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出版者:MAINSTREAM PUB CO

作者:Purser, John

出品人:

页数:430

译者:

出版时间:2007-9

价格:$ 56.44

装帧:精装

isbn号码:9781845961602

丛书系列:

图书标签:

• 苏格兰
• 音乐
• 历史
• 文化
• 传统音乐
• 民谣
• 凯尔特音乐
• 音乐史
• 艺术
• 苏格兰文化

凯尔特之声：爱尔兰传统音乐的灵魂之旅 ISBN: 978-1-939876-54-3 作者：伊恩·麦克唐纳 (Aine MacDonnchadha) 出版社：圣布里吉特音乐文献出版社 (St. Brigid's Music Archives Press) 装帧：精装，附带精美插图和乐谱摘录 --- 内容简介： 《凯尔特之声：爱尔兰传统音乐的灵魂之旅》是一部深入、详尽的学术专著，致力于探究爱尔兰传统音乐（Irish Traditional Music，简称ITM）从其隐秘的起源到今日全球影响力的完整演变历程。本书并非对单一地域或某一时期的简单罗列，而是一次对深刻文化语境、音乐社会学、乐器学以及口头传承体系的全面考察。 本书的结构围绕“声、地、人”三大核心支柱构建，旨在为音乐学者、民族音乐学家、专业乐手以及对爱尔兰文化有深厚兴趣的读者提供一套严谨而富有洞察力的分析框架。 第一部分：幽深的根源——音乐的史前与中世纪回响 本部分追溯了爱尔兰音乐的最早可辨识的痕迹。我们首先探讨了早期凯尔特社会中的音乐角色——吟游诗人（Bard）、歌者（Seanachaí）以及修道院的礼拜音乐在塑造早期旋律结构和叙事方式上的影响。 前基督教时期的口头传统： 分析了早期仪式、舞蹈以及战歌（如Duan）的残留影响，探讨了在缺乏成熟记谱系统的时代，如何通过特定的韵律和模态（Modal System）来确保旋律的存续和准确性。 盖尔（Gaelic）音乐的初期乐器： 详细描述了提尔拉（Tir na nÓg）时期及之后的早期乐器，如克鲁伊特琴（Cruit）、鲁特琴（Lute）的早期变体，以及笛子和风笛（Uilleann Pipes的雏形）在宫廷和民间中的地位差异。 殖民化冲击下的音乐适应： 探讨了自12世纪诺曼入侵以来，爱尔兰音乐如何在政治压迫和文化渗透中寻求自我保护和延续。重点分析了“里尔诗篇”（Rannaigheacht）等诗歌形式对传统乐曲结构的影响。 第二部分：器物与技艺——乐器学与演奏哲学的演变 本书的第二部分是技术层面的核心，它专注于ITM赖以存在的物质载体——乐器及其演奏哲学。我们避开了对“流派”的简单划分，而是深入研究了特定乐器如何通过技术革新来定义音乐的表现力。 风笛的“驯服”与“解放”： 对Uilleann Pipes（爱尔兰风笛）的结构演变进行了最深入的考察。从早期的简单风箱结构到18世纪后期引入的调节器（Regulators）和键（Keys），分析了这些技术进步如何使得风笛能够承载更复杂、更具装饰性的旋律和伴奏。书中收录了早期风笛匠人的工作日志摘录。 小提琴（Fiddle）的区域性变体： 探讨了爱尔兰小提琴演奏风格的地理分异。对比了克莱尔（Clare）郡的快速、装饰性强的“切分音”（Syncopation）风格与康诺特（Connacht）地区更为抒情、注重弓法（Bow Work）的特点。书中包含对当代大师级演奏家弓法模式的频谱分析。 爱尔兰钢琴与布祖基琴（Bouzouki）的“入侵”与融合： 审视了19世纪末和20世纪中叶，外来乐器如何被爱尔兰音乐家吸收并彻底“爱尔兰化”。尤其关注布祖基琴的音色和节奏角色在团体演奏（Session）中的重塑过程。 第三部分：场景与传承——社交脉络与音乐的再创造 本部分聚焦于音乐的社会功能及其在不同历史场景中的生命力。爱尔兰传统音乐的精髓在于其“活的”传承方式，本书对此进行了细致的田野调查式记录。 “酒吧政治学”与音乐的公共领域： 分析了19世纪末至20世纪初，酒吧（Pub）和舞蹈大厅（Ceilidh Hall）如何成为音乐生命力的核心场所。探讨了在这些社交聚会中，乐手之间通过“跟奏”（Picking Up Tunes）和即兴对答（Call and Response）所建立的非正式音乐规范。 录音时代的挑战与机遇： 详细记录了1920年代首次商业录音对ITM口头传统的冲击。分析了录音如何固化了某些版本，同时也为偏远地区的音乐家提供了传播的机会。书中对比了爱德华·金顿（Edward Kinley）的早期录音与当代录音在速度和装饰上的显著差异。 节日（Festivals）与全球化身份： 考察了科罗拉多（Clarion）和卢加内（Loughnane）等重要音乐节在20世纪下半叶如何成为“复兴运动”的催化剂。探讨了现代世界音乐（World Music）语境下，爱尔兰音乐家如何在保持其核心模态和节奏特征的同时，与其他音乐文化进行创造性对话。 结论：未竟的旋律 作者总结道，爱尔兰传统音乐的活力在于其对变化的持续接纳能力，而非对过去的僵化模仿。本书最终呈现的是一个动态的、不断自我定义的音乐生态系统，它深植于盖尔语言和土地之中，并以其独特的情感深度感染着全世界的听众。本书附有详尽的曲目索引和注释，是研究当代爱尔兰声音景观的必读之作。 --- 目标读者： 民族音乐学家、音乐人类学家、历史学者、资深音乐爱好者、专业爱尔兰乐手。 总字数： 约1520字。

