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出版者:Alfred Pub Co

作者:Berg, Shelton G.

出品人:

页数:40

译者:

出版时间:2006-3

价格:$ 15.81

装帧:Pap

isbn号码:9780739030851

丛书系列:

图书标签:

• 爵士乐理论
• 和声学
• 音乐理论
• 爵士和声
• 即兴演奏
• 音乐教育
• 爵士乐
• 音乐分析
• 节奏
• 音阶

探索音乐的脉动：深入解析爵士乐的结构与灵魂 （本书不包含《Essentials of Jazz Theory》中的任何特定内容） 欢迎步入一个充满活力、即兴创作与深厚历史底蕴的音乐世界——爵士乐。本书旨在为所有对爵士乐充满热情，并渴望超越单纯聆听，真正理解其内在运作机制的音乐爱好者、演奏者以及理论学习者提供一套全面、深入且富有洞察力的音乐解析。我们聚焦于爵士乐从起源到繁盛过程中所形成的核心美学、结构逻辑以及独特的演奏思维。 第一部分：起源的洪流与风格的演变 爵士乐并非凭空出现，它是美国历史上文化熔炉剧烈碰撞的产物。本部分将追溯其根源，剖析其如何从非洲的节奏传统、欧洲的和声体系以及美国南方布鲁斯（Blues）的忧郁情感中汲取养分，最终在新奥尔良的街巷中诞生。 第一章：根植于泥土的音乐——布鲁斯与拉格泰姆的遗产 我们将详细考察布鲁斯音乐的十二小节结构及其核心音阶（布鲁斯音阶）如何为早期的爵士乐奠定了情感和旋律的基石。同时，拉格泰姆（Ragtime）那种精确的、切分式的钢琴风格，对早期爵士乐节奏感的形成起到了何种关键作用。这一章将通过分析早期大师如斯科特·乔普林（Scott Joplin）和W.C.汉迪（W.C. Handy）的作品，揭示这些看似质朴的元素如何转化为复杂音乐语言的前身。 第二章：新奥尔良的狂欢与“芝加哥流派”的北迁 聚焦于路易斯·阿姆斯特朗（Louis Armstrong）崛起的时代。我们将探讨早期“集体即兴”（Collective Improvisation）的技法——即多位乐手同时演奏不同声部，却能形成有机整体的复杂互动。分析小号、单簧管和长号在这三部曲结构中各自扮演的角色，以及这种风格如何随着“大迁徙”向芝加哥和纽约转移，并开始向更强调个体独奏的方向发展。 第三章：摇摆时代的黄金律法——大乐队的辉煌 本章深入探讨二十世纪三、四十年代大乐队（Big Band）时代的音乐结构。我们不只是讨论本尼·古德曼（Benny Goodman）或杜克·艾灵顿（Duke Ellington）的传奇，而是着重分析他们如何将复杂的管弦乐编排技术（Arranging）引入到这种流行音乐形式中。重点分析“和声替代”（Harmonic Substitution）在提升摇摆乐听感上的作用，以及“喊叫与回应”（Call and Response）模式在大型合奏中的精妙运用。 第四章：从摇摆到波普的革命——速度与智性的较量 查理·帕克（Charlie Parker）和迪兹·吉莱斯皮（Dizzy Gillespie）发起的波普（Bebop）革命是爵士乐历史上一次重大的智力飞跃。我们将解析波普音乐如何通过提高演奏速度、引入极其复杂的和声进行（例如使用九音、十一音、十三音和弦），以及更具棱角的旋律线条，将爵士乐从舞池推向音乐厅。本章会细致拆解波普独奏者如何运用和声色彩音来“重塑”既有标准曲的和声骨架。 第二部分：和声、节奏与即兴的内在机制 爵士乐之所以迷人，在于它在看似自由的即兴中，隐藏着严格的音乐规律。本部分致力于解构这些“隐藏的规则”。 第五章：爵士和声的色彩学 本章将完全专注于爵士乐的和声语言，区别于传统古典和声。我们将探讨爵士乐中对“属七和弦”（Dominant Seventh Chords）的独特处理，特别是属七和弦的降五音（Altered Dominants）和属九和弦的广泛应用。通过实例分析，理解如何运用和弦外音（Tension Tones）来制造预期的、但又出人意料的音乐张力。 第六章：节奏的呼吸与律动的精髓 “律动”（Swing Feel）是爵士乐的灵魂，但它难以言传。本章将尝试用量化的方式来描述这种感觉——即三连音的“长-短”划分在不同速度下的微妙变化。同时，我们将分析“切分音”（Syncopation）在赋格和弦进行中的作用，以及鼓手如何通过“踩镲”（Hi-Hat）和“骑镲”（Ride Cymbal）的不同运用，来奠定不同的节奏层次。 第七章：即兴的语法：从“垂直”到“水平”的思维转变 即兴演奏并非随机乱奏。本章的核心在于解释演奏者在面对一个和弦进行时，其思维是如何在“垂直地”思考音阶与和弦的对应关系，以及“水平地”构建一条连贯、有故事性的旋律线。我们将剖析如何利用动机发展（Motivic Development）——即拿一个小小的旋律片段，并在不同和弦上加以变形和延伸——来构建一次成功的独奏。 第三部分：风格的细分与当代视野 爵士乐从未停止发展，其子流派的多样性证明了其强大的生命力。 第八章：酷派与冷调的克制：西海岸的冷静 相对于东海岸的激烈，酷派爵士（Cool Jazz）倾向于更柔和的音色、更清晰的对位以及受欧洲古典音乐影响的结构。我们将分析迈尔斯·戴维斯（Miles Davis）早期作品中对空间和负空间的运用，以及如何通过更均匀的音符密度来营造一种内省的氛围。 第九章：自由的边界：后波普与自由爵士的结构解构 奥奈特·柯尔曼（Ornette Coleman）和约翰·柯川（John Coltrane）后期的探索，挑战了传统和声框架的约束。本章将探讨“调式爵士”（Modal Jazz）——即长时间停留在某一个调式上，而非快速更迭和弦——如何解放了即兴者的旋律创造力。同时，我们将谨慎地分析自由爵士（Free Jazz）如何有意识地放弃预设的和声和节奏框架，转而依赖乐手之间纯粹的、实时的交流。 第十章：融合与未来——爵士乐的跨界对话 爵士乐是一种永恒的对话者。本章关注爵士乐如何与其他音乐形式结合，例如爵士放克（Jazz-Funk）、融合爵士（Fusion）对摇滚乐元素和电子节奏的吸收。我们会考察这些融合如何既保留了爵士乐即兴的核心，又拓宽了其听觉版图，为当代音乐人指明了理解和继承这一伟大传统的清晰路径。 通过对这些核心概念、历史脉络和技术细节的系统梳理，读者将能够不再只是被动地接收音乐，而是能够主动地“阅读”爵士乐，欣赏其中每一次和弦的精妙选择，每一次节奏的微妙摆动，以及每一次旋律的独特叙事。

