The Autumn of Italian Opera

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出版者:Univ Pr of New England
作者:Mallach, Alan
出品人:
页数:490
译者:
出版时间:
价格:$ 62.15
装帧:HRD
isbn号码:9781555536831
丛书系列:
图书标签:
  • 意大利歌剧
  • 秋季
  • 音乐史
  • 文化研究
  • 艺术
  • 历史
  • 19世纪
  • 表演艺术
  • 音乐分析
  • 歌剧
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具体描述

With the passing of giants like Rossini, Bellini, and Donizetti, and with Verdi in decline, Italian opera at the end of the nineteenth century appeared to be on the wane. Then, suddenly, with the legendary premiere of Mascagni's Cavalleria Rusticana in 1890, Italian opera entered into a period of enormous artistic creativity and commercial success. In The Autumn of Italian Opera, Alan Mallach chronicles the last years of Verdi and Catalani and the emergence of the Giovane Scuola (young school) of Italian composers led by the superstar composers Puccini and Mascagni, and including such lesser-known but important figures as Giordano, Cilea, and Leoncavallo. Mallach carries their story through to the first World War and a new generation of composers, including Zandonai and Wolf-Ferrari, through the rise of musical modernism in Italy early in the twentieth century. In doing so he offers opera scholars and aficionados a detailed and richly textured perspective on an important but widely misunderstood period in Italian opera. Mallach places the emergence of the Giovane Scuola firmly within the great social and political upheavals of the time, which brought previously unexplored themes and exotic settings into the Opera House. Their works expressed an intensity of passion, sentimentality, and violence, which appealed to a new generation of operagoers, reflecting the growing dominance of the bourgeois in the new Italy that emerged after unification. Their music reflected the nation's growing cosmopolitanism, integrating themes and styles from composers as diverse as Massenet and Wagner, Strauss, and Debussy into the Italian operatic tradition. While the author's principal emphasis is on operas and composers, he also provides portraits of the outstanding operatic singers and conductors of the time, and the developments that transformed the opera industry toward the end of the nineteenth century. Mallach discusses the powerful role played by the two dominant publishers, Giulio Ricordi and Edoardo Sonzogno, the ownership and operation of the nation's opera houses, the make-up of the operatic audience, and the diffusion of opera throughout Italy through civic bands and choral societies. This is a landmark and highly readable work of scholarship that sheds light on the last great era of Italian opera.

