American Popular Music pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

出版者:Facts on File

作者:Holmes, Thom

出品人:

页数:352

译者:

出版时间:2006-12

价格:$ 24.80

装帧:Pap

isbn号码:9780816069286

丛书系列:

图书标签:

• 美国流行音乐
• 流行音乐
• 音乐史
• 音乐文化
• 美国文化
• 音乐
• 历史
• 文化
• 社会
• 艺术

音乐的宏伟织锦：一部跨越世纪的美国声音史诗 导言：旋律的回响与时代的烙印 本书并非聚焦于我们耳熟能详的“流行音乐”——那些在榜单上起伏、短暂占据文化高地的商业产物。相反，我们深入探寻美国音乐景观的更深层结构，那些奠定、塑造并持续影响着国家身份与社会变迁的根源性音乐传统。这是一部关于美国声音如何从殖民地的清唱室、南部种植园的田间劳作、以及城市移民聚居地的喧嚣中萌芽、生长、融合，并最终汇聚成一股不可阻挡的文化洪流的宏大叙事。 我们将目光投向那些被主流叙事所忽略的、却对美国音乐肌理至关重要的领域：从新英格兰清教徒的圣歌传统的严谨与内敛，到阿巴拉契亚山区民间歌谣中流传的欧洲古典叙事结构与美洲大陆的孤独感；从非裔美国人灵歌（Spirituals）中蕴含的宗教救赎与反抗的隐秘代码，到早期乡村音乐（Old-Time Music）中手摇提琴（Fiddle）的狂野能量。 第一部分：多声部的起源：殖民地的音景与本土的回响 美国音乐的叙事始于冲突与融合的交汇点。在欧洲殖民者带来的欧洲古典音乐、宗教音乐体系的对垒中，第一批真正意义上的“美国声音”开始诞生。 1. 信仰的结构与非裔的渗透： 我们将细致分析新英格兰赞美诗的演变，例如威廉·比尔斯（William Billings）的作品如何试图在僵硬的教会规范中寻找自由表达的空间，以及“集体歌唱”（Regular Singing）运动对公众音乐素养的影响。与此同时，本书将详尽描绘南方种植园中的音乐实践。这不仅仅是奴隶们在劳动中的呻吟，更是复杂的节奏、声乐模仿（Call-and-Response）技巧以及非洲音乐元素潜移默化地渗入北美大陆的记录。我们将探讨如何从早期的信件和目击者报告中重构这些失传的“田间音乐”（Field Hollers）的结构。 2. 边疆的拓荒者与欧洲的遗音： 美国西部扩张的背景下，音乐成为维系社区、记录旅程的工具。本书追溯了爱尔兰、苏格兰、德国移民带来的民间器乐传统，特别是班卓琴（Banjo）——这一原本源自非洲的乐器，如何被白人音乐家吸收、改造，成为定义早期乡村音乐的标志性音色。我们细致考察了在没有标准乐谱的情况下，这些口头流传的曲调如何跨越地理障碍，保持其核心的叙事性。 第二部分：19世纪的剧场、城市与机器：音乐工业的胚胎 随着工业革命的推进和城市的崛起，音乐开始脱离纯粹的社区或宗教范畴，进入商业化的初级阶段。 1. 城市中的舞台与马戏团的魅力： 详细分析了歌厅娱乐（Minstrelsy）的复杂性。尽管这一形式建立在种族刻板印象之上，但其在塑造美国流行娱乐范式方面具有不可磨灭的影响。我们分析了其音乐结构——如滑稽的歌曲、“黑脸”表演的音乐元素——如何被后来的爵士乐和布鲁斯继承和解构。此外，通俗歌谣（Parlor Songs）和早期机械复制技术（如乐谱的批量印刷和机械八音盒）如何将音乐带入中产阶级的客厅，成为家庭娱乐的重要组成部分。 2. 蓝调的诞生：密西西比三角洲的土壤： 本书将深入剖析早期密西西比三角洲蓝调（Delta Blues）的社会经济成因。这并非简单的“悲伤的歌曲”，而是对极端社会压力、佃农制度和个人命运的音乐化表达。我们分析了早期蓝调音乐家（如查理·帕顿等早期未被记录的流浪乐手）对单一音阶、即兴演奏以及“弯音”（Bending Notes）的运用，这些技巧构成了其后一个世纪美国音乐的语法基础。 