水彩画プロの裏ワザ pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:讲谈社

作者:奥津国道

出品人:

页数:99

译者:

出版时间:2002

价格:2000.00

装帧:平装

isbn号码:9784062683692

丛书系列:水彩画プロの裏ワザ

图书标签:

• 日本
• 水彩
• 艺术
• 藏
• 2013
• 水彩
• 绘画
• 技巧
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• 专业
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• 艺术
• 绘画技巧
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• 绘画参考

水彩的呼吸：捕捉光影与色彩的灵魂 光影流转，色彩跃动，这是水彩独有的魅力，也是无数画者为之倾倒的根源。然而，看似轻盈灵动的颜料背后，却隐藏着无数细腻的技法与独到的见解。本书并非简单地罗列技法，而是深入探索水彩的生命力，如何让一滴水、一块颜料，在纸上绽放出超越想象的视觉张力。我们一同踏上这场探索之旅，从基础的认识到进阶的运用，挖掘水彩的无限可能。 第一章：水彩的语言——媒介与工具的默契 水彩画的魅力，很大程度上源于它与“水”的互动。“水”不仅仅是稀释颜料的媒介，更是决定画面质感、色彩晕染、笔触流淌的关键。了解水的特性，掌握“湿画法”、“干画法”的精髓，是迈出水彩世界的第一步。 水的形态学： 从纯净的清水到饱含颜料的“水墨”，水的浓度与流动性，决定了色彩的浓淡、边缘的虚实。我们将详细解析不同水分比率对画面效果的影响，例如，极少量的水，配合高饱和度的颜料，可以画出沉稳厚重的色块；而大量的水，则能晕染出如梦似幻的透明感。掌握“含水量”的微妙变化，是控制水彩“呼吸”的开始。 颜料的性格： 市面上的水彩颜料琳琅满目，但其背后都有其独特的“性格”。从透明度、遮盖力、耐光性到颗粒感，每一种颜料都有其最适合的运用场景。我们将深入了解各类颜料的特性，例如，透明水彩的清透感，以及一些带有颗粒感的颜料如何为画面增添肌理。了解颜料的“性格”，如同了解一位朋友，才能与之默契共舞。 纸张的选择： 纸张是水彩画的画布，它的吸水性、纹理、厚度，都直接影响着颜料的表现。粗纹理的纸适合表现肌理和粗犷的笔触，细纹理则适合细腻的表现。而不同克数的纸张，则决定了其“承载”水分的能力，以及是否容易起皱。我们将为您详细解读不同纸张的特性，以及它们在不同技法中的最佳匹配。 画笔的灵魂： 画笔是画家的延伸，不同的笔触，由不同的画笔创造。圆头笔、扁头笔、扇形笔，每一支画笔都有其独特的使命。我们将探讨不同形状和材质的画笔如何塑造出不同的线条、笔触和色彩过渡，以及如何根据画面需求，选择最合适的画笔。 第二章：笔尖的舞蹈——基础技法的再解读 许多人认为水彩技法是固定不变的公式，实则不然。基础技法如同音符，其组合与变化，却能奏出无限的乐章。本章将带您重新审视那些看似简单，却蕴含无穷奥妙的基础技法。 