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出版者:Routledge

作者:Harris, Jonathan

出品人:

页数:320

译者:

出版时间:2001-10

价格:$ 39.49

装帧:Pap

isbn号码:9780415230087

丛书系列:

图书标签:

• 艺术史
• 新艺术史
• 文化史
• 理论
• 方法论
• 视觉文化
• 现代艺术
• 后现代艺术
• 批评理论
• 艺术哲学

《新艺术史》：一场颠覆性的视觉革命 《新艺术史》是一本引领我们重新审视艺术及其存在方式的开创性著作。它并非仅仅罗列风格流派或艺术家的生平，而是深入探讨了艺术在社会、政治、文化以及思想层面所扮演的复杂角色，并以此挑战了传统艺术史的叙事框架。本书的核心在于其对“艺术”这一概念本身的解构与重塑，它不再局限于学院派的定义，而是将其拓展至更广阔的视觉文化领域，鼓励读者以一种批判性的、多角度的眼光去审视我们身边的图像与表达。 本书首先打破了艺术史的线性发展叙事，指出那些被奉为圭臬的“经典”并非是自然而然形成的，而是经过了一系列权力、话语以及社会建构的过程。作者深入剖析了历史记载中的选择性偏差，揭示了那些被边缘化、被遗忘的声音和艺术实践。这种对“正史”的质疑，促使我们重新思考艺术史的叙述者是谁，以及他们的视角如何影响了我们对艺术的理解。 《新艺术史》对艺术作品的解读也采取了全新的视角。它不再局限于形式主义的分析，而是将艺术作品置于其产生的具体语境中进行考察。这意味着，我们需要关注艺术品的材料、制作过程、委托方、观众反应，乃至其在流通和传播中的变迁。本书鼓励读者将艺术品视为一种社会符号，一种承载着特定信息和意图的媒介。例如，一件宗教艺术品不仅仅是精湛的技艺展示，更是信仰的载体，是教会权力的象征，也是特定历史时期社会心态的反映。 更重要的是，《新艺术史》将艺术史的边界大幅拓展，纳入了许多传统上被排斥的视觉形式。从早期的图像志分析，到对大众媒介、广告、电影、摄影，乃至当代数字图像的深入研究，本书展现了视觉文化如何深刻地影响并塑造我们的生活。作者认为，这些“非传统”的视觉形式同样蕴含着丰富的意义和权力运作，是理解现代社会不可或缺的一部分。通过分析流行文化中的图像，我们可以洞察社会价值观的变迁、消费主义的兴起，以及身份认同的构建。 本书还强调了理论在艺术史研究中的重要性。作者借鉴了后结构主义、女性主义、后殖民主义等多种理论视角，为我们提供了分析艺术的强大工具。这些理论帮助我们理解艺术作品中的权力关系，揭示隐藏在视觉表象之下的意识形态，并挑战了那些带有性别、阶级、种族偏见的传统解读。例如，从女性主义的视角审视文艺复兴时期的女性肖像，可能会发现艺术家对女性身体和角色的刻画并非总是客观的，而是受到了当时社会性别角色的深刻影响。 《新艺术史》的另一个显著特征是其对艺术史教学和实践的批判。它质疑了传统的艺术史教育模式，认为这种模式往往过于强调死记硬背和权威解读，而忽视了学生的主体性和批判性思维。本书提倡一种更具互动性、更富于探索性的教学方法，鼓励学生通过亲身实践来理解艺术，并形成自己的观点。 总而言之，《新艺术史》是一次对艺术史领域的深刻反思和革新。它邀请我们走出固有的认知框架，以一种更开阔、更批判的视角去拥抱日益丰富的视觉世界。它不仅是一本关于艺术的书，更是一本关于我们如何观看、如何理解世界，以及如何在视觉文化中构建自我认同的书。阅读《新艺术史》，你将获得一套全新的工具，去解读那些潜藏在我们日常视觉经验中的复杂信息，并最终发现艺术的真正力量和无限可能。它将彻底改变你对艺术的看法，让你在每一次凝视中都获得更深层次的启发。

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这本书的视角切换之快，简直让人应接不暇。它没有固守单一的历史时期或地理范畴，而是像一台高倍率的显微镜，时而聚焦于文艺复兴早期佛罗伦萨某个作坊的工匠薪资记录，时而又瞬间放大到当代全球化背景下身份认同的视觉表征。这种极端的宏观与微观的并置，带来的震撼是多层次的。举例来说，作者在分析巴洛克时期“戏剧性”的运用时，并没有停留在光影和构图的层面，而是巧妙地引入了当时的公共庆典的组织形式以及宫廷礼仪的剧本，将艺术创作视为一种更庞大、更隐蔽的社会表演的一部分。这种“无边界”的研究方法，彻底打碎了传统艺术史那种线性的、封闭的学科壁垒。我发现自己阅读时不得不频繁地在不同学科的知识之间建立联系——从社会学、人类学到后殖民理论，这本书简直是一本“阅读导向”的工具书，它教会你如何用批判性的工具去审视每一件“经典”作品。对于那些渴望突破传统艺术史学科桎梏的学者或学生而言，这本书提供了一个极富启发性的范本，展示了如何将艺术史的研究对象扩展到无限的文化场域之中。

