化剂，加速了艺术思潮的演变，甚至改变了艺术发展的方向。比如，那些具有颠覆性的现代艺术展览，它们挑战了传统的审美标准，引入了新的媒介和观念，从而引发了艺术界的巨大震荡。我希望这本书能够深入探讨这些历史性的案例，分析策展人是如何通过展览的设计和推广，成功地将新的艺术观念推向公众，并最终被艺术史所接纳。这不仅仅是关于艺术品本身，更是关于艺术品如何被认知、被传播、被理解的过程。

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“展览改变艺术”这个提法，让我联想到的是一种“赋能”的关系。即展览能够“赋能”那些可能被埋没的艺术作品，能够“赋能”那些尚未被大众所熟知的艺术家，更重要的是，能够“赋能”观众，让他们以一种新的视角去审视和理解艺术。我希望这本书能够深入探讨，策展人在“赋能”过程中扮演的角色，他们是如何通过自己的专业知识和判断力，发掘、梳理、呈现那些具有潜力的艺术，并最终改变艺术的版图。这不仅仅是关于艺术品本身，更是关于艺术生态的构建和发展。

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我一直对艺术展览中的叙事性非常着迷。策展人如何通过作品的编排，构建起一个引人入胜的故事？一个好的展览，就像一部精心制作的电影，有起承转合，有高潮迭起，能够引导观众的情绪，并让他们在观展结束后依然回味无穷。我曾经看过一个关于“时间”主题的展览，策展人巧妙地将不同年代的作品放在一起，通过视觉上的对比和象征意义的连接，让观众深刻地感受到时间流逝的痕迹以及不同时代人们对时间的理解。这本书的书名让我联想到，这种叙事性的构建，是否就是“展览改变艺术”的重要途径之一？

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这本书的书名《展览改变艺术——策展的可能性》让我想到，策展不仅仅是一种技术性的工作，更是一种具有批判性和反思性的实践。策展人如何通过展览，提出对社会、文化、政治议题的思考？如何通过艺术作品的呈现，引发公众的讨论和反思？我曾经看过一些具有社会批判性的展览，它们通过对现实问题的关注，将艺术与社会现实紧密地联系起来，从而引发了广泛的社会反响。这种“用艺术介入社会”的策展方式，无疑是“展览改变艺术”的一种重要体现，它证明了艺术不仅是装饰品，更是社会变革的有力工具。

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“策展的可能性”这个副标题，让我对书中的内容充满了期待，我想这本书一定不仅仅是在梳理过往的策展案例，更重要的是在探索未来的可能性。在数字时代，我们面临着全新的传播媒介和观众习惯，策展是否可以突破实体空间的限制？虚拟现实、增强现实、在线展览，这些新的技术手段，为策展提供了怎样的想象空间？我曾经看过一个用AR技术呈现的展览，观众可以通过手机或平板电脑，在现实环境中看到叠加的虚拟艺术品，这种虚实结合的方式，带来了前所未有的观展体验。我想，这本书一定也会探讨这些前沿的策展实践。

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这本书的书名《展览改变艺术——策展的可能性》真的让我充满好奇，它暗示了一种深刻的互动关系，即展览不仅仅是艺术品的陈列，而是一种主动塑造和定义艺术本身的力量。我一直觉得，一件艺术品在不同的空间、不同的语境下呈现，其生命力和观众的解读都会发生微妙甚至巨大的变化。策展人就像是引导者，他们通过对作品的选择、编排、叙事和空间设计，构建了一个全新的观看维度。这本书的名字恰恰点出了这种“改变”的力量，它让我联想到那些给我留下深刻印象的展览，那些展览如何通过创新的叙事方式，让一些我原本不太熟悉的艺术家或艺术流派突然变得鲜活起来，甚至颠覆了我原有的认知。

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我一直认为，展览不仅仅是给“懂艺术”的人看的，它应该能够触及更广泛的观众群体。而策展人的工作，很大程度上就决定了展览的“可读性”和“吸引力”。一本探讨“策展的可能性”的书，我期待它能提供一些关于如何让展览更具包容性、更易于理解的思路。我曾经参观过一些非常成功的展览，它们虽然在学术上有深度，但同时又通过巧妙的互动装置、生动的多媒体介绍，让对艺术不太熟悉的人也能轻松进入并享受其中。这种“策展的民主化”或者说“展览的普适性”是非常重要的，它能够打破艺术的围墙，让更多人感受到艺术的魅力。

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我一直对策展人这个角色充满敬意，他们仿佛是艺术世界的“建筑师”和“导演”，既要有深厚的艺术史功底，又要具备敏锐的时代触觉，还要懂得空间美学和叙事技巧。有时候，一个伟大的展览，其影响力甚至可以超越某一件独立的艺术品。书中提到“策展的可能性”，这让我想到，策展是否能够成为一种独立的艺术实践？策展人通过他们的选择和组织，是否也能创造出一种独特的“策展艺术”？我曾看过一个展览，它将一些历史文献、日常物品和当代艺术品并置，讲述了一个关于城市变迁的故事。在这个展览中，每一件物品都成为了叙事的载体，策展人通过对这些物品的重新语境化，赋予了它们新的生命和意义。这种跨越不同媒介和历史时期的策展方式，无疑是一种高超的艺术手法。

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以艺术介入社会现实已成为当代艺术的一种发展趋向。艺术机构的功能已经上升为一个讨论社会问题的地方，这种功能的转变不仅可以产生新的展览方式，促进当地艺术的发展，而且可以不停地讨论社会问题，搭建一个跨学科的平台。

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When all is said and done, how will exhibition change art?

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垃圾

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以艺术介入社会现实已成为当代艺术的一种发展趋向。艺术机构的功能已经上升为一个讨论社会问题的地方，这种功能的转变不仅可以产生新的展览方式，促进当地艺术的发展，而且可以不停地讨论社会问题，搭建一个跨学科的平台。