湿画法：水与色的交融 湿中湿（Wet-on-Wet）： 这是水彩最具魅力的技法之一，水与色在湿润的纸面上自由晕染，创造出柔和、梦幻的过渡效果。我们将探讨如何控制水分，引导色彩的流动，以及如何利用湿中湿来表现天空、水面、植被等具有柔和质感的物体。理解“湿润度”的掌握，是湿中湿成功的关键，过干则缺乏晕染，过湿则容易失控。 湿中干（Wet-on-Dry）： 在干燥的纸面上运用湿润的颜料，可以创造出清晰的边缘和分明的色块。我们将学习如何利用湿中干来勾勒轮廓，表现建筑的棱角，或者营造清晰的明暗对比。这种技法如同在平静的湖面上投下一颗石子，泛起清晰的涟漪。 干画法：笔触的力度与质感 干画法（Dry Brush）： 利用较少的水分，甚至是几乎干燥的画笔，在纸面上刮擦，可以创造出粗糙、富有肌理的笔触。这种技法非常适合表现岩石、树皮、毛发等具有质感的物体。我们将探索如何通过笔触的方向、力度和颜料的浓度，来模拟不同的材质表面。 刮擦法： 在颜料未干时，利用硬物（如卡片边缘、旧卡片）刮擦，可以制造出高光或特殊的纹理效果。这种技巧能够为画面增添意外的惊喜，例如模拟雨滴、浪花或金属的反光。 叠色法（Glazing）：色彩的深度与层次 透明叠色： 这是水彩表现色彩丰富性的核心技法。一层薄薄的透明颜料覆盖在另一层干燥的颜料之上，可以产生新的色彩，并赋予画面深度和层次感。我们将深入研究不同色彩叠加产生的“光学混合”效果，以及如何通过叠色来表现物体在光线下的微妙色彩变化。理解“色彩叠加”的原理，能够让画面色彩更加丰富而富有表现力。 厚涂法（Opaque Watercolor）： 虽然水彩以透明性著称，但某些颜料（如白颜料、部分土黄色系）具有一定的遮盖力，适当地运用可以起到提亮、突出主体或改变色彩明度的作用。我们将探讨厚涂法在水彩中的恰当运用，以及如何避免过度使用导致画面失却水彩的灵动。 第三章：光影的魔术——捕捉瞬间的生命力 光影是构成视觉形象的灵魂，也是水彩表现力的重要体现。如何捕捉光线的轨迹，如何刻画阴影的层次，是让画面“活”起来的关键。 光线的语言： 光线的来源、方向、强度，直接影响着物体的形态和色彩。我们将学习如何观察和分析光影关系，理解高光、亮部、暗部、反光、投影等各个部分的色彩与明度变化。通过对光线的敏锐捕捉，才能让画面产生立体感和空间感。 观察与分析： 学习如何从真实物体中提炼出关键的光影信息，例如，一个苹果在光线下的受光面、背光面、边缘的高光，以及它投下的影子。 色彩的明度： 理解不同颜色在受到光照时，其明度会发生变化。例如，暖色在光照下显得更加鲜艳，冷色则可能更加沉稳。 阴影的诗意： 阴影并非只是单纯的黑暗，它蕴含着丰富的色彩信息和环境信息。我们将深入研究不同光源下阴影的色彩构成，以及如何利用冷暖对比来表现阴影的体积感。 环境色的影响： 阴影并非纯粹的黑色，它会受到周围环境颜色的影响，例如，投射在绿色草地上的阴影，会带有一定的绿色调。 冷暖的对比： 在表现阴影时，巧妙运用冷暖对比，可以使阴影显得更加生动，而不是死气沉沉。 高光的点睛： 高光是光线最集中的地方，是赋予物体生命力的关键。我们将学习如何巧妙地保留纸张的白色，或者利用不透明颜料来刻画高光，使其显得更加耀眼而真实。 