第三部分：艺术的解放与技术的革命：20世纪初期的声音探索 20世纪的到来，伴随着录音技术的成熟和城市化的加速，使得音乐的传播方式发生了根本性的变革，也催生了更加结构化和复杂的音乐体裁。 1. 新奥尔良的熔炉与爵士乐的结构： 我们摒弃了将爵士乐简单视为“即兴音乐”的刻板印象。本书重点探讨了新奥尔良军乐队传统（Brass Band Tradition）在爵士乐形成中的核心作用，以及其对欧洲进行曲（March）结构的颠覆。分析了拉格泰姆（Ragtime）复杂的切分节奏如何通过皮亚诺手（如斯科特·乔普林）的创作，为更自由的即兴演奏铺平了道路。我们关注早期爵士乐在酒吧、妓院和街头庆典中，作为一种新的社会粘合剂的角色。 2. 唱片与电台的权力：乡村音乐的地域分离： 聚焦于20世纪20年代，录音公司如何划分市场——“种族唱片”（Race Records）与“山地音乐”（Hillbilly Music）。我们详细考察了阿巴拉契亚地区的传统民间音乐（Appalachian Folk）如何被商业化，以及吉他、曼陀林等乐器如何被标准化，形成了早期乡村音乐的独特器乐配置。这部分内容旨在揭示，在商业化初期，音乐类型是如何通过市场定位而被强行隔离的。 结论：未被主流定义的持续回响 本书的最终目的，是为读者提供一个理解美国音乐如何在其广袤的文化土壤中自然生长的视角。我们关注的是那些作为基础、作为母体、作为文化抵抗与身份构建的非商业化、根源性的声音。它不是关于流行金曲的编年史，而是关于构成这些金曲的结构、精神与社会背景的深度挖掘。这些古老而坚韧的旋律，至今仍在不同形式中回响，定义着我们是谁，以及我们如何用声音来讲述自己的故事。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，这本书的阅读体验像是一次穿越时空的感官之旅，但它的“野心”也带来了某些难以回避的挑战。作者在试图涵盖从Ragtime到Hip-Hop的全部谱系时，某些关键的流派被处理得有些草率。例如，对于七十年代末朋克运动在美国本土的地下发展，书中仅仅是以一章的篇幅带过，而这种力量强大的文化断裂现象，在我看来，其社会影响力和音乐创新性，理应得到更细致的解剖。对我来说，这本书的价值在于它对“商业化”的批判性反思。它毫不留情地揭示了音乐工业如何将艺术家的独特声音“包装”并“标准化”以适应市场需求。这种对产业链的透视，使得我不再仅仅将流行歌曲视为娱乐产品，而是一种复杂的经济和意识形态的复合体。特别是关于MTV时代的视觉文化如何反过来塑造音乐创作的讨论，视角独特且富有洞察力。不过，如果读者是想寻找一本侧重于音乐理论或技术分析的专著，那么这本书可能会让他们感到失望，因为它更像是一部关于美国身份认同和大众心理的编年史，音乐只是阐述这些主题的媒介。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版和引文系统简直是一场灾难，这极大地影响了我对内容的吸收效率。大量的脚注和参考资料似乎是随意堆砌，许多关键名词的首次出现都没有清晰的标注来源，这对于希望深入挖掘某一特定历史时期的读者来说，无疑是巨大的障碍。撇开这些技术层面的缺陷，作者对于特定时期文化现象的“感觉”捕捉得极为精准。书中描绘八十年代合成器流行乐（Synth-pop）崛起时，那种对未来感、疏离感以及后工业社会氛围的描摹，几乎能让人听见那些冰冷的电子音色。更值得称赞的是，它对“南方”音乐的重视，打破了传统上只关注纽约、洛杉矶音乐中心的偏见。南方摇滚、德州布鲁斯以及后来的亚特兰大嘻哈场景，都被赋予了应有的历史地位，展示了美国音乐文化版图的多元与复杂。这种对地理差异性的强调，让整个叙事不再是单线的，而是充满了区域性的对话与竞争，这让历史的肌理变得更加立体和真实。

