Wb+ Study Outline Fund Music

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出版者:McGraw-Hill College
作者:HILL
出品人:
页数:256
译者:
出版时间:2004-11
价格:$ 133.62
装帧:Pap
isbn号码:9780697340634
丛书系列:
图书标签:
  • 音乐学习
  • 学习提纲
  • 音乐教材
  • Wb+
  • 复习资料
  • 音乐理论
  • 音乐基础
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具体描述

This text is a self-contained workbook that emphasizes the basics using a hands-on approach to enhance student skills in music fundamentals. Each new chapter builds on elements taught in the previous chapter and reinforces these skills through exercise and drill-based instruction. Text is kept to a minimum to leave room for worksheets where students may hone their notation skills. The 10th edition has a greater emphasis on solo piano exercises and on recorder playing.

音乐理论与实践的深度探索:一部面向现代学习者的核心教材 书名: 音乐基础与进阶:理论、和声、配器与创作实践指南 作者: [此处可填入一位资深音乐教育家或理论家的名字] 出版社: [此处可填入一家专业音乐或学术出版社的名称] --- 内容概述:构建坚实的音乐知识体系 本书旨在为所有对音乐抱有严肃学习态度的读者提供一个全面、深入且极具实践导向的音乐知识框架。它不是对某一特定考试或教材(如“Wb+ Study Outline Fund Music”)的简单复述或替代,而是将音乐理论学习提升到一个更宏大、更具兼容性的学术高度。全书涵盖了从基础乐理的精确定义到复杂作曲技巧的系统性讲解,旨在培养读者独立分析、理解和创造音乐的能力。 本书的结构经过精心设计,分为四大核心模块,确保知识的循序渐进与融会贯通。 --- 第一部分:音乐的基石——严谨的基础乐理 本部分致力于打磨读者对音乐“语言”的精确掌握,强调理论的逻辑性和历史演变。 1. 音高、节奏与节拍的精密测量: 详细阐述十二平均律、纯律在历史中的应用与区别。对于节奏,不仅仅停留在时值划分,更深入探讨复节奏(Polyrhythm)和非对称节奏(Asymmetrical Meters)在不同文化和时期音乐中的具体功能。对拍号的理解不再是机械的数拍,而是理解其对乐曲情绪和驱动力的影响。 2. 调性系统的深度解析: 系统讲解大调、小调(自然、和声、旋律)的构成,并引入调式(Modes)的详细分析,包括古代教会调式、布鲁斯音阶、以及五声音阶的结构与和声色彩。重点探讨转调理论,包括近关系转调(Pivot Chord Modulation)的技巧与远关系转调带来的戏剧性效果。 3. 音程与和弦的几何学: 超越基础的三和弦、七和弦,本书深入剖析九和弦、十一和弦、十三和弦的构造、功能性与不协和音的解决路径。