留白的力量： 在构图之初，预留高光区域，是水彩画中常见的技巧。 遮盖液的运用： 遮盖液（Masking Fluid）是一种强大的工具，可以保护纸面不被颜料覆盖，从而轻松制造出锐利的高光。 第四章：色彩的交响——和谐与对比的奥秘 色彩是水彩画中最直观的表现力。如何调配出丰富而和谐的色彩，如何运用色彩的对比来增强画面的冲击力，是艺术创作的永恒课题。 色彩理论的实践： 从三原色到十二色轮，基础的色彩理论是色彩运用的基石。我们将把理论与实践相结合，学习如何利用互补色、邻近色、同类色等关系，来构建和谐或对比强烈的色彩体系。 三原色与二次色： 理解颜料的混合原理，是调配准确色彩的前提。 色彩的冷暖： 掌握冷暖色调在画面中的运用，能够营造不同的氛围和情感。 色彩的情感表达： 不同的色彩能够唤起不同的情感。蓝色带来宁静，红色激起热情，黄色传递温暖。我们将探讨如何根据画面主题和想要传达的情感，来选择和运用色彩。 色彩的情绪联想： 了解不同颜色在文化和心理学上的象征意义。 主色调的设定： 确定画面的整体色调，能够使画面更加统一和协调。 对比的魅力： 色彩的对比，包括明度对比、饱和度对比、冷暖对比，能够极大地增强画面的视觉冲击力。我们将学习如何巧妙运用这些对比，来突出主体，引导视线，并赋予画面活力。 明度对比： 最明亮的区域与最黑暗的区域形成鲜明对比，能够吸引观者的目光。 饱和度对比： 高饱和度的色彩与低饱和度的色彩并置，能够使画面更加生动。 第五章：意境的营造——从写实到写意的升华 水彩画的魅力，不仅仅在于对客观物体的精细描绘，更在于其营造的意境和诗意。从写实到写意，是水彩艺术追求的更高境界。 留白的力量： 水彩画的魅力，很大程度上在于“未画之处”。留白并非空白，而是画家留给观者想象的空间，是意境的延伸。我们将探讨如何巧妙地利用留白，来暗示物体的形状，营造空气感，或者突出画面的主题。 “少即是多”的哲学： 懂得在何时收笔，何处留白，是成熟水彩画家的标志。 意境的暗示： 通过留白，可以暗示远处的景物、人物的表情，让画面更加耐人寻味。 笔触的呼吸： 每一笔的轻重缓急，都蕴含着画家的情感和节奏。我们将学习如何通过自由而富有表现力的笔触，来传达画面的动感和生命的活力。 笔触的节奏感： 不同的笔触组合，能够创造出不同的视觉节奏，使画面更具音乐性。 表现主义的尝试： 适当地运用夸张的笔触，能够更好地表达画家的主观感受。 形神的兼顾： 在写意的过程中，形体可以不必拘泥于细枝末节，但“神”却不能丢。我们将探讨如何在简化形体、追求写意的同时，抓住物体的本质神韵，让画面既有写意的洒脱，又不失写实的支撑。 捕捉事物的本质： 提炼事物的关键特征，例如，一只鸟的飞翔姿态，一朵花的盛开状态。 主观的再创造： 在观察的基础上，融入画家的理解和情感，进行再创造。 结语：水彩的无限可能 水彩画是一场永无止境的探索。它要求我们对世界保持敏锐的观察力，对媒介保持深入的理解，对色彩保持丰富的情感。本书提供了一个起点，一个探索水彩无限可能的平台。愿每一位翻开本书的朋友，都能在水彩的世界里，找到属于自己的光影，属于自己的色彩，以及属于自己的呼吸。愿您的画笔，在纸上挥洒出最动人的篇章。

