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出版者:Hal Leonard Corp

作者:Gordon, Ricky Ian

出品人:

页数:158

译者:

出版时间:2003-7

价格:$ 19.15

装帧:Pap

isbn号码:9780634051272

丛书系列:

图书标签:

• 艺术歌曲
• 古典音乐
• 声乐作品
• Ricky Ian Gordon
• 音乐剧
• 当代音乐
• 美国作曲家
• 歌曲集
• 音乐
• 艺术

觅归途：里奇·伊恩·戈登的音乐世界 作者： [请在此处填写实际作者或编辑姓名，若为选集/评论集，可填写相应信息] 出版日期： [请在此处填写实际出版日期] 出版社： [请在此处填写实际出版社名称] 页数： [请在此处填写实际页数] --- 导言：旋律中的乡愁与新生 本书并非一部关于单一专辑或巡演记录的简单汇编，而是对美国当代作曲家里奇·伊恩·戈登（Ricky Ian Gordon）音乐遗产的一次深入、多维度的探索。戈登，这位以其细腻的情感捕捉能力和对美国歌唱传统的深刻理解而闻名的艺术家，其作品的生命力在于它们对“家”（Home）这一复杂概念的不断叩问与重塑。本书将聚焦于戈登创作生涯中那些未被主流乐评显著标注，却在特定圈层中产生巨大共鸣的领域，解析其音乐语言如何超越传统界限，成为连接个体经验与集体记忆的桥梁。 戈登的音乐美学植根于美国民间叙事诗的土壤，同时吸收了古典艺术歌曲的精致结构。然而，他最引人入胜之处，在于他如何将这些元素融入对现代身份认同、迁徙、失落与重建的描绘之中。本书将梳理戈登在不同媒介——从室内乐、清唱剧到歌剧——中对“归属感”主题的哲学处理，展现其作品中那股既怀旧又充满前瞻性的力量。 第一部分：歌词的拓扑学：文本与内在景观 本书的开篇将细致剖析戈登音乐中歌词的结构与功能。戈登的合作者遍布诗坛、剧本创作界，从伊丽莎白·毕晓普（Elizabeth Bishop）到托尼·库什纳（Tony Kushner），这些文本选择本身就揭示了他对语言音乐性的极致追求。 第一章：语境之外的诗意回响 我们不会简单地罗列他“最著名”的歌曲。相反，本章将关注那些选材“冷僻”却极具个人印记的作品，例如他早期为小型合唱团创作的几部无伴奏合唱（A Cappella）作品。这些作品往往摒弃了宏大的叙事，转而聚焦于日常瞬间的碎片——窗外的一场雨、厨房里的光线变化。我们将分析戈登如何利用音高、节奏的微小变化来“翻译”诗歌中的留白和意象，使听者在没有视觉辅助的情况下，也能“看”到文本所描绘的场景。特别关注他如何处理“缺席”的意象，即声音的缺失如何成为旋律的一部分。 第二章：身体与空间的对话：对地理的音乐标记 戈登的作品常常隐含着对特定美国地域的地理指涉，但这种指涉并非旅游指南式的描绘。我们将研究他作品中如何运用特定的调式或和声语言来象征特定的地理或心理空间。例如，某些作品中对中西部广阔天际线的音乐化处理，与他在都市环境中捕捉到的焦虑感形成对比。这些“音乐地图”是如何构建的？他如何避免落入刻板印象，而是创造出一种超越地域限制的“感觉之地”（Place of Feeling）？本书将深入探讨他处理“旅程”与“停驻”时，音乐动机的发展与循环规律。 第二部分：演奏实践的内在张力 戈登的作品，尤其是那些面向特定乐器组合的创作，对演奏者的技术和情感表达提出了独特的要求。本书的第二部分将转入实践层面，分析其音乐如何在排练室和音乐厅中实现其艺术意图。 第三章：室内乐的微观世界：乐器间的私密对话 与宏大的交响乐作品相比，戈登的室内乐作品往往更具实验性。本章将聚焦于他为弦乐四重奏、钢琴三重奏或人声与单件乐器（如大提琴或单簧管）而作的乐曲。我们将解析他在这些亲密设置中如何操纵音色的细微差别。例如，在某些作品中，他要求小提琴以接近无弓（col legno）的方式演奏，以模拟一种脆弱或破碎的质感。这种技术要求是如何服务于文本中对“易逝性”的描绘？我们还将分析钢琴部分的作用——它有时是坚实的基础，有时则如同流动的梦境，如何在结构上支撑人声旋律的自由度。 第四章：人声的形塑：从咏叹到呼吸的哲学 戈登被誉为当代最懂得人声的作曲家之一。本书将超越“旋律优美”的简单评价，探讨他如何设计人声的演唱技巧来服务于戏剧性或抒情性。我们将研究他如何在同一首歌曲中，让演唱者在古典花腔的精确性与美国民间音乐的自然叙述之间进行无缝切换。对于那些涉及复杂复调的清唱作品，我们将解构不同声部（如独唱与合唱）之间的关系——它们是支持、对抗，还是相互镜像？这种处理方式如何反映了“家”的概念——究竟是单一的身份，还是多重声音的和谐共存？ 第三部分：未被命名或重新命名的“家” 本书的最终部分将尝试对戈登音乐中的“家”进行更抽象的哲学梳理，这些主题往往在听众的第一印象中被忽略，却是构成其音乐深度的基石。 第五章：时间的非线性书写：回忆与预见 戈登的音乐很少按部就班地线性叙事。回忆、闪回和对未来的焦虑常常交织在一起，形成一种复调的时间感。我们将分析他作品中如何通过重复的音乐动机（Motif）来构建这种非线性结构，这些动机有时是明确的旋律片段，有时则仅仅是一个特定的和弦进行。当这些动机在不同的情绪背景下重现时，它们所携带的意义会发生怎样的偏移？这种对时间感知的处理，揭示了“寻找家园”的过程本身，可能比最终的抵达更为重要。 第六章：沉默的重量：空间、停顿与留白的美学 在所有关于声音的讨论中，沉默往往是最难捕捉的部分。戈登的作品中充满了精心设计的休止符和停顿。这些“负空间”不仅仅是乐谱上的标记，它们是情感释放和意义沉淀的场所。我们将运用声学分析和音乐现象学的方法，来探讨这些沉默是如何在听觉体验中获得重量和实质的。在戈登的语境下，一个长长的休止符可能比一串华丽的音符更具表达力，它代表着难以言喻的失落、未竟的对话，或是最终的释然。这本书将引导读者聆听那些“未被演奏”的部分，从而更全面地理解里奇·伊恩·戈登音乐的内在张力与最终的宁静。 --- 总结： 本书旨在为音乐学者、演奏家以及戈登作品的忠实听众提供一个深入的、去神秘化的视角，审视这位作曲家如何用他的音符构建了一个关于存在、记忆与归属的复杂宇宙。通过聚焦于其作品结构、文本选择和实践细微之处，我们期望揭示其音乐中持久的普世价值。