晨曦中的和弦:二十世纪初欧洲歌剧的革新与重塑 本书将带领读者深入探索二十世纪初期,从维也纳的金色大厅到巴黎的加尼叶宫,再到米兰斯卡拉歌剧院的幕布背后,欧洲歌剧艺术经历的剧烈变革与深刻转型。这是一段充满矛盾、激情与创造力的历史时期,它见证了传统美学的瓦解,新艺术形式的诞生,以及歌剧作为综合艺术形式的重新定位。 第一部分:旧世界的黄昏与新声的萌动(1900-1914) 二十世纪伊始,歌剧界仿佛站在一个十字路口。宏大叙事、线性情节和传统调性体系仍占据主流,但德语区的瓦格纳主义的余波未平,意大利“真实主义”(Verismo)的浪潮已然席卷而来。本书将详尽剖析这些并行且相互冲突的力量如何塑造了当时的音乐图景。 一、瓦格纳遗产的继承与反思: 理查德·瓦格纳的影响力在这一时期达到顶峰,但随之而来的是对其“总体艺术作品”(Gesamtkunstwerk)理念的反思与解构。我们聚焦于理查德·施特劳斯(Richard Strauss)如何接过瓦格纳的衣钵,并在《莎乐美》(Salome)和《厄勒克特拉》(Elektra)中,以更为尖锐、更具心理深度的和声语言,将表现主义(Expressionism)的阴影投射到舞台之上。他如何运用极端和声语言来刻画人物扭曲的欲望与精神创伤,是本章的重点。同时,德彪西(Claude Debussy)在法国对瓦格纳式的“无限旋律”发起挑战,其力作《佩利亚斯与梅丽桑德》(Pelléas et Mélisande)如何以其象征主义的美学、流动的音色和对“日耳曼式宏大”的疏离,开辟了全新的听觉空间。 二、意大利“真实主义”的成熟与超越: “真实主义”歌剧在普契尼(Giacomo Puccini)手中达到了其情感张力的极致。本书将细致分析《托斯卡》(Tosca)和《蝴蝶夫人》(Madama Butterfly)的结构与配器,探讨普契尼如何巧妙地平衡威尔第式的戏剧力量与瓦格纳式的管弦乐织体,同时保持意大利歌剧对旋律的执着。然而,真实主义并非终点。我们深入探讨了马斯卡尼(Pietro Mascagni)和莱翁卡瓦洛(Ruggero Leoncavallo)在早期的作品中对底层人物命运的关注,以及这种关注如何逐渐演化为对传统叙事模式的审视。 三、新古典主义的曙光: 在对浪漫主义过度膨胀的反作用下,一股回归清晰结构与室内乐尺度的思潮开始酝酿。法国作曲家萨蒂(Erik Satie)以其看似稚拙却充满颠覆性的作品,为后来的“六人团”埋下了伏笔。在德语区,一些作曲家开始尝试用更精炼的音乐语言来处理歌剧题材,试图在传统曲式与现代和声之间寻找一个微妙的平衡点。 第二部分:战争阴影下的现代实验(1914-1929) 第一次世界大战不仅是欧洲政治的断裂点,也是文化艺术的重塑时刻。在战火的洗礼和随之而来的社会动荡中,歌剧创作变得更具实验性、更具批判性,也更贴近时代的焦虑。 一、表现主义的巅峰与瓦解: 施特劳斯在战后创作的《阿丽亚德涅在纳克索斯岛》(Ariadne auf Naxos)标志着一次风格上的转向,它巧妙地将巴洛克风格的“戏中戏”结构融入现代创作,显示了对古典形式的回归渴望,但也暴露了表现主义过度饱和后的疲态。更具颠覆性的是,奥地利作曲家们在更极端的方向上探索。阿尔诺德·勋伯格(Arnold Schoenberg)的十二音体系(Dodecaphony)的建立,从根本上挑战了西方音乐数百年来的调性基础。本书将深入分析《期望》(Erwartung)等早期作品中,如何将无调性与表现主义的心理恐怖紧密结合,探索人类潜意识的深渊。 二、斯特拉文斯基与原始主义的冲击: 伊戈尔·斯特拉文斯基(Igor Stravinsky)是这一时期最具影响力的变革者。他的作品,特别是对俄罗斯民间音乐和原始节奏的运用,对歌剧的戏剧构建产生了革命性影响。我们分析《俄狄浦斯王》(Oedipus Rex)如何通过其冰冷、仪式化的结构,以及对人类命运的史诗性描绘,宣告了对浪漫主义情感宣泄的彻底告别。斯特拉文斯基对节奏的绝对控制,以及他后期对新古典主义的拥抱,展示了现代作曲家如何不断地进行自我革新。 三、科莱科的批判现实主义: 在意大利,列奥什·雅纳切克(Leoš Janáček)以其独特的莫拉维亚民间音乐语汇和极具颗粒感的音乐语言,在欧洲歌剧界开辟了一条全新的道路。我们详细考察《麦克普洛斯家的事》(The Macropulos Affair)等作品,分析他如何捕捉人物微妙的内心波动,以及其歌剧结构中那种有机、非线性的叙事特点,这与德奥传统形成了鲜明的对比。 第三部分:跨界与融合——新秩序的建立(1929-1939) 三十年代,随着政治气候的日趋紧张和音乐媒介的拓宽,歌剧创作开始寻求更具社会责任感的表达方式,并积极探索新的舞台美学。 一、歌剧与政治的交织: 在柏林和莫斯科,歌剧不再是纯粹的审美追求,而成为意识形态的载体。在德国,尽管瓦格纳主义受到推崇,但对“堕落音乐”的清洗也迫使许多现代作曲家流亡。在苏联,肖斯塔科维奇(Dmitri Shostakovich)在《姆钦斯克县的列迪·麦克白》(Lady Macbeth of the Mtsensk District)中初期获得的成功与随后的严厉批判,是研究歌剧与国家权力关系的重要案例。他的作品展示了如何将尖锐的社会讽刺融入到复杂的现代音乐结构中。 二、布雷希特剧场与音乐的疏离效果: 二十年代末至三十年代,贝尔托·布雷希特(Bertolt Brecht)对歌剧传统“魔幻沉浸感”的发起挑战,深刻影响了歌剧的舞台呈现。他与库尔特·魏尔(Kurt Weill)合作的作品,特别是《七宗罪》(The Seven Deadly Sins),通过其“异化效果”(Verfremdungseffekt),强迫观众保持批判性距离。这种音乐(融合了爵士、流行和古典元素)与戏剧目的的结合,是对传统歌剧审美观的一次强力冲击。 三、对传统的重构与致敬: 在经历了前卫的探索之后,一些作曲家开始寻找一种新的、可以被大众接受的“现代性”。例如,普契尼的继任者们试图在保持情感深度的同时,简化配器和结构。英国作曲家布里顿(Benjamin Britten)虽然在三十年代末才开始崭露头角,但其早期作品中对室内歌剧的偏爱和对清晰发音的重视,已预示着一条不同于德奥传统的、更具人文关怀的创作道路。 总结: 《晨曦中的和弦》全景式地描绘了从瓦格纳主义余晖到现代主义全面开花这一关键历史阶段。它不是一部关于风格流派的简单罗列,而是对艺术在剧变时代中如何回应社会、心理和技术挑战的深入考察。本书通过对关键作品、作曲家思想及时代背景的细致梳理,揭示了二十世纪初期欧洲歌剧如何完成了从浪漫主义的巅峰向现代多元化表达的涅槃,为后世所有音乐剧场艺术奠定了不可磨灭的基石。读者将在此书中领略到那个时代艺术家的雄心、困惑与无畏的创新精神。

