具体描述
Edouard Baldus (1813-1889) was the most important French architectural photographer of the mid-nineteenth century. This book offers an in-depth exploration of one of his most intriguing projects - a remarkable series of views of the Chateau de La Faloise, in which his subject was not primarily the country house but the owner and his family at leisure on its grounds. The book is a dossier-style study of this group of photographs, which includes thirteen known prints from nine different negatives. James Ganz locates the photographs at a key moment in Baldus's career and during one of the most eventful decades in the history of French photography, showing that they stand at a crossroad between the English "conversation piece" and the birth of Impressionist portraiture in the early paintings of Monet and Bazille. Each of the images is scrutinised for the information that it presents and withholds, including readings of the sitters' body language for clues to their identities and relationships, and enlarged photographic details help the reader understand Baldus's complex and playful images. An appendix fully documents all of the known prints in both public and private collections. Edouard Baldus at the Chateau de La Faloise grows out of an exhibition shown at the Sterling and Francine Clark Art Institute in the fall of 2003, which was the first to reassemble the photographic series. The Clark Art Institute owns three of the prints, making it the largest repository of works from this project.
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用户评价
说实话，一开始我对这种专注于单一地点的摄影集感到一丝疲惫，因为我的经验告诉我，无论多么宏伟的建筑，在海量的照片面前，最终都会沦为视觉疲劳的牺牲品。但这本书的厉害之处在于，它成功地在“量”和“质”之间找到了一个近乎完美的平衡点。它没有试图囊括每一寸墙壁和每一件家具，而是极其挑剔地选取了那些“有话要说”的角落。我发现自己开始关注那些我通常会忽略的细节：例如，一段被长期踩踏而磨光的楼梯踏板上的细微凹痕，或者一面布满青苔的、只有巴掌大小的砖石缝隙中顽强生长出的一株小草。这些“微小的叛逆”和“时间的痕迹”构成了这本书真正的灵魂。它让你意识到，历史不是冰冷的石头，而是无数次微小互动叠加的产物。这种观察视角，从宏大的殿堂转向微观的肌理，极大地拓宽了我对“记录”这个行为的理解。它不仅仅是捕捉“什么”，更是捕捉“如何存在”的状态。这种对日常残存物的诗意重构，让人在合上书本后，依然能感受到那种沉淀在空气中的历史厚重感，仿佛自己刚刚经历了一场漫长而宁静的冥想。
评分我花了整整一个下午的时间，在壁炉边上，伴随着一段古典吉他曲，才大致浏览完这本书的初稿。这本书的叙事结构非常跳跃，但这种跳跃却出乎意料地有效。它似乎并不想用传统的时间线或建筑史的框架来束缚读者，而是更像是在引导你进行一场梦境般的漫游。作者（或者说影像的捕获者）对光线的把握简直达到了出神入化的地步，特别是在处理室内场景时，那种从高高的拱形窗户洒落进来的丁达尔效应，被捕捉得如此清晰而富有戏剧性。我尤其欣赏其中关于“阴影的哲学”的那几组对比照片，一面是午后阳光下清晰锐利的几何阴影，另一面则是深夜里由烛火投射出的、模糊而富有暗示性的轮廓。这种对光影二元性的探讨，远超出了单纯的建筑记录范畴，触及到了某种存在主义的思考。文字部分虽然不多，但那些引用的片段——似乎是十八世纪的私人信件摘录——巧妙地嵌入在图片之间，它们不是对画面的解释，更像是对场景情绪的补充和深化，仿佛我们在偷听历史深处传来的、那些被遗忘的低语。这种不直接告知，而是通过氛围和暗示来建构意义的方式，使得阅读体验充满了智力上的挑战和回味无穷的乐趣。
评分这本书的编辑手法大胆得令人赞叹。在处理如此经典、如此多被记录过的场景时，如何避免落入俗套？这本书的作者似乎用了反向操作——他们故意选择了那些在以往的图录中经常被跳过的、功能性极强的空间，比如仆人的楼梯间、厨房的后侧储藏室，甚至是废弃的花房一角。这些地方的光线通常是昏暗而驳杂的，但在这里，它们却被赋予了一种近乎宗教般的庄严感。这种对“非核心”区域的关注，极大地丰富了我们对这个宏大场所的认知。它不再只是一个展示权力和财富的舞台，而是一个充满活力的、有人居住、有人劳作、有人生老病死的地方。我特别喜欢其中一组关于“光线渗透”的照片，它们不是从主厅射入的磅礴日光，而是从狭窄的通风口、破损的屋顶瓦片中勉强挤入室内的微弱光束。这些光束，如同无形的画笔，在布满灰尘的空气中划出清晰的路径，强调了空间的深度和寂寥。这种对“被遗弃”或“被忽视”角落的温柔聚焦，使得整本书的情感色彩变得更加复杂和立体，少了一分炫耀，多了一层人性的温度和对消逝事物的深沉缅怀。
评分这本书的装帧实在令人惊艳，硬壳的质感，烫金的书名在微光下泛着低调而奢华的光泽，拿到手里沉甸甸的分量感，就让人觉得这不仅仅是一本书，更像是一件精心制作的艺术品。我通常对这种专注于某个特定主题的摄影集持保留态度，因为它们很容易流于表面，仅仅是漂亮图片的堆砌。然而，这本书的排版设计却展现出一种克制而深思熟虑的美学。每一个跨页的留白，每一张照片的尺寸选择，都仿佛经过了建筑师般的精确计算，引导着读者的目光在光影和结构之间游走。翻阅的过程本身就是一种沉浸式的体验，那种对细节的极致追求，从纸张的纹理到油墨的饱满度，都体现了出版方对这份影像资料的尊重。封面那张选图的艺术性极高，它没有直接展示宏大的全景，而是聚焦于某一处被岁月打磨的石雕，光线斜射进来，勾勒出历史的肌理。这种内敛的处理方式，为接下来的内容设置了一个充满悬念和期待的基调，让人不禁想知道，在如此精心的“包装”之下，究竟蕴藏着怎样深邃的观察和记录。我花了很长时间仅仅是在感受它作为实体媒介的魅力，还没深入阅读文字部分，就已经被它营造出的那种古典而宁静的氛围所深深吸引住了。
评分我必须承认，这本书的学术性和艺术性是毋庸置疑的，但真正让我感到震撼的，是它在呈现某种“失落感”上的功力。它没有使用任何感伤的文字去描述衰败，而是完全依赖图像的力量。在某些跨页设计中，作者将一张照片的清晰主体与另一张照片的模糊背景并置。例如，一个近景是保存完好的、镶嵌着精美大理石的壁炉台，而紧接着的下一张，可能就是远处花园里一棵被风暴折断的古树的影像。这种并置，如同两个不同时间维度的对话，暗示了永恒的宏大叙事与个体生命的脆弱性之间的巨大鸿沟。它让你真切地感受到，即便是最坚固的石头建筑，也无法抵挡时间的侵蚀和环境的无常。这种处理方式，让这本书超越了一般的“历史建筑摄影”范畴，进入了对“记忆的不可靠性”和“物质的最终命运”的哲学探讨。当我合上这本书时，脑海中浮现的不是华丽的厅堂，而是那种空气中弥漫的、带着潮湿泥土和陈旧木材气息的、无可挽回的失落感。这是一种深刻、沉重，但又极其迷人的阅读体验。
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