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出版者:St Martins Pr

作者:Burrows, Terry/ Wickenden, Laura (PHT)

出品人:

页数:128

译者:

出版时间:1999-11

价格:$ 28.24

装帧:HRD

isbn号码:9780312244170

丛书系列:

图书标签:

• 吉他
• 电吉他
• 吉他教学
• 音乐
• 乐器
• 演奏
• 技巧
• 入门
• 流行音乐
• 摇滚乐

旋律的殿堂：吉他演奏的艺术与技艺精粹 一部深入剖析电吉他演奏核心理念与实践的里程碑式著作，专为渴望精通现代音乐语言的吉他学习者而作。 本书并非传统的技巧手册，而是一次对电吉他作为一种独立艺术表达媒介的全面探索。我们聚焦于构建一个坚实、全面且富有创造力的演奏者框架，从基础的乐理认知到复杂的风格化处理，层层递进，旨在培养学员独立思考和自我完善的能力。 第一章：音符背后的结构——现代和声与指板的对话 本章将打破传统乐理的枯燥感，将抽象的和声概念转化为吉他指板上的直观布局。我们将探讨和弦的解构与重构，不仅仅学习如何按住和弦，更要理解其内在的张力和色彩。 音阶的地理学： 深入研究调式（Modes）的实际应用，如何根据情绪和歌曲需求在指板上快速切换音阶模式，而非仅仅记忆位置。重点分析利底亚调式（Lydian）的“明亮感”和多利亚调式（Dorian）的“蓝调张力”。 和弦的形态学： 剖析爵士乐中常见的延伸和弦（9th, 11th, 13th）如何在电吉他上以最简洁、最有效的指型呈现。教授如何利用和弦替换（Chord Substitution），瞬间改变歌曲的和声色彩，为即兴创作提供无限可能。 五度圈的实践应用： 如何在演奏中运用五度圈进行流畅的和声进行（Chord Progression）连接，确保乐句的逻辑性和音乐的连贯性。 第二章：节奏的脉搏——律动感与时间感的雕琢 电吉他的核心魅力往往在于其独特的律动感（Groove）。本章致力于将学习者从机械的拍子中解放出来，培养与鼓手和贝斯手同步的“内在时钟”。 精准度的校准： 详述如何使用节拍器进行“反向训练”，即故意将重音放在拍子的后半拍或弱拍上，以增强乐句的推动力。 切分音的艺术（Syncopation）： 分析Funk、Reggae和Ska音乐中切分音的密集使用，教授如何通过精确控制休止符和重音，创造出令人无法抗拒的摇摆感。 律动感的细微差别： 区分“提前”、“延迟”和“在位”演奏对同一段旋律产生的截然不同的听感。案例分析Bob Marley、James Brown等大师如何通过对时间点的微妙把握塑造个人风格。 第三章：音色的炼金术——效果器的深度整合与声音设计 电吉他音色的塑造是其现代表达的关键。本章不再停留在“什么效果器做什么”的层面，而是探讨如何将效果器视为乐器本身的一部分，进行声音的雕刻。 信号链的哲学： 详细解析不同效果器（失真、过载、调制、空间）的排列顺序如何从根本上改变最终音色。重点剖析串联与并联对动态范围和增益结构的影响。 动态控制大师： 深入研究压缩器（Compressor）的攻击（Attack）和释放（Release）参数，教授如何在不牺牲动态的前提下实现延音的最大化，并为扫弦提供更均匀的音墙。 空间与纹理： 探究延迟（Delay）和混响（Reverb）如何构建声音的“舞台感”。如何使用非线性混响来创造前卫的音效，以及如何利用多重延迟创造复杂的对位声部。 放大器的模拟与超越： 分析不同类型放大器（如Fender的清音、Marshall的过载特性）的内在驱动原理，指导学习者如何通过控制拨片力度和音量旋钮，在不触碰效果器的情况下，实现音色的即时变化。 第四章：风格的模仿与超越——流派精炼与个人烙印 真正的吉他大师不仅能演奏，更能“说话”。本章旨在帮助学习者吸收不同音乐流派的精华，最终提炼出独一无二的个人声音。 蓝调的根基： 不仅限于五声音阶，重点讲解推弦（Bending）的精确度（半音、全音、超推）与揉弦（Vibrato）的宽度和速度，这些是表达情感的基石。 摇滚的能量： 分析硬摇滚和金属乐中Riff的构建原则——如何通过节奏的复杂性、低音区的扫弦密度和精准的Muting（闷音）技术来增强冲击力。 爵士乐的对话： 如何在即兴演奏中融入“动机发展”（Motivic Development），将一个简单的旋律片段转化为贯穿整个乐段的叙事线索。重点研究如何使用三全音（Tritone）进行色彩性的导向。 融合与创新： 引导学习者将学到的元素进行跨界组合，例如将电子音乐的节奏处理应用到吉他独奏中，或将古典对位思维融入到摇滚乐的伴奏中。 第五章：实践的深化——即兴创作与舞台表现力 音乐的价值在于表达，而吉他手在舞台上的表现力同样至关重要。本章聚焦于将技术转化为现场感染力的桥梁。 即兴的结构化思考： 教授“框架式即兴法”，即在演奏前确定好核心主题、高潮点和情绪曲线，避免漫无目的的音符堆砌。 听觉的训练： 大量练习听写和视唱，重点训练识别和声转位和不协和音程的能力，这是快速反应的基础。 舞台语言： 讨论如何通过肢体动作、眼神交流和音量动态变化来引导听众的情绪。优秀的演奏是视觉与听觉的协同作用。 录音室的纪律： 探讨在录音环境中，如何根据制作人的要求，精确地提供需要的音色和演奏部分，理解“为歌曲服务”的演奏哲学。 本书目标： 通过严谨的理论指导和大量的实践案例分析，确保读者不仅能弹奏电吉他，更能思考、设计和表达电吉他。学成之后，你将拥有驾驭任何音乐风格的自信，并能在指板上刻下属于自己的声音印记。

