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出版者:Applause Books

作者:Lehman Engel

出品人:

页数:466

译者:

出版时间:2006-01-01

价格:USD 17.95

装帧:Paperback

isbn号码:9781557835543

丛书系列:

图书标签:

• 音乐
• 文学
• 回忆录
• 自传
• 音乐家
• 创作
• 艺术
• 文化
• 个人经历
• 音乐史

遗失的旋律：科林·麦克布莱德的音乐考古手记 一、引言：当沉默成为最响亮的回响 科林·麦克布莱德，一位在学术界以特立独行著称的音乐人类学家，他的笔触从未停留于传统乐理的象牙塔内。他的最新力作，并非对既有音乐史的梳理，而是一场深入人类文明底层、追溯“失声”旋律的艰辛旅程。《遗失的旋律：科林·麦克布莱德的音乐考古手记》（The Lost Cadence: Field Notes of a Musical Archaeologist）是一部融合了民族音乐学、声学考古学以及个人哲学思辨的非虚构杰作。 本书并非一本探讨具体乐谱或曲目分析的指南，相反，它聚焦于那些从未被记录、在历史长河中被无情抹除的——“失声的音乐遗产”。麦克布莱德挑战了“音乐史即被记录的音乐史”这一固有观念，他认为，人类历史的厚重，恰恰在于那些被遗忘的、未被编码的声音景观。 二、第一部分：回声的拓扑学——声音的物质性与无形边界 麦克布莱德首先构建了一个全新的概念框架：“回声的拓扑学”。他不再将声音视为短暂的波动，而是将其视为一种具有物理残留物（Residue）的物质实体。 1. 泥土中的振动：对原始乐器的重建与幻听 本书的第一部分深入探讨了考古现场如何提供关于古代声音环境的线索。麦克布莱德在约旦河谷、西伯利亚冻土带和南美洲安第斯山脉的挖掘工作成为核心案例。他详述了如何通过分析陶器上的微小磨损痕迹、骨笛的断裂角度，乃至祭祀场所的声学几何结构，来推演出远古人类如何“制造”和“聆听”声音。 其中最引人入胜的章节是关于“原始共鸣腔”的研究。麦克布莱德利用现代声学模型模拟了史前洞穴中，特定频率（如低于人类听觉阈值的次声波）如何与岩壁相互作用，从而产生一种“有形而非可闻”的听觉体验。他认为，许多失传的宗教仪式和部落舞蹈，其核心可能并非旋律本身，而是这种环境共振带来的集体意识状态。 2. 书写之前的音符：符号学的陷阱 麦克布莱德对早期文字记录中对音乐的描述提出了尖锐的批判。他指出，一旦音乐被符号化（无论是楔形文字还是早期音阶标记），它便立刻失去了其原始的、与身体、环境紧密相连的“即时性”。 他追溯了美索不达米亚泥板上关于“庆典音乐”的记载，并展示了这些文字描述在被翻译成现代五线谱时所遭遇的巨大损失。这些文字记录下来的，仅仅是音乐的“骨架”，而那些使音乐鲜活的呼吸、即兴的变奏、听众的身体反应，都已烟消云散。