具体描述
Representing Stephen Davies's best shorter writings, these essays outline developments within the philosophy of music over the last two decades, and summarize the state of play at the beginning of a new century. Including two new and previously unpublished pieces, they address both perennial questions and contemporary controversies, such as that over the 'authentic performance' movement, and the impact of modern technology on the presentation and reception of musical works. Rather than attempting to reduce musical works to a single type, Davies recognizes a great variety of kinds, and a complementary range of possibilities for their rendition. Among the questions that Davies considers are these: How can expressiveness be in a musical work when music experiences nothing? Is music a language of the emotions? How do recorded pop songs and purely electronic pieces differ from works created for live performance? Is John Cage's silent piece, 4'33", music? To what extent is the performer free to create her own interpretation and to what extent is she constrained by the composer's score? Is training in musical technicalities a prerequisite for a full appreciation of musical works and performances? Is an awareness of the socio-historical setting in which a work is created relevant to its appreciation? How does the value of individual musical works go beyond the worth of an interest in music in general? Stimulating and insightful both as individual discussions and as a coherent argument, these essays will be greatly enjoyed by philosophers, aestheticians, art theorists, and musicologists.
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用户评价
这本书给我最直接的感受是：它迫使我重新审视自己对“听觉中心主义”的依赖。作者用一种近乎解构主义的姿态，拆解了西方文化中将“听”置于最高感知地位的传统，并试图用一种更加平等的感官哲学来替代。他大量运用了福柯式的权力分析，去审视音乐的社会建制是如何通过教育和批评体系来固化听众的接受模式的。书中虽然没有明确提出一个统一的“音乐哲学理论”，但通过对多个哲学流派的“交叉授粉”，构建了一个极具启发性的框架。特别值得一提的是，作者对“形式主义”和“表现主义”之间二元对立的消解，他没有简单地站队，而是指出这两种观点实际上是从不同维度观测同一本体的两个侧面。这本书的论证虽然逻辑严密，但偶尔也会流露出作者强烈的个人倾向，比如他对特定历史时期音乐的“价值判断”，这使得它在纯粹的客观分析中，增添了一抹微妙的主观色彩，使其读起来不再那么枯燥乏味，反而充满了一种辩论的张力。
评分这本书的行文节奏非常缓慢，更像是慢板的奏鸣曲，每一个段落都经过了细致的打磨和反复的论证。我注意到作者在很大程度上依赖于分析哲学的方法论，他对“音乐的意义是否可以被翻译成语言”这个问题进行了近乎苛刻的剖析。他通过对不同文化背景下“节奏”概念的比较研究，试图证明任何试图用日常语言去“定义”音乐的尝试，最终都会导向语言的失效。在我看来，这本书最令人称奇的是它对“寂静”的处理。作者认为，在音乐体验中，未发出的声音（Potential Sound）与实际发出的声音（Actual Sound）同样重要，这种对“缺席”的关注，极大地拓宽了我们对音乐本体的理解。整本书的学术腔调很重，引用了大量晦涩的早期德文文献，阅读时需要随时备着几本参考书，否则很容易迷失在作者构建的术语体系中。它不是一本能够让你在通勤路上轻松阅读的书，它需要的是一个安静的书房、一杯浓咖啡和极大的专注力。
评分说实话，这本书的阅读体验非常像在进行一场考古发掘。作者在追溯西方音乐理论的源头时，对皮亚杰和维特根斯坦早期逻辑原子论的引用，展现了他广博的跨学科视野。他没有过多地纠缠于具体的音乐作品分析，而是将焦点放在了“记谱法”本身——他认为，书面符号系统对音乐的固化，恰恰是限制了音乐的真正本体论潜能。这种观点非常大胆，它挑战了我们对“作品”和“文本”的传统观念。书中有大量的篇幅探讨了声音的“物质性”与“非物质性”之间的张力，比如在讨论电子音乐（虽然他只是一笔带过）时，作者试图论证数字信号是否可以承载一种不同于模拟声波的本体论意义。这本书的结构是高度模块化的，每一章似乎都可以独立存在，但当你把它们串联起来时，会发现作者构建了一个宏大而精密的思想网络。对于想要跳出传统美学范畴，寻找更深层次理论支撑的研究者来说，这本书提供了全新的哲学工具箱。
评分我花了整整一个下午的时间，才消化完书中关于“音乐时间性”的论述，简直像是在攀登一座逻辑的峭壁。作者的论证方式非常具有个人色彩，他采用了大量德语哲学传统中的复杂句式，使得阅读过程充满了挑战性，但也因此带来了极大的智力满足感。他似乎对海德格尔的“在世存在”情有独钟，并试图将这种存在论的维度移植到对“旋律进行”的理解上。例如，书中对“延迟满足感”（Suspense）的讨论，并非停留在心理学层面，而是上升到了主体在时间流逝中自我构建的层面。我特别欣赏作者在处理“意图性”问题时的那种微妙平衡——他承认作曲家的主观意图，但又坚决主张音乐自身的结构具有一种独立于人类意志的“在场性”。这本书的语言风格极其克制和精确，几乎没有使用任何感性的形容词来描述音乐的美好，这反而形成了一种独特的、冰冷的学术魅力。如果你想了解如何用现象学的方法去解剖一次听觉体验，这本书绝对是教科书级别的示范，前提是你得有足够的耐心去跟上他那如同迷宫般的脚注体系。
评分这本书的书名是《音乐哲学的主题》，但读完之后，我感觉它更像是一场关于“存在”与“时间”的深刻哲学思辨，只是巧妙地披上了音乐的外衣。作者对康德的先验美学进行了极其细致的梳理和批判性继承，特别是他探讨了音乐如何作为一种非表征性的艺术形式，来挑战我们对“实在”的传统认知。书中有一章专门分析了尼采的酒神精神与阿波罗精神在巴赫赋格曲中的辩证统一，那种分析的深度和穿透力，让我仿佛置身于那个十九世纪末的形而上学迷雾之中。他没有直接谈论具体的音乐作品，而是通过对“听觉经验的结构”的解构，揭示了我们如何通过声音来把握世界的内在秩序。对于那些期待学习和弦理论或者音乐史的读者来说，这本书可能会感到有些晦涩难懂，因为它关注的不是“音乐是什么”，而是“音乐何以可能”的终极追问。它要求读者不仅要会听，更要会“想”——用哲学家的严谨去审视每一次音符的浮现与消逝。这本书无疑是为那些在学术的象牙塔中寻找新工具的哲学爱好者准备的，它提供的不是答案，而是更犀利的问题。
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