特别辟章讲解增/减和弦、挂留和弦(Sus Chords)的内在逻辑,而非仅仅是记忆其指法。强调和弦在特定声部进行中的“流动性”。 --- 第二部分:和声的逻辑与情感——功能和声与进阶色彩 本部分是本书的理论核心,侧重于西方传统和声学(Tonal Harmony)的深入应用与拓展。 4. 功能和声学的精细化处理: 严格遵循古典和声的“主、属、下属”三大功能体系,但将分析的颗粒度细化。详细讲解副属和弦(Secondary Dominants)、导七和弦(Leading Tone Chords)、以及增六和弦(Augmented Sixth Chords,如意大利式、德国式、法国式)的构成、导向性和声功能替代性。 5. 借用与非功能性和声: 探讨如何从平行调、关系小调中“借用”和弦,以增加色彩的丰富性。深入分析Neapolitan Sixth Chord (bII6)的特殊地位和情感色彩。介绍Tritone Substitution在爵士与现代和声中的实际应用,打破传统功能和声的限制。 6. 旋律与低音线的相互作用: 强调“低音决定和声的骨架”。详细讲解优秀的低音进行(Bass Line)如何支撑和丰富上声部的旋律线条,包括和弦外音(Non-Chord Tones)的精确使用,如经过音、倚留音、装饰音、游移音等,并分析其在不同音乐风格中的处理差异。 --- 第三部分:声音的构建——配器法与配器色彩学 本部分将理论知识转化为实际的听觉体验,聚焦于如何“听见”不同的乐器组合。 7. 管弦乐队的声学肖像: 详尽介绍木管组、铜管组、打击组和弦乐组的音域、音色特点、演奏技巧(如颤音、拨奏、弱音器使用等)。对于每种乐器,提供其最适宜演奏的音区,避免出现“难听”或“不自然”的配器。 8. 声部配置与平衡的艺术: 深入探讨四声部、五声部乃至更复杂乐队的声部进行(Voice Leading)规则,尤其是在对位法基础上的声部写作。讲解如何通过动态标记、乐器选择和音区分布来确保主要旋律清晰突出,而伴奏织体起到恰当的支撑作用。 9. 织体与音响的对比度(Tessitura and Contrast): 分析复调(Polyphony)、主调(Homophony)、自由对位等不同织体的结构。重点研究音色组合的对比,例如如何将尖锐的铜管与柔和的木管结合,或如何利用打击乐制造节奏的张力。 --- 第四部分:从理论到创作——音乐结构与分析方法 本部分旨在培养读者的分析能力和创作思维,将理论应用于实际的音乐作品中。 10. 音乐形式的蓝图与构建: 系统解析常见音乐形式的结构,包括:二部曲式、三部曲式、回旋曲式(Rondo)、奏鸣曲式(Sonata Form)的呈示部、发展部和再现部的内在逻辑。不只是描述结构,而是解析为什么作曲家选择这样的结构来服务于音乐主题。 11. 赋格与对位法的基本原理: 简要介绍巴赫以来对位法的基础概念,包括模仿(Imitation)、卡农(Canon)和赋格(Fugue)的写作规则。侧重于二声部和三声部对位的实际练习方法。 12. 音乐分析的工具箱: 提供一套系统的、可操作的分析流程,从宏观的曲式分析,到中观的和声进行分析,再到微观的动机发展分析。鼓励读者使用理论知识去“解剖”经典作品,理解其结构美学和情感表达的统一性。 --- 本书的特色与定位 本书的撰写秉持“深度优先,应用导向”的原则。它避免了冗余的、仅为应试而设的碎片化知识点,而是致力于构建一个连贯、严密且富有启发性的知识体系。读者在阅读过程中,将不断被引导去思考“为什么”以及“如何做”,而非仅仅记忆“是什么”。本书是献给所有希望超越表面、深入理解音乐内在规律的学习者、演奏者、编曲者和作曲家的必备指南。它强调理论与实践的辩证统一,是通往音乐艺术殿堂的坚实阶梯。