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这本书的语言风格简直是一场语言的探戈,时而轻盈得像夏日午后的微风,时而又沉重得如同历史长卷的铺陈。我尝试着去阅读其中几页的介绍性文字,发现作者的遣词造句充满了古典的韵味,那些长句的结构犹如精密的巴洛克式建筑,层层叠叠,但逻辑却异常清晰,需要你全神贯注地去跟随着它的节奏。然而,在论述某些具体的观点时,笔锋又突然变得犀利和直白,如同歌剧高潮时突然爆发出的强音,直击人心。这种在华丽的辞藻和冷静的分析之间游刃有余的切换,让我对作者驾驭文字的能力感到由衷的敬佩。它绝不是那种平铺直叙、一眼望到底的写作,而是充满了智力上的挑战和愉悦。你得放慢速度,去品味那些措辞的选择,去理解那些潜藏在字里行间的暗示。每一次阅读,都像是与一位博学而又极具个性的智者进行着深度对话,你需要付出专注,才能回报以深刻的洞察。这种阅读的“努力”,反而让我觉得更加值得。

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这本书在引用和佐证材料的选择上,体现出一种令人折服的博学和审慎态度。我看到它在正文中穿插引用了一些相对冷门的文献和一手资料,这表明作者在进行研究时,绝非依赖二手总结,而是进行了扎实、深入的田野式挖掘。每一次论证的背后,似乎都有一个坚实而广阔的知识库作为支撑。更有意思的是,它在处理那些存在争议的观点时,展现出一种罕见的公正和平衡感。作者并非急于给出“标准答案”,而是会细致地梳理正反两方的观点,清晰地界定各自的合理性与局限性,将判断的空间留给读者。这种对史料的尊重和对学术伦理的恪守,使得整本书的权威性和可信度大大提升。它不是在灌输结论,而是在搭建一个平台,邀请读者共同参与到历史与理论的思辨之中,这对于追求真实和深度的读者来说,是极其宝贵的财富。

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这本书的装帧设计真是太抓人了,拿到手的时候,我就被那种沉甸甸的质感和封面那种略带复古的印刷风格迷住了。封面上那几笔带着水墨晕染感的线条,仿佛能让人闻到旧书页特有的、混合着纸张与岁月沉淀下来的淡淡的香气。内页的纸张选择也相当考究,不是那种光滑到反光的现代纸,而是带着一点点粗糙的纹理,墨色在上面晕染得恰到好处,阅读时眼睛一点都不觉得累。我尤其欣赏作者在章节标题和引言部分的排版处理,那种古典与现代审美的微妙平衡,让人觉得这不是一本简单的学术著作,而更像是一件经过精心打磨的艺术品。书脊上的烫金字体,在不同的光线下会折射出不同的光泽,每次拿起书都像是在进行一种仪式。虽然我还没来得及深究内容,但光是这本实体书的呈现方式,就足以让人感受到出版方对“阅读体验”的极致追求。它不仅仅是文字的载体,更是一件值得收藏的物件,放在书架上,本身就是一道低调而有品味的风景线。翻阅时那种指尖与纸张接触的摩擦感,是电子阅读永远无法替代的慰藉。

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这本书的结构组织给我带来了一种意想不到的秩序感。尽管主题可能涉及广阔的历史跨度或复杂的理论框架,但章节之间的衔接处理得极为巧妙。我翻阅了目录,发现它似乎不是简单地按照时间线索推进,而是用一种螺旋上升的方式,不断地深入核心议题。这种编排方式迫使读者必须将前面章节的知识点进行整合,才能更好地理解后续的论述,形成了一种知识的累积和共振效应。更令人称赞的是,那些作为论据引用的资料和案例,被安排得恰到好处,它们仿佛是精心挑选的宝石,镶嵌在论证的主体结构中,既提供了坚实的证据,又不会喧宾夺主地打断思路的流畅性。我特别留意到那些跨章节的呼应设计,一些在前文看似不经意的评论或引述,在后文的关键节点被重新提及并深化,这种巧妙的伏笔和回收,让整本书的阅读体验形成了一个完整而严密的闭环,显示出作者非凡的规划能力。

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这本书的思考深度,远超出了我对一般学术著作的预期。它似乎并不满足于停留在描述“是什么”或“如何发展”的层面,而是毫不畏惧地深入探讨了那些形而上的、难以量化的议题。我粗略扫过几段关于“时代精神与艺术表达”的讨论,发现作者试图构建一种宏大的哲学框架,去解释某种特定文化现象背后的深层驱动力。这种探讨不是空泛的理论堆砌,而是紧密地扎根于具体的历史细节之中,用严谨的逻辑去解构那些看似混沌不清的文化现象,试图揭示其内在的必然性。它挑战了读者的既有认知,迫使我们重新审视那些被我们视为理所当然的艺术规律。读完这些片段,我感觉自己的思维边界被悄然拓宽了,这本书像是一个高倍显微镜,让我们得以窥见事物运作的底层逻辑,那种被深刻洞察所带来的震撼感,久久不能平复。

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