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翻阅市面上琳琅满目的乐器学习书籍，我注意到一个普遍的弊病：很多教材的排版和设计过于陈旧和晦涩，使得学习过程本身就成了一种负担。《玩转电吉他》这个名字听起来就充满活力和现代感，这让我联想到，它的内部设计也许更加注重用户体验。我猜想，这本书的视觉呈现一定非常出色，色彩搭配可能比较大胆，符合电吉他这种乐器所代表的激情和不羁。在内容组织上，我希望它没有采用那种枯燥的线性叙事，而是可能设置了一些“挑战单元”或者“大师速成秘籍”之类的模块，让学习过程充满探索的乐趣。比如，它会不会用图文并茂的方式，详细解析某位摇滚巨匠的标志性Solo片段？这种具体到每一个音符、每一个推弦幅度的分析，对于渴望快速掌握“杀手锏”技巧的读者来说，是极具吸引力的。同时，一本优秀的吉他书，还应该考虑到不同学习进度的读者，或许会有明确的“新手上路”、“进阶挑战”和“专业提升”的梯度划分，确保即便是零基础的爱好者，也能找到适合自己的起点，并看到明确的成长路径。

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对于我这样对音乐理论有一定基础，但实践经验尚浅的“理论派”学习者来说，我更关注的是如何将抽象的乐理知识转化为手指上的实际动作。《玩转电吉他》这本书，如果它真的能帮我“玩转”起来，那么它一定在连接“看谱/听音”与“动手弹奏”之间架设了一座坚实的桥梁。我非常期待书中是否有关于如何有效练习的心法秘籍。因为我们都知道，天赋固然重要，但科学的练习方法才能事半功倍。比如，如何科学地进行慢速练习以保证准确性，如何通过听觉训练来提升自己的节奏感和对拍速的把握能力。我希望能看到一些关于“听音辨位”的训练方法，帮助我不再依赖于五线谱或六线谱，而是能够凭耳朵去理解和模仿音乐。更深层次的，我希望它能探讨如何建立个人化的练习流程，例如，每天应该分配多少时间给音阶、多少时间给节奏练习、多少时间用于自由即兴创作。这种对练习效率的深度剖析，往往是区分一本普通教材和一本杰出教材的关键所在。