麦克布莱德试图捕捉的，正是这种“在书写之前即已消亡的生命力”。 三、第二部分：失语的社群——被抹去的身份之声 本书的下半部分转向社会学和人类政治层面，探讨了权力结构如何系统性地“消除”某些社群的声音。麦克布莱德将此过程称为“声学清洗”（Acoustic Cleansing）。 1. 殖民语境下的和声消亡 麦克布莱德将研究焦点投向了被殖民化进程中迅速消亡的土著音乐。他详细记录了十九世纪末期，跨大西洋奴隶贸易对非洲西海岸音乐传统带来的灾难性影响。这不是关于奴隶歌谣的记录，而是关于那些“未被奴役者”的仪式性音乐如何因社区瓦解、仪式场所被毁而彻底中断。 他对比了殖民者留下的游记中对“野蛮噪音”的描述，与他通过田野调查复原的、关于生命周期（如出生、成年礼）的复杂声学叙事。他指出，殖民者记录下的，是他们“希望听到”的声音，而非真实的声音。 2. 工业化与“节奏的标准化” 麦克布莱德提出了一个极具争议的论点：工业革命不仅改变了生产力，更彻底重塑了人类对“时间感”和“节奏感”的认知。工厂的机械节拍和精确的钟表时间，取代了农业社会中基于自然周期（潮汐、季节、日照）的弹性节奏。 他访谈了欧洲最后一代掌握传统农耕节律的纺织工人后裔，记录下他们对“被固定化节奏”的集体怀旧。这些被现代工业社会淘汰的、基于生物钟和环境变化的复杂复合节拍，构成了另一种形式的失传音乐——一种关于“缓慢时间”的听觉语言。 四、第三部分：重构的伦理——聆听的责任与未来 在本书的收尾部分，麦克布莱德探讨了作为当代研究者，面对这些“失声”遗产时所应承担的伦理责任。 他拒绝使用技术手段对这些声音进行“完美”的数字还原，因为那将是对其“不完美性”和“瞬时性”的二次扼杀。相反，他主张“聆听的参与性”。 1. “空洞”的录音棚：留给听众的空白 麦克布莱德在最后几章描述了他如何与当代艺术家合作，并非“演奏”失传的音乐，而是“构建聆听遗址”。他让音乐家在特定的声学空间中，根据考古学家的推测，即兴演奏那些基于物理证据推断出的音高和节奏模式，但故意在关键部分留出空白。 这些空白，他认为，是留给听众、留给历史的“呼吸空间”。听众必须主动地将自己对过去声音的想象填补进去，从而完成对这段失传旋律的最后一次、也是最真实的“共同创造”。 2. 声音的考古学是一种谦卑 《遗失的旋律》最终是一部关于谦卑的作品。它教导我们，真正的音乐史学家，必须愿意承认知识的局限性，必须放下对“拥有”和“完整”的执念。麦克布莱德总结道，我们能做的，不是复原失落的旋律，而是学会如何更好地聆听那些“仍在进行中、但我们尚未学会识别的声音”——来自地球深处、来自被压迫的记忆、来自我们自身被驯化的耳朵。 结语： 这本书挑战读者，去重新审视我们习以为常的听觉世界。它不是关于我们听到了什么，而是关于我们如何、以及为何停止聆听了其他一切。它是一份沉甸甸的、关于声音的负面清单，一份对人类创造力在时间和权力面前的脆弱性的深刻反思。

