28 Italian Songs and Arias of the 17th and 18th Centuries - Medium High Voice pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Hal Leonard Corp

作者:Walters, Richard 编

出品人:

页数:165

译者:Gerhart, Martha

出版时间:2008-6

价格:$ 11.24

装帧:Pap

isbn号码:9780634082924

丛书系列:

图书标签:

• Italian Art Song
• Baroque Music
• Classical Music
• Vocal Music
• Aria
• 17th Century Music
• 18th Century Music
• Medium Voice
• High Voice
• Songbook

歌剧的黄金时代：17世纪与18世纪欧洲声乐艺术的璀璨遗产 一部深入探索巴洛克与古典主义时期意大利声乐文学的百科全书式导览 本书旨在为音乐学者、表演艺术家、声乐教师以及所有对欧洲古典音乐黄金时代充满热忱的读者，提供一份详尽、深入且富有洞察力的指南。我们将完全避开对特定曲集或歌本内容的直接描述，转而专注于勾勒出那个声乐艺术蓬勃发展时期的宏大图景、核心美学、技术演变以及其在社会文化中的重要地位。 第一部分：历史的底色——巴洛克与洛可可的声场 第一章：从蒙特威尔第到歌剧院的诞生 (约1600-1650) 本章首先考察17世纪初期意大利声乐风格的重大转型。我们将详细分析“第二实践”（Seconda Pratica）的兴起及其对早期歌剧（如佛罗伦萨和罗马的早期作品）的影响。重点探讨“宣叙调”（Recitative）与“咏叹调”（Aria）的初步分化，以及歌词的戏剧性表达如何驱动音乐语言的创新。我们将审视早期声乐作品中情绪的直接描绘，以及“通奏低音”（Basso Continuo）如何为独唱声部提供必要的和声支撑和节奏驱动力。 第二章：那不勒斯学派的崛起与美声技艺的巅峰 (约1650-1720) 随着17世纪末至18世纪初那不勒斯音乐学派的崛起，声乐艺术进入了一个以技术精湛和旋律优美著称的阶段。本章将深入剖析“那不勒斯咏叹调”的典型结构——特别是“快板-慢板-再现”（Da Capo Aria）的形式及其功能。我们将解析“卡斯特拉蒂”（Castrati）在这一时期扮演的关键角色，他们如何推动了对高音域的极致要求，以及这种审美偏好如何塑造了当时男高音和次高音的演唱规范。对装饰音（Coloratura）的运用不再仅仅是炫技，而是成为表达角色内心冲突和情感高潮的核心手段。 第三章：洛可可的优雅与“改革”的呼声 (约1720-1750) 十八世纪中叶，声乐风格开始从纯粹的技术展示转向更注重情感的连贯性和戏剧的自然性。本章探讨了格鲁克（Gluck）等改革家对过度装饰和形式僵化的批判，以及他们如何试图回归歌剧的“戏剧目的”。同时，我们也必须正视，尽管存在改革的努力，但“优美歌唱”（Bel Canto）的传统依然强大，主要体现在对音色的纯净度、气息的控制和旋律线的流畅性的不懈追求上。这一时期的声乐作品，即使是最为华丽的，也开始展现出更精细的情感层次。 第二部分：演唱技巧与美学原则 第四章：声音的塑造：呼吸、共鸣与音色控制 本部分聚焦于那个时代对优秀演唱者所要求的技术基础。我们将系统性地探讨巴洛克时期对“气息支撑”（Appoggio）的理解，以及如何通过科学的共鸣腔体管理（例如头腔共鸣的开发）来实现声音的穿透力与柔和度的平衡。对“美声”（Bel Canto）术语的深入剖析将揭示，在没有现代扩音设备的背景下，如何通过精准的喉位控制来确保声音在大型歌剧院中依然清晰、饱满且富有色彩变化。 第五章：装饰艺术：即兴与风格的界限 装饰音的使用是17、18世纪声乐风格的标志性特征。本章将区别对待不同时期和体裁中装饰音的作用。早期巴洛克风格偏好于基于情感动机的结构性装饰；而成熟期的“达卡波咏叹调”则给予演唱者更大的即兴发挥空间。我们将探讨哪些装饰是“必需的”（如乐谱上标记的颤音Trillo），哪些是“风格性的”（如上行或下行的琶音跑动），以及如何避免技术展示沦为对文本意义的破坏。对“装饰的品味”（Good Taste in Ornamentation）的讨论，是理解那个时代声乐大师的关键。 第六章：意大利语的发音与“清晰度”的哲学 意大利语在当时被公认为最适合歌唱的语言，这不仅归因于其元音的纯净，更在于其抑扬顿挫与音乐旋律的契合。本章将详细分析17至18世纪标准的意大利语发音规范，特别是元音的开放程度和辅音的处理方式。我们将探讨，在追求声音美感的同时，如何确保歌词的清晰度（Dizione），因为对“清晰与优美”的平衡把握，是衡量一位声乐家是否掌握了时代精髓的重要标准。 第三部分：体裁的演变与社会影响 第七章：从神圣到世俗：弥撒、清唱剧与室内声乐 声乐艺术的领域远不止于歌剧院。本章将考察弥撒曲、受难曲（Passione）和清唱剧（Oratorio）在17、18世纪的演变。这些宗教作品如何借鉴了歌剧的最新技巧，例如用咏叹调来强化属灵的体验，同时又如何保持了对文本的严肃性和对教会传统的尊重。此外，对“声乐套曲”（Cantata da Camera）的研究，将揭示家庭或贵族沙龙中亲密、抒情的声乐作品在塑造贵族品味方面所起的作用。 第八章：歌剧的地理分布与赞助体系 意大利声乐风格得以传播和发展，离不开特定的赞助体系和表演场所。本章将对比威尼斯、罗马和那不勒斯等主要歌剧中心的差异。威尼斯的商业化运营如何催生了更具娱乐性的作品；罗马的教会影响如何制约了题材的选择；而那不勒斯作为后来风格中心的作用，则与王室的强大支持密不可分。了解这些社会结构，有助于我们理解为何不同地区在演唱风格和曲目选择上存在细微的地域差异。 第九章：遗产与回响：两百年声乐传统的继承 本书最后将总结17、18世纪意大利声乐传统对后世的影响。我们将分析这种美学如何被法国的歌剧改革（如拉莫的理论）所吸收、如何影响了莫扎特后期歌剧的写作，以及它如何为19世纪浪漫主义声乐的抒情性奠定了技术基础。理解这些早期声乐作品的风格规范和技术要求，是重建和复兴这些伟大音乐遗产的必要前提。这本书提供的是一把钥匙，用以开启理解整个西方艺术歌曲和歌剧传统的源头。

