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出版者:Music Sales Corp

作者:Not Available (NA)

出品人:

页数:50

译者:

出版时间:

价格:9.95

装帧:Pap

isbn号码:9780825627514

丛书系列:

图书标签:

• 吉他
• 和弦
• 摇滚
• 乐器
• 音乐
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• 练习

蓝调律动与指板解构：摇滚吉他进阶演奏指南 本书旨在为已掌握基础吉他技巧，并渴望深入理解摇滚乐核心演奏精髓的进阶吉他手提供一套系统、深入的学习路径。我们不关注于基础和弦的罗列，而是将焦点放在如何构建、运用和变奏那些真正定义了摇滚乐声音的音乐语汇上。 本书的核心理念是：节奏即是旋律，和声即是结构。我们将从根源入手，探讨摇滚吉他手如何通过精妙的节奏律动（Groove）和对指板上音程关系的深刻理解，来创造出令人难忘的Riff和独奏。 --- 第一章：节奏律动的核心：摇滚乐的脉搏 本章深入探讨摇滚乐区别于其他音乐风格的核心——律动。我们不会仅仅停留在节拍器的训练上，而是要学会“感受”节奏。 1.1 细微的推拉：摇摆感（Swing）与律动偏差（Push/Lag） 我们将解构布鲁斯音乐中“三连音摇摆感”如何演变为早期摇滚乐（如Chuck Berry）的直八分音符的强劲推进力。重点分析重音（Accent）在第2和第4拍的重要性，以及如何通过微小的演奏时间偏移来制造“前推”（Pushing the beat）或“拖后”（Laying back）的听感，这是创造抓耳Riff的关键。 1.2 鼓与吉他的对话：从问答到融合 分析经典摇滚乐中，吉他Riff如何与鼓组的底鼓（Kick）和军鼓（Snare）进行“对话”。我们将通过拆解Led Zeppelin、AC/DC等乐队的经典片段，展示吉他手如何将自己视为节奏组的一部分，而不是一个独立的旋律乐器。学习如何用强力和弦（Power Chords）的击打时机来模拟鼓点的切分，增强整体的冲击力。 1.3 动态的起伏：力度控制与拨片控制 探讨吉他音色的“呼吸”。如何在相同的音符上，通过拨片的角度、力度和触弦深度，创造出“尖锐的切入”与“圆润的释放”。这对于区分硬摇滚的攻击性和放克摇滚（Funk Rock）的弹性至关重要。 --- 第二章：指板的地图：超越音阶的结构思维 我们假设读者已经熟悉了基础的音阶指型，本章的目标是让指板不再是一堆孤立的音符，而是一个连贯、可预测的和声结构。 2.1 五声音阶的深度挖掘：非主流音程的应用 我们超越了基本的“蓝调五声音阶”，重点研究如何利用五声音阶的上下关系，以及在音阶中引入“染色音”（Color Tones），例如小七度或增四度，来瞬间改变五声音阶的情绪。我们将学习如何在一组Riff中，无缝切换大调五声与小调五声的混合使用，制造紧张与释放。 2.2 和弦内音的解构：旋律化的和声 不再将和弦视为垂直堆叠，而是水平移动的音程链。本章会详细分析如何利用和弦内音（Chord Tones）——特别是三音和七音——来构建独奏的旋律线。通过研究如David Gilmour或Eric Clapton的独奏，我们学会如何让自己的Solo听起来“从和弦中生长出来”，而不是在和弦之上游荡。 2.3 跨弦琶音与指板的垂直思维 介绍如何将琶音模式从单一琴弦的线性思维解放出来，运用跨弦技巧来快速、流畅地演奏大幅度的音程跨越。重点练习在特定把位上，如何将一个和弦的构成音，以极快的速度分解演奏，形成富有穿透力的音墙。 --- 第三章：失真美学：音色塑造与效果链的艺术 摇滚吉他的音色是其身份的基石。本章将专注于如何从硬件和演奏技巧两个维度，精雕细琢出最具辨识度的“失真”与“延音”。 3.1 放大器的内在：增益结构（Gain Staging）的艺术 详细解析前级（Preamp）与后级（Power Amp）对失真音色的贡献差异。不再盲目追求高增益，而是学习如何通过调整输入信号的强弱（输入增益）和放大器的推动程度（主音量），来控制失真的“颗粒感”（Texture）和“压缩感”（Compression）。 3.2 效果器的层次：失真、动态与空间 系统梳理效果器的排列顺序（Gain Staging）：压缩器在失真前后的不同效果；过载（Overdrive）、失真（Distortion）与模糊（Fuzz）的音色特性区别，以及如何将它们串联以创建多层次的音色。 3.3 延音的哲学：反馈的控制与引导 探讨延音（Sustain）的物理学原理，即如何在不引入不必要的噪音前提下，最大化音符的持续时间。重点在于如何通过音量、音箱位置和指板的特定点位，安全地引导和控制电吉他反馈（Feedback），将其转化为音乐元素，而非技术失误。 --- 第四章：Riff的创造工程学 本章将摇滚乐的精华——Riff——视为一种工程项目，从概念到实现，进行拆解和重构。 4.1 Riff的骨架：最小单位与重复的力量 分析一个成功的Riff往往只由两到三个音符构成。我们研究如何通过独特的节奏切分和音程关系，在最小的音符集合中，创造出最大的冲击力。重点练习如何用一个基础Riff为核心，进行“主题变奏”（Thematic Variation）。 4.2 大调与小调的拉扯：情绪的即时转换 如何在一个Riff内部，通过瞬时引入一个非本调音，来制造一种“不安”或“邪恶”的感觉，随后迅速回归主调，制造出情绪的过山车效果（如Black Sabbath的早期作品）。 4.3 独奏的叙事弧线：从Riff到Solo的过渡 一个优秀的独奏应该是有方向感的。本章指导读者如何设计独奏的开端（通常是基于Riff的变奏）、发展（引入更复杂的技巧和音阶）、高潮（达到音域和速度的巅峰）以及收尾（回归Riff或留下悬念）。学习如何利用推弦（Bends）和揉弦（Vibrato）来赋予Solo“人声般”的表达力。 --- 附录：精选摇滚律动分析范例 本附录提供对五首定义了摇滚吉他演奏的标志性Riff和Solo的细致分解。这些分析不仅仅是“弹什么音”，更重要的是“为什么这么弹”。我们将从乐理、节奏和音色三个维度，剖析其背后的设计思路，帮助读者将理论转化为实际的演奏技能。 范例包括： 分析一种经典的“Drop D”调弦下的低音律动构建。 探讨如何使用复调（Polyphony）技巧，在单把位上演奏出两把吉他的感觉。 解析推弦的精度与情绪表达的关系。