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从一个纯粹的“消费者”角度来看，购买一本学习书籍，其实是在购买一种被整理好的知识体系和被简化的学习路径。《玩转电吉他》这个书名，暗示了一种轻松、无拘无束的学习态度，这与许多传统音乐教育的严肃性形成了对比。我猜测，这本书可能在“设备入门”方面提供了非常接地气的建议，毕竟电吉他学习的门槛之一就是复杂的周边设备——从效果器链的排列到音箱的选择，对于新手来说常常让人望而却步。我期望书中能用最直白的语言，解释清楚失真（Distortion）、过载（Overdrive）、延迟（Delay）这些常用效果器的作用原理和实际效果，甚至提供一些“穷人版”的设备搭配方案，让预算有限的爱好者也能获得令人满意的音色。如果它还能触及到电吉他维护的基础知识，比如如何换弦、如何进行简单的调校（Setup），那它就真正成为了一个全面的“电吉他伴侣”，而不仅仅是一本演奏指南，从而最大化读者的投资回报率。

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这部关于《玩转电吉他》的书籍，坦率地说，在深入探讨其核心内容方面，我感到有些力不从心，因为我手头并没有这本书的实体或电子版本。因此，我无法对书中的具体吉他技巧、音阶练习、和弦指法，或是关于不同效果器选择的详细分析给出任何基于事实的评论。我能想象的是，一本名为《玩转电吉他》的书籍，必定会涵盖从基础入门到进阶演奏的广泛内容，或许会对不同风格的吉他演奏，比如布鲁斯、摇滚、金属等流派的标志性技巧进行细致的拆解。我猜测，书中可能包含了大量的图示和清晰的步骤说明，帮助初学者克服初次上手时的笨拙感，让那些对电吉他充满好奇的人能够尽快地找到乐趣。如果这本书真的如其名，它应该是一本实用的指南，不仅仅是理论的堆砌，更重要的是能够激发读者的演奏热情，引导他们真正“玩”起来，而不是仅仅“学”着弹奏。我期望它能提供一些独特的视角，比如如何调试音箱才能获得心仪的音色，或者如何通过练习来培养自己的音乐感和舞台表现力。对于一个渴望在电吉他世界里自由翱翔的爱好者来说，一本好的教材是必不可少的引路灯，希望能提供那些在网上零散信息中难以系统获取的知识体系。

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最近我接触了一批音乐教育方面的资料，它们都指向了一个共同的趋势：强调实践中的创新和个人风格的建立，而不是僵硬地模仿教学范本。我推测《玩转电吉他》这本书，如果它真的能够引领潮流，一定不会止步于传统的“爬格子”练习。我设想，书中可能花了相当的篇幅去讨论如何将技术服务于音乐表达，比如，如何巧妙地运用推弦（Bending）或揉弦（Vibrato）来赋予音符情感，让它们不仅仅是发出声响，而是能“歌唱”起来。此外，对于现代音乐制作越来越重要的“音色设计”部分，这本书想必也有所着墨。一个好的电吉他手，不仅要会弹，更要会“造”声音。我非常好奇，作者是如何处理不同时代经典音色的模仿与重塑，比如七十年代的硬摇滚音墙与九十年代的失真脉冲之间的差异，以及如何用有限的设备去实现这些宏大的听觉画面。如果书里能够给出一些关于创作思维的引导，比如如何从一个简单的Riff发展成一首完整的乐曲结构，那这本书的价值无疑会大大提升，因为它将从一个纯粹的技术手册，升华为一位良师益友，引导读者走上音乐创作的道路。

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