作者简介

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读后感

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用户评价

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这本书的章节安排透露出一种非常实用的学习导向,它不像传统教科书那样只是堆砌知识点,而是更像是为学习者量身定做的一份“路线图”。我注意到,书中似乎在每隔几个单元后,都会穿插一些“思考题”或者“应用场景分析”,这绝对是提高学习效率的关键所在。我记得有一次,我在学习一个关于和声进行转换的复杂部分时,感到非常困惑,正准备放下书去查阅其他资料,结果后面的一个小小的案例分析,恰好就用到了我刚才理解不了的概念,通过那个具体的例子,我豁然开朗。这种设计体现了作者对学习者认知过程的深刻理解,知道我们什么时候会卡壳,并且提前准备好了“拐杖”。而且,书中对历史背景的描述也处理得恰到好处,它不会像纯粹的历史书那样冗长,而是精准地指出某个理论或技法的产生,是如何与当时的社会思潮或技术发展紧密关联的。这种“理论+历史脉络”的结合,让知识不再是孤立的符号,而是有了鲜活的生命力。

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这本书的篇幅虽然看起来不薄,但阅读起来的流畅度令人惊喜,几乎没有出现那种“为了凑字数而拖沓”的现象。每一个段落都像是经过精心打磨的,信息密度很高,但又不会让人感到阅读疲劳。特别值得一提的是,它在引用和参考资料的处理上非常严谨,如果你想对某个知识点进行更深层次的钻研,书后的注释和推荐阅读列表简直是一座宝库。我曾经按照书中的指引,去寻找了几篇相关的学术论文,结果发现这些论文的观点和本书的某些分析论点形成了有趣的呼应和补充,这说明作者在构建知识体系时,是建立在扎实的学术基础之上的。对于一个追求深度和广度兼备的读者来说,这种可靠的引文支持和深入的拓展路径,是判断一本工具书价值的重要标准。它不仅仅是一本书,更像是一个引导你进入更广阔学习领域的启动平台。

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这本书的封面设计得非常引人注目,那种深沉的蓝色调和简洁的字体排版,一下子就给人一种专业而严谨的感觉。我是在一个旧书店里偶然翻到它的,当时就被它的装帧吸引住了。我一直对古典音乐的理论体系非常感兴趣,但很多教材都写得过于晦涩难懂,充满了枯燥的术语。拿到这本书后,我满怀期待地翻开了第一章,希望能找到一个更清晰的学习路径。书页的质感也很不错,纸张的厚度适中,即使用荧光笔做了很多标记,也不会显得油腻或者透墨。那种阅读的触感,对于长时间学习的人来说,是非常重要的细节。从排版上看,作者似乎非常注重逻辑性和层次感,每一个章节的标题和副标题都安排得井井有条,让人一眼就能把握住知识的脉络。我个人特别欣赏这种清晰的结构,它极大地帮助我在面对复杂概念时,能够迅速找到切入点,而不是迷失在信息的海洋里。这本书给我的第一印象,就是它试图用一种结构化的方式,来梳理和呈现音乐研究中的那些宏大体系。

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我发现这本书有一个非常独特的优点,那就是它似乎并不满足于仅仅传授“是什么”,而是深入探讨了“为什么”和“如何做到”。很多音乐理论书只是告诉你一条规则,比如“这个和弦应该这样解决”,但这本书似乎会花篇幅去探讨,为什么在那个特定的历史时期,作曲家会选择这种解决方式,以及这种选择带来了怎样的听觉效果。这种探究性的写作风格,让我感觉自己不是在被动地接受灌输,而是在和一位经验丰富的导师一起进行深入的学术对话。它鼓励读者去质疑、去比较、去形成自己的判断。我在阅读过程中,经常会停下来,合上书本,尝试自己应用刚学到的分析方法去解构一首乐曲的片段,然后再回来对照书中的案例。这种主动参与式的学习体验,极大地巩固了知识的内在联系,让学习过程充满了探索的乐趣,而不是机械的记忆。

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这本书在术语的解释方面,做得尤为出色,这对于我们这些非科班出身的自学者来说,简直是救命稻草。很多专业术语的书籍,往往是“A解释B,B需要C才能理解”,形成一个循环解释的怪圈。而这本书似乎遵循着“由浅入深,逐层递进”的原则。对于初次接触的专业词汇,它总会先给出一个非常生活化、易于接受的比喻或者类比,然后再给出严谨的定义。我尤其喜欢它在解释一些抽象概念时所采用的图示方法,那些精细的手绘图表,清晰地展示了复杂的结构关系,比纯文字的描述要直观得多。例如,在阐述复调音乐的织体层次时,作者的图示将原本纠缠不清的声部线条梳理得井井有条,让我不必在脑海中进行高强度的空间想象。这种对“可视化学习”的重视,极大地降低了学习曲线的陡峭程度,让原本望而生畏的知识点变得触手可及。

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