评分☆☆☆☆☆

不同于那些过分包装鼓吹自己的书——被一些不是很懂画的人组织起来，摆出一副“我很专业你学吧，但我才不会告诉你具体窍门呢”的态度。 相比之下这本书就非常真诚，像一个耐心而且可爱的大师在面对面很友好的辅导你，并且毫无保留的在细节上给与指导，从线稿到一步步上色，第...  

评分☆☆☆☆☆

不同于那些过分包装鼓吹自己的书——被一些不是很懂画的人组织起来，摆出一副“我很专业你学吧，但我才不会告诉你具体窍门呢”的态度。 相比之下这本书就非常真诚，像一个耐心而且可爱的大师在面对面很友好的辅导你，并且毫无保留的在细节上给与指导，从线稿到一步步上色，第...  

评分☆☆☆☆☆

这本书刚拿到手就很喜欢，沉甸甸的非常有分量，而且内容也很充实，不像国内很多水彩建筑书注水严重。 这本书初中级与进阶的画都有，基本上是建筑写生，少量的风景人物素描说明。 水彩的用法算是比较写实风的，步骤非常详细，从铅笔起稿到深化细部都有步骤图，用的工具也都详...  

评分☆☆☆☆☆

在日本购买，半猜看完，错过很多有意思的创作细节和故事，很想知道那些看不懂的文字说的是什么。对于绘画步骤展示详细，跟着画可以慢慢找到感觉，前提是跟作者一样，有耐心把底稿画好，逐步逐层上色。 奥津国道的作品很有特色，用色时而清新浅淡，时而浓郁明亮，传达出不同景色...

评分☆☆☆☆☆

在日本购买，半猜看完，错过很多有意思的创作细节和故事，很想知道那些看不懂的文字说的是什么。对于绘画步骤展示详细，跟着画可以慢慢找到感觉，前提是跟作者一样，有耐心把底稿画好，逐步逐层上色。 奥津国道的作品很有特色，用色时而清新浅淡，时而浓郁明亮，传达出不同景色...

评分☆☆☆☆☆

这是一本充满“叛逆精神”的水彩指南。它不循规蹈矩，敢于挑战那些被奉为圭臬的“传统规则”。最令我印象深刻的是关于“过度描边”的矫正方法。传统观念总认为，描边会破坏画面的通透感，但这本书却指出，在特定的光线和材质下（比如金属的反光边缘），适度的“边缘强化”反而能增加画面的立体感和视觉冲击力。作者没有简单地否定“描边”，而是提供了一种基于光影原理的“高级边缘处理法”——它不是用黑色勾勒，而是通过在物体边缘快速叠加一个极高饱和度的、与主体色对比鲜明的冷色或暖色，来模拟光线在物体边缘产生的“辉光”效果。这个技巧的展示，极大地拓宽了我对水彩表现手法的理解边界。它让我意识到，真正的专业，不是墨守成规，而是深刻理解规则后，知道何时以及如何去打破它。这本书的每一个技巧都像是一颗被精心打磨过的棱镜，折射出水彩艺术中那些常常被忽略的、但极具表现力的光影和层次。我感觉自己不再是一个被动接受指导的学生，而是一个拥有更多主动权、可以进行更多实验的创作者。

评分☆☆☆☆☆

我得承认，我原本对“专业秘籍”这类书抱着极大的怀疑态度，总觉得它们大多是故弄玄虚，贩卖焦虑。然而，《水彩画プロの裏ワザ》彻底颠覆了我的认知，这本书的实在感，简直是教科书级别的严谨。它不是那种零散的技巧集合，而是一套完整的、有逻辑递进的“工作流”指南。尤其是关于“调色系统”的那一章，我之前总是凭感觉瞎混颜料，导致画面颜色脏乱差。这本书却提供了一套近乎科学的色彩匹配方案，它没有强迫你购买昂贵的稀有色，而是教你如何用基础的几管颜料，通过精确的比例和搅拌顺序，构建出无限可能性的中间色调。书中对“污渍”的讨论，更是让人拍案叫绝——它不是简单地告诉你“不要弄脏”，而是将其视为一种潜在的创作元素，教授如何通过控制颜料的“沉淀时间”和“洗色”的力度，将无意中的失误转化为有意境的肌理。我对其中演示的“三笔定乾坤”——用极简的笔触快速锁定主体轮廓和主要光源的方法，进行了反复练习，这极大地提升了我户外写生的效率和准确性。这本书的排版设计也非常人性化，插图的清晰度和细节标注，完全体现了出版方对水彩学习者的尊重，读起来毫不费力，但内涵却重若千钧。