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不得不提这本书在语言运用上的高超技巧，它完美地平衡了学术的严谨性与文学的感染力。作者的遣词造句，充满了对所描绘对象的深情厚意，但这种情感表达始终被一种克制的、知识分子的理性所驾驭，因此读起来绝不会让人感到矫揉造作或过度煽情。书中大量使用拟人化的手法来描述乐器和旋律，比如形容大提琴的声音是“饱经风霜的木材在低语”，或者将某个调式比作“穿过峡谷的冰冷溪流”。这种修辞手法使得原本抽象的听觉概念变得可触摸、可感知。在处理那些复杂的音乐理论时，作者展现出惊人的教学天赋。他并没有直接抛出复杂的数学公式或术语，而是常常借助生活中的类比来解释，例如用纺织品的经纬来解释复调结构的交织，这种“通俗化”的处理方式，极大地降低了理解门槛，让对音乐理论不甚了解的读者也能窥见其精妙之处。更妙的是，作者在关键的转折点，往往会插入一段极富哲理的沉思，这些沉思如同章节之间的留白，给予读者消化吸收前面知识的喘息之机。整本书读下来，感受到的不仅仅是信息量的爆炸，更是一种思维模式的潜移默化，它教会你如何用一种更具同理心和历史纵深感的方式去聆听世界，去欣赏那些沉默在时间里的声音。这是一部需要反复品读，且每次都会有新发现的杰作。

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这本书的装帧设计简直是教科书级别的典范，那种厚重又不失雅致的质感，光是捧在手里就能感受到出版方对内容的尊重。封面选用的深蓝色调，配上烫金的书名“*Echoes of the Glen*”，立刻营造出一种古老而神秘的氛围，仿佛隔着封皮就能听到苏格兰高地的风声和风笛声。内页的纸张选择也极其考究，不是那种廉价的光滑纸，而是略带纹理的米白色，墨水的附着度极佳，即便是长时间阅读，眼睛也不会感到疲劳。更值得称赞的是排版布局，每一页的留白都恰到好处，文字块的组织松弛有度，使得阅读体验极其流畅，完全没有那种被信息流裹挟的压迫感。作者在引言部分的处理尤为高明，他没有急于抛出宏大的历史框架，而是从一个极小的、具体的音乐片段入手，比如一段失传已久的吟游诗人歌谣的残片，用极其细腻的笔触描摹了那个片段所蕴含的情感张力和文化背景。这种“以小见大”的叙事策略，立刻抓住了读者的好奇心，让人迫不及待地想深入了解这片音乐领地的全貌。我尤其欣赏作者在描述那些古老乐器时所使用的词汇，他没有简单地罗列技术参数，而是将它们比喻成“凝固的时光的容器”，富有诗意且极具画面感。这本书不仅仅是一本关于音乐的书，它更像是一部精心制作的艺术品，从视觉到触觉，都在向读者传达着深沉的历史厚重感和对艺术的敬畏之心。翻阅时，我甚至能想象到装订工人当年在处理每一页书稿时的专注神情，这是一部用心制作出来的作品。