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这本书的章节组织结构非常清晰，但这种清晰感反而凸显了其**教学上的保守性**。例如，它将所有的“不协和音程”（Dissonances）归类到特定的和弦延伸音（Extensions）部分进行讲解，这种方式在二十世纪初的音乐理论中是常见的。然而，对于后波普（Post-Bop）乃至融合爵士（Fusion）时期，那些大胆使用半音关系和非传统音程作为主要驱动力的手法，书中几乎没有提及。我特别想知道关于**“音高集合”（Pitch Class Sets）**在当代爵士和前卫爵士中的应用，毕竟理论的进步是与音乐实践同步的。这本书似乎将爵士乐的“黄金时代”定格在了1950年代，然后就此止步。对于一个想要学习如何演奏当下正在发生的爵士乐的人来说，这本书提供的知识是**必要但不充分**的。它能让你理解查理·帕克在做什么，但可能无法让你理解今天在格林威治村正在进行的新实验。我希望看到更多关于**和声密度**和**音色织体**的讨论，而不仅仅是单音符或三和弦的分析。

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这本《Essentials of Jazz Theory》的封面设计着实抓人眼球，那种深邃的靛蓝色背景上跳跃的金色音符，仿佛让人立刻置身于一个烟雾缭绕的爵士酒吧。我原本是抱着极大的期待来翻开它的，毕竟“Essentials”这个词暗示着它会是通往爵士乐核心秘密的一把万能钥匙。然而，真正阅读起来，我发现它更像是一本**非常扎实但略显传统**的音乐理论教材的“爵士换皮版”。它对和声进行（Chord Progressions）的讲解详尽无疑，对于七和弦、九和弦、甚至十三和弦的构成和功能性分析，都做到了教科书级别的严谨。特别是关于ii-V-I的各种变体，作者似乎倾注了大量心血，图表清晰，推导过程逻辑严密。但问题在于，它似乎将爵士乐的“灵魂”——那种即兴的、流动的、充满个人色彩的表达——硬生生地塞进了学院派的框架里。我期待的更多是关于“色彩音”（Color Tones）在即兴旋律线条中的实际运用，或者是某个大师（比如比尔·埃文斯或迈尔斯·戴维斯）在特定曲目中是如何“打破”这些规则的实例分析。书中对于“和弦替换”（Chord Substitution）的介绍，更多是基于对等功能替代的数学计算，而非听觉上的“张力释放”或“情绪构建”。读完这部分，我感觉自己像个精通代数的工程师，却仍然不太会用这些公式去“谱写”一首能让人心头一颤的旋律。它提供了精确的“骨架”，但“血肉”和“呼吸”似乎被刻意留白了。

