具体描述
This "deeply personal look at Marsalis and his music" (USA Today) takes readers across America and into the heart of jazz. The thrill of sitting in a club or concert hall hearing jazz being made is familiar to most fans. But what if you could immerse yourself in the world of the musician, where creating and performing is a profound task, and yet as routine as breathing? When writer Carl Vigeland was invited to tour with Wynton Marsalis and his septet, he was able to do just that. Vigeland's acute observations sweep us into their world as he becomes virtually part of the band. At the same time, Marsalis offers intimate meditations on home, family, creation, and performance--written in the cadence of his inimitable voice. Set on the stage, in the studio, and in great cities and small towns around the world, this richly textured narrative explores how the music is made in America today.
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读后感
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用户评价
读完这本书，我感觉自己像是完成了一次横跨半个世纪的爵士乐历史漫游，但它绝不是那种教科书式的平铺直叙，更像是一部结构精巧的音乐侦探小说。作者的叙事节奏把握得极其巧妙，一会儿深入到二战后纽约哈林区那些地下酒吧里萨克斯风手的呼吸控制技巧，一会儿又跳跃到五六十年代西海岸酷爵士乐手对空间感的极致运用。我尤其欣赏他对“即兴”这一概念的哲学探讨，书中没有直接给出“如何即兴”的公式，而是通过对Miles Davis在特定时期的旋律选择和休止符使用的微观分析，让你自己去领悟那种“留白”的艺术。那种感觉就像是，你以为作者在教你弹奏，其实他是在引导你思考音乐的本质——它关于的不是你弹了多少音符，而是你选择了不弹哪些音符。对于那些已经掌握了基础乐理，却总觉得自己的演奏缺乏“灵魂”的乐手来说，这本书提供的视角是革命性的，它拓宽了我对旋律线条的理解边界。
评分这本书的排版和装帧简直是艺术品，每一页的设计都充满了对现代音乐美学的尊重。我很少见到一本音乐理论书籍能做到如此优雅和克制，它没有使用花里胡哨的图表来试图解释那些原本就应该是感性体验的东西。相反，它选择了用非常精炼的文字去描绘复杂的情感结构，特别是书中关于“和声色彩学”那几章，作者对于大调和小调之间那些微妙的、近乎不可察觉的色彩变化，描述得入木三分，让人一目了然。我本来以为自己对调性情绪的理解已经很到位了，但读完这部分后，我拿起钢琴，才发现自己过去对“忧郁”的理解太片面了。它教会我如何通过细微的半音移动，在同一个和弦上营造出从“怀旧的甜蜜”到“彻底的绝望”之间的光谱。这对于任何从事作曲或配乐工作的人来说，都是一本必读的工具书，因为它告诉你，如何用声音的颜料，精确地描绘人类最微妙的内心风景。
评分这本乐谱集简直是为我这种骨灰级布鲁斯迷量身定做的，光是看到封面那个略带复古感的字体设计，我就知道里面绝对是干货满满。我特别留意了它对早期三角洲布鲁斯吉他手的和弦指法分析，那种细腻到近乎手写笔记的标注，仿佛是作者亲手在我的吉他谱上做了批注一样。特别是对于Robert Johnson那些标志性的“Talking Chords”是如何在不同调式之间流畅转换的解析，我研究了很久，终于搞明白了他那种若即若离的和声进行背后的逻辑。而且，这本书不仅仅是枯燥的音符堆砌，它还穿插了大量关于这些老派音乐家在密西西比三角洲或芝加哥闷热的俱乐部里演出的环境描写，让人读起来完全不是在“学”音乐，而是在“体验”音乐的诞生过程。我个人认为，它在技术层面的深度，已经超越了市面上很多号称“大师亲授”的教材。对我来说，这本书是周末在老式唱机旁，泡上一杯威士忌，沉浸在那种原始、粗粝的布鲁斯情境中不可或缺的伴侣。
评分坦白说，我一开始对这本书的期望值并不高，以为它又是一本故作高深的乐理精讲。但读下去后，我立刻意识到自己错了。这本书的叙事风格非常口语化，带着一种仿佛老朋友在深夜里跟你分享他毕生心血的真诚感。它最成功的一点是，将那些原本抽象到令人望而却步的对位法和复调技巧，转化成了非常生动的“音乐对话”场景。比如，作者描述两个声部如何在复杂的节奏型中“追逐”与“和解”，读起来就像在看一出精彩的默剧。我过去总觉得巴赫的赋格像是一个需要用计算器才能解决的数学题，但读完这本书后，我仿佛能“听见”那些声部之间眼神的交流和微妙的姿态变化。它真正做到了“化繁为简，以简驭繁”，让最复杂的音乐结构，变得可以被感性地理解和吸收。对于那些想真正领悟古典音乐的精髓，而不是死记硬背规则的演奏者来说，这本书无疑是打开新世界的一把钥匙。
评分我发现这本书最独特的地方在于它的跨界视野，它不把自己局限在某一特定的流派内，而是将音乐视为一种文化符号进行解构。比如，书中有一章专门讨论了上世纪七十年代欧洲前卫爵士乐团如何借鉴了印度拉格的结构概念，以及这种借鉴如何反过来影响了美国本土的融合爵士乐的发展轨迹。这种宏观的历史观让我看到了音乐发展中那些错综复杂的连接点，不再是孤立的英雄史观，而是充满了相互影响、借鉴和碰撞的全球性对话。更令人称奇的是，作者在讨论这些复杂的文化交融时，始终保持着一种近乎人类学家的客观与敬畏，没有丝毫的傲慢或武断。我曾尝试在其他地方寻找这种层次的跨文化音乐分析，但大多流于表面。这本书则像一把精密的解剖刀，剖开了音乐流派边界的虚妄性，让我对所有我曾聆听过的音乐，都产生了全新的敬意。
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