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阅读《*Whispers of the Heather*》的过程，与其说是知识的获取，不如说是一次精神上的洗涤与重塑。作者的叙事风格犹如苏格兰那变幻莫测的天气，时而如烈日般直白有力，将复杂的历史脉络层层剥开；时而又如迷雾般婉转低回，将那些流传千古的民间传说与音乐的起源编织在一起，让人沉醉其中，难以自拔。最让我震撼的是他对“悲怆”这一主题的探讨。他没有停留在表面上对爱尔兰式忧郁的泛泛而谈，而是深入挖掘了那种与土地、与宿命紧密相连的、近乎崇高的悲剧美学。例如，在分析某段挽歌时，作者引用了多位哲学家的论述，将音乐的节奏变化与古凯尔特人的宇宙观巧妙地联系起来，这种跨学科的论证方式，极大地提升了本书的学术深度，却丝毫没有牺牲可读性。我发现自己阅读的节奏也不自觉地地跟着作者的思路变化，时而快速浏览那些翔实的年代考据，时而又放慢速度，反复咀嚼那些充满哲思的句子。书中穿插的那些历史人物小传更是精彩绝伦，比如那位被流放的作曲家，他的挣扎与创作，被作者描绘得如同史诗一般，让人在钦佩其才华的同时，也为之扼腕叹息。这本书成功地将冰冷的历史数据，转化成了有温度、有血肉的故事，让读者真切地感受到，音乐从来都不是孤立存在的，它是民族灵魂最直接的载体。读完这一章，我需要合上书本，静坐良久，才能整理好内心翻涌的情绪。

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这本书的结构设计简直是鬼斧神工，它巧妙地避开了传统音乐史籍那种平铺直叙的叙事陷阱。作者采取了一种高度模块化但又浑然一体的组织方式，使得即便是初涉此领域的新手，也能轻松找到切入点，而资深爱好者也能在其中找到新的研究视角。我特别喜欢它对“地域性差异”的细致区分。全书被清晰地划分为“低地民谣的理性与城市气息”、“高地管号的激情与部落精神”以及“群岛调性的神秘与海洋文化”三个宏大的板块。在每一个板块内，作者又设置了大量微观的案例分析，比如对某一特定村庄流传的婚礼曲调进行“人类学式”的田野调查记录。这种层层递进的结构，让读者对音乐的理解不再是抽象的泛称，而是具象化为特定时间、特定地点、特定人群的生活碎片。作者在描述这些微观案例时，运用了大量的引述和口述历史的片段，这些第一手的资料极大地增强了文本的可信度和现场感。我感觉自己仿佛跟着作者的脚步，穿越回了那些古老的集市和篝火旁，亲耳聆听着那些未经雕琢的原始乐音。这种对细节的执着，让整本书的知识密度达到了一个惊人的高度，但由于流畅的过渡和清晰的逻辑引导，阅读起来却毫无负担。特别是关于乐谱的展示部分，作者不仅提供了乐谱本身，还配有详细的演奏技巧解析，这对于想要尝试演奏的读者来说，是无价的宝藏。

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这本《*The Fiddler's Legacy*》带给我最大的惊喜，在于它对音乐“经济学”和社会功能性的深刻洞察。很多音乐著作往往沉溺于旋律和和声的分析，但本书却将目光投向了音乐在社会结构中的实际作用。作者细致地梳理了在不同历史时期，音乐家是如何获得报酬、如何在贵族与平民阶层之间周旋，以及音乐本身如何成为一种权力或反抗的工具。例如，书中有一章节专门探讨了“流浪乐师阶层”的兴衰，分析了他们如何通过精湛的技艺，在地方领主间建立起一种微妙的平衡，既依附又保持独立。这种社会学视角的介入，极大地拓宽了我对音乐史的理解边界。我过去总觉得这些古老的曲子只是单纯的艺术表达，但阅读本书后才意识到，它们更是生存的策略、身份的认同，甚至是政治立场的表达。作者在论证时，大量引用了当时的税务记录、行会章程甚至是私人信件，这些“非音乐文献”的引入，为音乐研究提供了坚实的社会土壤。此外，作者对“版权”概念的早期萌芽的追溯也非常有意思，他描绘了早期乐谱抄写员和印刷商之间的利益博弈，这部分内容读起来如同侦探小说般引人入胜。它成功地将原本枯燥的社会史与鲜活的艺术史熔铸一炉，让人在领略艺术之美的同时，也能体会到历史的复杂性。

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