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这本书最让我惊喜的一点，是它如何处理“不完美”和“缺失”的主题。很多关于艺术的论述往往集中在那些光辉的、被公认的杰作上，但这本书却花费了相当大的篇幅去探讨那些被历史遗忘的、未能实现的构想，甚至是那些创作过程中的“失败”和“中断”。作者没有将这些视为瑕疵，反而赋予了它们一种独特的、近乎悲剧性的美感。他探讨了那些未完成的乐章留给后世的想象空间，以及那些被时代洪流淹没的声音所蕴含的某种永恒的诉求。这种对边缘、对阴影的关注，使得整部作品的维度瞬间加深，不再是单调的赞美诗，而是一部充满矛盾与张力的交响乐。它引导读者思考：真正的艺术价值，是否仅仅存在于最终呈现的作品之中？还是说，那些挣扎、那些未竟的渴望，本身就是艺术生命力的一部分？这种深刻的哲学思辨，让我合上书本后，久久无法释怀，感觉心灵被某种更加复杂、更加人性化的东西所触动。

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我通常对这类主题的书籍抱持着一种警惕的态度，因为很多作者容易陷入过度主观的“才子说”或是空泛的“精神赞颂”，缺乏坚实的文本支撑。然而，这本书的深度和广度令人印象深刻。它并非仅仅停留在对艺术家个人魅力的赞美上，而是深入挖掘了那些艺术形式诞生的社会文化土壤。作者的考据工作显然是下了大功夫的，他没有满足于引用二手资料，而是似乎亲身踏访了那些历史遗迹，触摸了那些被时间磨损的乐谱边缘。书中对于某个特定历史时期音乐风格转变的分析尤为精彩，他成功地将经济结构、政治气候与音高、和弦的偏好变化联系起来，构建了一个宏大而又精密的文化生态系统。这种将艺术置于历史洪流中审视的视角，使得全书的论证充满了力量感和说服力。读完后，我感觉自己不仅听到了音乐，更“看见”了创造这些音乐的那个时代的面貌，感受到了一种跨越时空的对话感。

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这本书的语言风格极其独特，它似乎在努力打破传统散文的界限，尝试创造一种全新的“感官语言”。我发现自己经常需要反复阅读某些句子，不是因为我不理解，而是因为那些词语的排列组合产生了某种奇异的共振，一种强烈的画面感和听觉残留物会瞬间充斥我的脑海。作者偏爱使用非常具象化的动词和色彩鲜明的形容词来描述听觉现象，这使得原本难以言喻的听觉体验变得可感、可触。比如，描述某段旋律的起伏时，他用了“像被抛光的黑曜石沿着陡峭的悬崖边缘滑落”这样的措辞，这种高度凝练的意象，比任何技术性的描述都要来得震撼人心。这种写作方式要求读者必须全身心投入，放弃掉那种习惯性的、线性的阅读模式，转而接受一种更碎片化、更强调感官冲击的阅读体验。对于那些习惯了平实叙事的读者来说，这可能需要一个适应期，但一旦适应，那种被文字的“味道”和“触感”包裹的感觉，是其他书籍难以提供的。

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这本书的叙事节奏把握得简直出神入化，像是一位技艺高超的指挥家在掌控着乐团的强弱缓急。我发现自己常常会不自觉地加快阅读速度，仿佛被一种内在的韵律所牵引着向前奔跑，但下一秒，作者又会突然放缓笔触，用一句极简的陈述将我带入一种深思的静默之中。这种张弛有度，使得阅读过程本身就变成了一种富有动态美感的体验。它不是那种平铺直叙的流水账式记录，而是充满了戏剧性的转折和意想不到的对比。举个例子，书中有一段描写某个小众流派音乐家在地下室排练的场景，那种潮湿、简陋的环境与他们心中燃烧的艺术火焰形成了强烈的反差，文字的密度在这一刻达到了顶峰，让人读完后需要暂停几秒才能平复呼吸。这种叙事上的高光时刻，贯穿了全书，使得即便是讲述一些较为枯燥的背景知识时，也充满了紧张感和期待感。作者似乎深谙“留白”的艺术，他从不把所有信息都一股脑地倾泻出来，而是巧妙地留下一些解读的空间，让读者自己的感官和经验去填补那些未被言明的空白，这极大地增强了阅读的主动性和沉浸感。

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这本书的封面设计得非常引人注目，那种深沉的蓝色调搭配着跳跃的金色字体，立刻就抓住了我的眼球。我本以为这是一本关于音乐史或者乐理知识的严肃读物，毕竟书名听起来就很有那种学术气息。然而，当我翻开第一页，那种预设的期待立刻被一种全新的体验所取代。作者似乎有一种魔力，能将那些抽象的音符和旋律，转化为一种可触摸、可感知的文字景观。它不像传统意义上的音乐评论那样堆砌术语，反而更像是一系列精心编排的散文诗。我尤其欣赏作者对那些经典作品的解读，那种细腻入微的观察力，让人仿佛又回到了第一次聆听那些伟大乐章时的震撼之中。例如，描述某段巴赫赋格时，他不仅仅是分析了对位法，而是将那种复杂的结构比喻成一座精妙的哥特式建筑，层层叠叠，却又无比和谐。这种跨媒介的联想能力，极大地拓宽了我对音乐的理解边界。这本书的文字流淌性极佳，读起来毫无晦涩感，即便是对古典音乐知之甚少的读者，也能从中获得巨大的审美愉悦。它成功地架起了一座桥梁，连接了纯粹的听觉艺术和丰富的文学想象。

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