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这本书的排版逻辑简直是教科书级别的流畅，它不是那种一上来就抛出一大堆复杂概念的“劝退式”教材。我发现它采用了渐进式的学习路径，每一步的过渡都考虑得极其自然。例如，在介绍基础和弦指型时，它巧妙地将指法图与实际演奏中的常见误区结合起来进行说明，这种“预防性教学”的方式非常实用。我尤其欣赏它在某一章节中对“和声功能性”的引入，虽然没有深入到高深的乐理层面，但那种点到即止的引导，让我开始思考“为什么”这个和弦要放在这里，而不仅仅是机械地记忆指法。更值得一提的是，它对于不同风格音乐中和弦的运用给出了非常直观的示例，这种实践导向的教学方法，让我感觉自己不是在读一本死板的乐谱，而是在进行一场有目的性的音乐探索。每次翻阅，总能找到一些新的角度来审视之前学过的知识点，这种知识的复利效应在其他教材中并不常见。

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阅读这本书的过程，让我对吉他演奏的细节有了更深一层的理解。作者在描述和弦转换的手法时，那种细致入微的笔触，简直就像一位经验丰富的导师在你身边手把手的指导。我过去常常因为和弦之间的快速切换而感到手忙脚乱，但这本书中提出的“枢纽音保持”或“最小化手指移动”的概念，经过实际操作验证后，确实极大地提高了我的流畅度。它不像有些教程那样，只是简单地给出“A和弦到C和弦”的指令，而是深入探讨了在特定指型下，如何预判下一个和弦的形态，并提前进行微调。此外，书中对于扫弦节奏型和分解和弦的讲解，也极富启发性，它没有提供一成不变的“万能节奏”，而是鼓励读者去理解节奏背后的律动感，并尝试用不同的力度和触感去表现同一个和弦组合，这种对“律动”的强调，是我认为这本书最宝贵的财富之一。

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这本书的封面设计初见之下就给人一种耳目一新的感觉，那种带着点复古气息的字体排版和深沉的色彩搭配，一下子就抓住了我的眼球。我一直觉得吉他教材不应该只是枯燥的理论堆砌，而是要能激发起学习的热情。拿到实体书后，首先感受到的是纸张的质感，那种厚实且略带磨砂的触感，拿在手里非常踏实，让人有种想马上翻开来研究的冲动。内页的印刷质量也是毋庸置疑的，色彩过渡自然，图文排版清晰，即便是对初学者来说，那些复杂的和弦图示也显得井井有条，不至于让人望而生畏。我特别欣赏它在视觉上营造出的那种“专业又不失亲切”的氛围，这对于我这种业余爱好者来说，无疑是一个极大的加分项。它不仅仅是一本工具书，更像是一件精心制作的工艺品，让人在学习之余，也能享受到阅读和把玩的过程。从整体的装帧设计到细节的打磨，都能看出编者和出版方在用心，这使得整个学习体验从一开始就充满了愉悦感。

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这本书的整体阅读体验非常“沉浸”，它成功地营造出一种陪伴感。每次拿起它，我都能感觉到作者在试图与读者进行一场深入而真诚的对话。书中使用的语言风格非常平易近人，没有太多学术化的术语堆砌，即使是介绍一些相对专业的概念，也能用日常的、易于理解的比喻来阐释。我特别喜欢它在每个单元结束时设置的“实战演练”环节，这些练习并非孤立的和弦练习，而是模仿真实歌曲中的和弦进行，这使得练习过程充满了目标感和趣味性。这种由浅入深、紧密结合实践的教学设计，让我在不知不觉中就巩固了所学知识。总而言之，这本书给我的感觉是，它不仅是教你“怎么按”，更重要的是教你“为什么这样按”，以及“按了之后能达到什么效果”，这是一种更高层次的音乐启蒙。

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从内容组织的宏观角度来看，这本书的结构安排非常具有战略眼光。它似乎预见到了学习者在不同阶段会遇到的瓶颈，并在相应的章节进行了“破壁”式的处理。比如，当学习者可能开始对基础大三和弦感到厌倦时，书中会适时地引入一些色彩更丰富的属七和弦或小七和弦，但这些新元素的加入并非突兀，而是通过分析一些流行歌曲的经典片段，自然而然地将它们融入进来。这种“实用性驱动理论学习”的模式，极大地增强了我的学习动力。我感觉自己不是在被动接受知识，而是在主动地为自己的音乐“工具箱”添砖加瓦。书中对特定和弦的“替代方案”的探讨也让我受益匪浅，它教会了我如何在不同的音乐情境下，灵活地选择最适合的和声色彩，而不是固守书本上写下的唯一指法。

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