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我必须承认，这本书的结构安排是极其反传统的，它挑战了我们对“清晰叙事”的所有预设。全书几乎没有传统意义上的“结论性总结”，每一个章节的收尾都像是一个被刻意留下的开放式问号，迫使读者自行去填补意义的空白。例如，关于抽象表现主义的讨论，作者并未聚焦于纽约画派的个体英雄主义，而是深入挖掘了二战后美国政府对文化输出的冷战策略，将画布上的“自由挥洒”解读为一种政治宣传的符号语言。这种叙事策略的精妙之处在于，它消解了作者作为“权威”的地位，将阐释的重担转移到了读者身上。我个人非常欣赏这种“参与式阅读”的体验，它让我感觉自己不是被动地接收知识，而是主动地参与到历史的建构过程中。然而，对于那些偏爱条理清晰、目标明确的读者来说，这种持续的、无休止的辩证过程可能会让人感到疲惫甚至迷失方向。这本书更像是一面棱镜，它将单一的光束折射成无数复杂的光谱，你需要耐心去辨认其中每一条光谱的来源和去向。

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这本书的语言风格，用“古奥”来形容可能都不够准确，它更像是某种精心设计的学术迷宫，充斥着大量晦涩难懂的专业术语和结构精密的从句，仿佛作者的每一个词汇都经过了多重的语义筛选和哲学淬火。阅读过程中，我常常需要停下来，查阅那些被假设为读者已知的理论背景，才能跟上作者构建的复杂论证层级。例如，在探讨后现代建筑的“失语”现象时，作者引入了福柯的异托邦概念，并结合了德里达的“在场缺席”理论，整段文字读下来，信息密度之高，令人眩晕。但正是在这种极致的严谨和晦涩背后，隐藏着作者对艺术现象令人耳目一新的洞察力。他能够以一种极其精准但又极度间接的方式，揭示出我们习以为常的文化现象背后隐藏的结构性偏见。这本书的价值，不在于它提供了多少现成的答案，而在于它提供了一套极其精密的“提问工具箱”，它教导你如何用一种更具批判性和穿透性的目光去审视艺术史的每一个角落，即使过程充满艰辛，但最终获得的思维升级是无可替代的。

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这本书的装帧设计着实令人眼前一亮，那种沉甸甸的质感，配上封面上低调却有力的字体排版，立刻就给读者一种“这不是一本轻松读物”的心理暗示。内页的纸张选择也十分考究，米白色的哑光处理，使得即便是那些高分辨率的艺术品图像，在呈现时也保持了极佳的视觉舒适度，没有廉价印刷品那种刺目的反光。我尤其欣赏它在章节划分上的匠心。作者似乎故意避开了传统的“主义”罗列，而是采用了更具叙事性的结构，仿佛在引导读者进行一场跨越时空的对话。比如，某一章探讨“光影的社会学意义”时，它跳过了对卡拉瓦乔的传统学院派分析，转而深入探讨了17世纪佛兰德斯室内光线如何反映市民阶层的空间焦虑和财富展示。这种叙事上的跳跃性，要求读者必须时刻保持警醒，因为它拒绝提供清晰的“标签”，而是鼓励你去自己构建理解的框架。对于一个习惯了标准艺术史教材的读者来说，阅读体验无疑是充满挑战，但也因此充满了发现的乐趣。这本书的引文注释部分也做得极为详尽，几乎每一处关键论断后面都附带着令人信服的原始文献或当代学者的深刻见解，这使得这本书不仅仅停留在“观点陈述”的层面，更像是一份严谨的学术探究报告，值得反复翻阅和推敲。

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老实说，这本书的阅读门槛确实不低，它仿佛不是写给那些刚入门的艺术爱好者，而是为那些已经对“艺术史”这个概念感到厌倦的资深人士准备的一剂强心针。作者行文的逻辑链条极其复杂且冗长，经常需要反复回读才能理清其论证的完整脉络。我印象特别深刻的是其中一段关于“媒介考古学”的论述，它将19世纪末期的速写本、早期摄影的负片处理技术以及后来数字图像的“碎片化”并置分析，试图揭示技术变革如何重塑了“观看”的行为本身。这种跨学科的融合，虽然提供了极为深刻的见解，但也让某些章节读起来像是在啃一块难以下咽的哲学硬骨头。它很少使用那种鼓舞人心的、煽情的语言来赞美艺术的“美”或“永恒性”，相反，它更热衷于解构艺术品背后的权力结构、资本流动以及被历史有意无意抹去的边缘声音。因此，如果你期待一本能让你轻松沉浸在古典美学享受中的读物，这本书可能会让你大失所望。但如果你渴望一种能彻底颠覆你既有认知框架的智力激荡，那么这本书绝对能满足你对“深度”的所有苛刻要求，它更像是一种思想的健身训练，而不是一种轻松的消遣。

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