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总的来说，对于那些已经度过基础声乐学习阶段，正努力向专业水平迈进的演唱者来说，《28首意大利歌曲与咏叹调》无疑是一笔极好的投资。它的价值绝不仅仅在于提供了“可唱的曲子”，更在于它构建了一个完整的历史与技术框架。我尤其喜欢其中对一些“被遗忘的宝石”的挖掘，一些并非来自最著名的歌剧，但艺术价值极高的作品，它们为我的音乐会曲目单带来了新鲜感。在排练过程中，我的声乐老师也对这份选集表示了赞赏，特别是它提供的注释，很多地方比我们手头上的旧版乐谱更加准确和富有启发性。这本书让练习不再是机械地重复音符，而是真正深入到那些伟大音乐家所处的时代背景中去寻找灵感，极大地提升了练习的效率和乐趣。

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坦白说，我买这本书的时候，心里是有点忐忑的，毕竟“中高音区”这个定位对女高音来说，意味着很多曲子可能需要非常精准的控制力。但当我翻开目录，看到那些熟悉又充满挑战的名字时，我的顾虑就烟消云散了。这份选集真正做到了“适中又高要求”。它没有过度偏袒那些炫技的超高音，而是聚焦于那些真正考验声线连贯性、气息支撑和色彩变化的区域。我特别欣赏它对音域的把控，很多曲目在设计上巧妙地利用了中声区的厚度和高声区的灵活性，使得演唱者在表现18世纪细腻情感时，不必过度挤压声音，反而能找到一种自然、丰满的共鸣。我已经开始尝试其中几首相对抒情的咏叹调，发现即便是初次接触，也能很快抓住作曲家的意图。这份乐谱的排版清晰得令人赞叹，连那些复杂的十六分音符和装饰音符都印得一清二楚，不像有些版本，简直像是给视力好的歌剧演员准备的，让人望而却步。

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这本书的装帧和纸张质量也完全达到了专业水准，这点对于经常翻阅和在钢琴前练习的歌手来说至关重要。封面设计低调而有品位，拿在手里很有分量感，不是那种廉价的影印本可以比拟的。我最满意的是它的装订方式，无论你把它平摊在琴谱架上，还是卷曲着放在便携包里，它都能保持良好的形态，不会出现“散架”的尴尬情况。而且，纸张的质地非常好，即使是用铅笔做标记和修改，墨迹也不会洇开，第二天还能清晰可见。这种对细节的关注，体现了出版方对经典音乐的尊重。在排版细节上，连指法提示和呼吸记号都标注得恰到好处，既没有过度干预演唱者的自由发挥，又为初学者提供了必要的指引，这种平衡感把握得极其到位。这套书，绝对是值得我长期珍藏并使用的“工作伙伴”。

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这套《28首17、18世纪意大利歌曲与咏叹调——中高音区精选》简直是声乐学习者和爱好者的一份宝藏！我最近入手后，简直爱不释手，每天都要花上几个小时来钻研。首先，我得说说这本选集的编排艺术，它不像有些老旧的歌集那样堆砌曲目，而是精心挑选了最具代表性，同时又兼顾了不同演唱阶段需求的曲目。从蒙特威尔第的早期巴洛克风情，到莫扎特咏叹调的古典主义光芒，时间跨度虽然大，但过渡得非常自然。每一首曲子前的简介都极具洞察力，不仅介绍了作曲家的生平背景，更深入浅出地分析了这首作品在声乐技巧和情感表达上的关键点。对于我这种希望系统性提升演唱水平的人来说，这种细致入微的导览简直是无可替代的。尤其是那些对装饰音的处理建议，简直是教科书级别的指导，让我对那些看似华丽实则暗藏玄机的段落有了豁然开朗的感觉。光是研究这前言和注释，就已经值回票价了。

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我必须强调一下这份选集在“风格多样性”方面的贡献。很多声乐教材倾向于集中于某一个特定的时期或流派，但这份“17、18世纪”的跨度，让我得以在一本书中体验到从巴洛克晚期的严谨对位美感，到洛可可时期那种甜美、略带俏皮的旋律线条的演变。举个例子，书里收录的几首早期清唱剧选段，那种对宣叙调的精妙处理，要求歌手具备极强的叙事能力和快速的气息调动；而紧随其后的几首小咏叹调，则需要你能立刻切换到更注重音色纯净度和线条流畅性的状态。这种在不同美学体系间穿梭的能力，是任何一个想成为全面发展歌唱家的演员都必须训练的。它不仅仅是技巧的堆砌，更是一场跨越时空的音乐对话，强迫你不断地调整自己的发声器官和思维模式去适应那个时代的审美。

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