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从一个资深乐手的角度来看，这本书最让我感到困惑的是它对**“音色和演奏法”**的完全规避。爵士乐，尤其是现代爵士，其魅力很大一部分来自于演奏者对乐器本身的探索和“拟人化”的处理——比如萨克斯的超吹，贝斯的Slapping，或者钢琴左手的Walking Bass线条的处理方式。这本书完全将这些元素排除在外，仿佛爵士乐是一种纯粹的抽象数学结构，只要你掌握了和弦的构成和调式的指法，你就能成为大师。这与我心目中爵士乐的实践精神相去甚远。当我翻到关于“和弦内音与外音处理”的章节时，我期待看到的是如何通过推迟进入（Delaying the Resolution）或使用装饰音（Ornamentation）来制造悬念，但书中给出的仅仅是——如果和弦是Cmaj7，你可以使用D或F#作为经过音。这太**机械化**了。爵士乐的精髓在于“对话”，在于“反应”，这本书更像是一本关于“独白”的理论手册，它告诉你规则是什么，却没告诉你如何用这些规则与其他乐手进行充满智慧的交锋。

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整体而言，如果你是一个绝对的音乐理论新手，并且打算先建立一个坚不可摧的、以功能和声为基础的爵士乐词汇库，《Essentials of Jazz Theory》绝对是一个**优秀的入门工具**。它对基础知识的梳理达到了极高的水准，避免了许多流行乐教材中常见的概念模糊不清的问题。但是，如果你已经对基础乐理有所涉猎，并希望深入挖掘爵士乐**即兴创作的“窍门”或“秘密武器”**，那么这本书的深度可能会让你感到失望。它更像是一本准备考试的参考书，而非一本启发灵感的艺术指南。我阅读过程中最大的感受是**“缺乏连接性”**：和声的章节和旋律的章节之间，似乎缺少了将两者紧密粘合在一起的“胶水”——也就是爵士乐手实际演奏时所依赖的直觉和耳朵训练。我不得不将这本书与其他一些关于“聆听与模仿”的资源结合起来使用，才能真正体会到那些理论是如何在实际的音乐脉搏中跳动的。它为我打下了坚实的“知识基石”，但要盖起华丽的演奏大厦，我还需要寻找更多的“建筑蓝图”。

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老实说，这本书的排版和印刷质量绝对是上乘之作，纸张的触感温润，拿在手里沉甸甸的，很有“典藏”的感觉。我特别欣赏它在**节奏处理**方面的某些深入探讨，特别是对于“摇摆律动”（Swing Feel）的细微差别进行了大量的文字描述和音符标记对比。作者试图量化那些难以言喻的“赶”与“拖”之间的微妙平衡，这对于习惯了古典乐精准节拍的初学者来说，无疑是一个重要的提醒。然而，在涉及到**音阶与调式**的部分，我感到了一种明显的割裂感。书中详尽地列出了所有调式（Dorian, Mixolydian b9, Lydian #11等等）的音符构成，并将其与特定的和弦类型一一对应。这无可厚非，但讲解的深度停留在“这是什么音”的层面，而不是“为什么在这个特定的爵士乐语境下，这个音会听起来如此完美或如此尖锐”。我翻了好几遍，期望能找到一些关于“动机发展”（Motivic Development）在即兴演奏中的应用技巧，或者一些关于**蓝调音阶（Blues Scale）**如何与复杂的上层和声结构进行交互的实际案例。这些内容，在其他一些更侧重实践的教材中都有所体现，但在《Essentials of Jazz Theory》中，它们仅仅像是脚注一样，被轻轻带过。这让我感觉作者的侧重点似乎更偏向于构建和声的“词汇表”，而不是教授如何用这些词汇“写诗”。

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