评分☆☆☆☆☆

说实话，这本书的内容深度远远超出了我对一本“技巧书”的预期。它更像是一份深入艺术家内心世界的“口述史”，充满了那种“过来人”才懂的辛酸与顿悟。比如，书中提到画“复杂阴影”时的处理方式，那段描述简直是醍醐灌顶。我过去总是把阴影画成一块死板的深色块，让画面瞬间失去活力。作者则非常细腻地拆解了光照下物体阴影的层次构成——表层反射光、环境光、以及直接被遮挡的光线，并对应到不同的颜料混和物和笔触干湿度。我特别喜欢它对比展示的“错误示范”和“优化后”的画面，那种直观的冲击力远胜过任何抽象的理论讲解。读完这部分，我终于明白了为什么有些大师的画作，即使是阴影部分也流动着色彩的秘密。这本书真正的高明之处在于，它并没有止步于教会你怎么“画得像”，而是引导你去思考“为什么这样画会更好看”，它在潜移默化中提升了读者的审美判断力。对于我这种渴望突破瓶颈、进入更高维度创作阶段的学习者来说，这本书无疑是催化剂般的存在，让我对未来的创作方向更加清晰和兴奋。

评分☆☆☆☆☆

这本《水彩画プロの裏ワザ》简直是为我这种苦苦挣扎在半山腰的水彩爱好者量身打造的秘籍！我花了整整一个周末沉浸其中，简直不敢相信我之前画的水彩都是些什么“鬼东西”。书里没有那种虚无缥缈的艺术理念说教，而是直接切入实战，那种感觉就像是终于拿到了一把能够精准拆解复杂机械的万能钥匙。比如，书中关于“湿画法”的讲解，以前我总觉得那是艺术家们随心所欲的魔法，但这本书竟然用图文并茂的方式，细致到连纸张的吸水性和颜料颗粒的分布都考虑进去了，它不像那种入门书只是简单告诉你“先打湿再上色”，而是深入剖析了不同湿度下水流的“脾气秉性”，让我瞬间明白为什么我画的天空总是显得死气沉沉。更让我惊喜的是，它对“留白”的处理，那简直是化腐朽为神奇的点睛之笔。我过去总是在为找不到纯净的白色而懊恼，总想着要用白色颜料去补救，但作者通过几个经典的风景案例，教会我如何用笔触的边缘、水痕的走向，甚至是纸张本身的纹理，来创造出比任何白色颜料都要灵动、更富呼吸感的“空气感”。这本书的价值，不在于教你画什么，而在于教你如何“看”水彩，如何与水和颜料这两个“老顽固”达成和解，进而驾驭它们，达到那种“信手拈来皆成章”的境界。我已经迫不及待想带着我的画本，去公园里实践书中学到的“快速捕捉光影”的技巧了。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我的整体感受是“高效”和“目标明确”。它避免了传统教程中大量冗余的背景介绍，开篇就直奔主题，仿佛一位经验丰富的大师坐在你身边，用最精炼的语言告诉你“现在，我们来解决这个最棘手的问题”。我尤其推崇它对“画笔维护和选择”的详尽论述。这听起来像是枝节末梢，但对于水彩这种极度依赖工具特性的媒介来说，其重要性不言而喻。作者详细解释了不同毛质（貂毛、合成纤维）在吸水性、弹性以及“出水量”上的细微差别，甚至细致到告诉你如何根据要绘制的元素（如画大面积天空或描绘细小的枝叶）来搭配不同尺寸和形状的笔。在我过去的经验里，我只是盲目地追求“名贵”的画笔，效果却不尽如人意。这本书让我明白了，工具是为人服务的，关键在于理解其特性并加以利用。通过严格遵循书中推荐的“笔尖回弹力测试”和“颜料负载均衡练习”，我发现我对于笔尖的控制力有了显著提升，这直接反映在了我对线条粗细和墨色浓淡的精准把控上。这种对细节的关注，正是“プロの裏ワザ”（专业秘技）的体现。

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