评分☆☆☆☆☆

这本书的叙事风格可以说是极其个人化和主观的，这既是它的魅力所在，也可能成为部分读者的雷区。作者的语言充满了强烈的个人倾向和修辞色彩，尤其是在评价七十年代迪斯科（Disco）的段落，那股子对“廉价”娱乐的鄙夷溢于言表，读起来像是在听一位资深乐评人带着怒气跟你争论。这种充满激情的笔触，使得原本可能枯燥的音乐流派更迭变得引人入胜，仿佛作者就在你耳边低语着那些不为人知的八卦和内幕。然而，这种高度的主观性也意味着，对于那些追求客观中立历史记录的读者来说，可能会觉得过于情绪化。我个人非常喜欢它对“音乐产业泡沫”的描述，例如八十年代后期唱片公司盲目投资的混乱局面，以及随之而来的审美疲劳。这种对商业周期波动的关注，使得整部作品具备了一种经济史的深度。虽然我不完全赞同所有观点，但这本书成功地将流行音乐提升到了一个严肃的文化研究领域，迫使读者去思考：我们听的到底是什么？以及，为什么是这个？它强迫你不断地质疑，而不是被动接受。

评分☆☆☆☆☆

阅读这本书，最让我感到惊奇的是作者如何处理“种族”和“性别”这两个核心议题。它没有采用简单的“受害者叙事”或“平权口号”，而是深入探讨了文化挪用（Cultural Appropriation）的复杂性——例如，白人艺术家如何从黑人音乐中汲取灵感并最终获得商业上的巨大成功，而原始创造者却常常被边缘化。这种对权力动态的揭示是深刻且必要的。同时，对于女性艺术家的描绘，虽然数量上仍有待提高，但对于诸如爵士歌手、乡村音乐女王等关键人物的分析，聚焦于她们如何在父权社会结构中利用和反制音乐这一媒介来构建自我形象，是非常有启发性的。书中关于六十年代迷幻摇滚（Psychedelic Rock）中“精神探索”与商业利润之间张力的剖析尤其精彩，它不仅仅谈论了音乐风格的迷幻性，更挖掘了其背后的社会解构思潮。总而言之，它提供了一套解构美国流行音乐的批判性工具箱，而不是一个简单的百科全书。

评分☆☆☆☆☆

这本关于美国流行音乐的著作，远超了我对一本音乐史料的预期。它不仅仅是罗列了哪些歌曲流行、哪些艺术家成名，更像是一场深入骨髓的社会学考察。作者似乎对1920年代爵士乐的兴起如何与大萧条时期的美国精神交织，有着近乎偏执的探究欲。我尤其欣赏它对“蓝调”的分析，那种将音乐形式的演变直接锚定在非裔美国人社会流动和城市化进程中的论述方式，让我重新审视了那些耳熟能详的音符背后蕴含的巨大社会张力。书中花了大量的篇幅来剖析“摇滚乐”的诞生，但它没有落入老生常谈的“叛逆”标签，而是将其视为战后中产阶级焦虑和青春期文化觉醒的必然产物。从早期乡村音乐的田园牧歌式叙事，到六十年代民谣复兴对政治现实的尖锐批判，这本书构建了一个极其精密的时代变迁图景。阅读过程中，我时常需要暂停下来，去回溯那些被提及的经典专辑，感受文字是如何精准地捕捉了音乐的“时代脉搏”。它的学术深度足够让专业人士满意，但其流畅的叙事和对大众文化现象的敏锐洞察力，也让普通乐迷能轻松进入这个宏大的音乐世界。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