具体描述
-- First paperback edition.
-- A lucid and deft argument for art as "the making of beauty for beauty's own sake", The Arts of the Beautiful brilliantly addresses the dominant notion of art as an act of expression or communication. Gilson maintains that art is not a matter of knowing, but that it belongs to an order other than that of knowledge, the order of making.
-- A world-renowned philosopher and historian, Etienne Gilson held the position of Professor of Medieval Philosophy at the Sorbonne and subsequently at the College de France. He helped to found the Pontifical Institute of Medieval Studies at the University of Toronto. He is the author of many works, including Forms and Substance in the Arts, The Philosopher and Theology, and The Spirit of Medieval Philosophy.
-- First published by Charles Scribner's Sons ('65).
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读后感
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用户评价
对于那些寻求快速答案的读者来说，这本书无疑会带来挫败感。它的结构是非线性的，更像是一个巨大的、充满回响的迷宫。作者似乎热衷于在主要论点之间设置大量的“脚注式”的、看似无关紧要的支流探讨，但正是这些支流，最终汇聚成了理解主河的必要水流。我花了整整一周时间才啃完关于“装饰的伦理学”这一章节，作者深入剖析了装饰在历史上如何从社会地位的象征异化为纯粹的视觉噪音，其论证过程极其复杂，充满了大量的历史案例和理论引证，节奏缓慢，但每一步都走得异常扎实。这本书的魅力恰恰在于它的“慢”，它拒绝了信息碎片化的趋势，要求读者投入大量的时间和专注力。它更像是一套精心打磨的工具箱，而不是成品，它教会你如何去打磨你自己的审美工具。读完之后，我发现自己看艺术展的方式彻底改变了——我不再只是关注作品的表层效果，而是开始寻找其背后隐藏的结构、意图以及它试图对观众施加的“感知权力”。这是一次彻底的思维重塑，一次对“看”这一行为本身的深刻反思，代价是消耗了大量的脑力，但收获的却是对美学领域更深邃的理解。
评分这本书的叙事节奏感非常独特，它不是线性的历史编年史，而更像是一系列互相照应的、围绕着“感知”主题的散文诗。作者似乎极其偏爱用对比和反讽的手法来构建论点。例如，在讨论洛可可风格的轻盈与空洞时，他会突然插入一段对中世纪哥特式建筑中对永恒与敬畏的追求的描述，这种跳跃式的结构，初看之下令人困惑，但细细品味后，却能感受到一种深层次的结构美感。我特别喜欢它处理“材料性”的方式——不仅仅是描述材料的物理属性，而是挖掘材料在特定文化语境下所承载的象征意义。比如，他分析了不同时代对“木材”的处理，从北欧神话中万物之树的意象，到维多利亚时代家具对异国硬木的迷恋，再到现代主义对原生木纹的回归，每一种处理都对应着当时社会对“自然”与“秩序”的不同态度。这本书的行文有一种强大的音乐感，句子结构长短错落有致，仿佛能听见不同时代艺术风格的低语和交锋。它不是一本让你轻松阅读的书，但它绝对是一本值得你用心去“聆听”的书，每次重读都会有新的音符浮现出来。
评分我是在一个朋友的极力推荐下购入这本书的，坦白说，最初我被它那个略显学术化的书名所劝退，担心内容过于枯燥。但事实证明，作者在呈现复杂理论时展现了令人惊叹的叙事技巧。这本书最大的亮点在于其跨学科的广度，它将艺术史与哲学、心理学，甚至早期的人类学研究巧妙地编织在一起。书中对“形式追随功能”这一现代设计信条的解构尤为精彩，作者没有简单地肯定或否定，而是追溯了这一理念在不同文化中是如何被扭曲和再创造的。他引入了现象学的美学视角，强调观者在审美经验中的主体性作用，这让原本冰冷的设计原则立刻变得充满了人性的温度。我印象深刻的是关于“不对称之美”的那部分，作者引证了东方书法中的气韵生动，并将其与西方构图中的黄金分割进行对比，从而揭示出不同文化对于“平衡”这一核心概念的根本差异。这不只是一本艺术理论书，它更像是一部关于人类如何感知世界的思想地图。它让你开始审视自己日常生活中所接触的一切，从建筑的入口到餐具的曲线，都在无声地向你诉说着那些被遗忘的审美法则。
评分这本精装书的封面设计本身就散发着一种古典而又沉静的魅力，厚实的纸张拿在手里，让人立刻感受到一种被精心对待的庄重感。我本以为这会是一本纯粹的艺术史梳理，但翻开第一页，我发现它远不止于此。作者似乎在构建一个关于“美”的宏大哲学框架，从古希腊的比例与和谐，一直追溯到现代主义对形式的解构与重塑。尤其让我印象深刻的是对文艺复兴时期色彩理论的深入探讨，那种详尽到近乎偏执的考证，几乎能让人闻到当时画室里松节油和亚麻籽油的味道。书中引用了大量晦涩难懂的拉丁文和古希腊文段落，虽然初读时需要频繁查阅注释，但这种费力的过程反而增强了阅读的仪式感，仿佛自己也在努力攀登一座知识的高峰。我特别喜欢其中一个章节，它探讨了巴洛克时期雕塑中“动态平衡”的奥秘，作者不仅仅描述了作品本身，更穿插了当时社会环境、赞助人心理乃至于雕塑家个人情感的侧写，使得那些冰冷的大理石活了过来，充满了戏剧性的张力。这本书的排版也极为讲究，大量的留白不仅保护了读者的视力，更像是给复杂的理论提供了一个呼吸的空间，让读者能够沉淀下那些繁复的概念，进行自我消化。总而言之，这是一次美学思想上的深度潜水，它要求你带着谦卑的心态去接近那些看似遥远的美学真理。
评分我必须承认，这本书的阅读体验充满了挑战性，它更像是一份需要反复研磨的学术论文集，而不是茶余饭后的消遣读物。它的语言风格极其严谨，几乎没有使用任何轻松或口语化的表达，每一个句子都像是经过精密计算的逻辑推导。我读到关于印象派光影捕捉的章节时，作者大量使用了数学和物理学的概念来解释视觉感知，这对于一个偏向人文社科背景的读者来说，无疑是一道不小的门槛。我不得不承认，有些段落我不得不跳过，或者至少是快速浏览，因为它们涉及到的专业术语密度实在太高了。然而，正是这种“不妥协”的态度，让我对作者的专业性深信不疑。书中对工艺美术运动（Arts and Crafts Movement）的分析尤其犀利，它没有停留在表面对“手工”的赞美，而是深入挖掘了工业化浪潮下，艺术家精神困境的社会根源。这种穿透历史表象直击内核的批判性视角，让我对“什么是好的设计”这个问题产生了更深层次的怀疑和反思。这本书的价值或许不在于它提供了多少现成的答案，而在于它系统性地教你如何提出更尖锐、更具穿透力的问题。它迫使你走出舒适区，去面对那些被主流审美叙事所掩盖的复杂性。
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