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翻开内页，我立刻被那种精妙的结构所吸引。它并非简单的时间线叙事，更像是一幅多维度的挂毯，将不同时期的作品、生活事件以及作者的内心独白交织在一起，形成了一种复杂的张力。作者在描述那些标志性作品的诞生背景时，所展现出的那种细致入微的考据功底，着实令人叹服。例如，对于某个特定歌剧片段的创作心路历程，书中不仅仅引用了大量的信件和日记片段，更结合了当时特定的社会文化思潮进行解读，这种多层次的分析，极大地丰富了我们理解作品的维度。我注意到，作者非常善于捕捉那些微妙的情感波动，比如在描述一次巡演的间隙，那种在喧嚣与孤独之间的快速切换，被刻画得入木三分。读到此处，我几乎能感受到空气中弥漫的那种疲惫却又充满期待的气息。这本书的伟大之处在于，它让你在欣赏音乐成就的同时，也深刻地理解了支撑这些旋律背后的，是一个多么真实、充满矛盾而又执着的灵魂。

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我必须承认，这本书的语言风格变化多端，这可能让一些习惯于平铺直叙的读者感到些许不适，但对我而言，正是这种跳跃性和不确定性，构成了它迷人的核心。在某些章节，它的叙事极其冷静和客观，仿佛置身事外的观察者，冷静地记录事实；而在另一些关键时刻，笔锋一转，又变得极其主观和富有诗意，充满了感性的回响。这种风格上的强烈反差，巧妙地模仿了艺术创作本身的不稳定性和爆发性。我尤其关注到作者如何处理那些非音乐性的影响，比如人际关系、政治环境甚至是身体健康对创作的制约。这些“灰色地带”的呈现，让这位音乐家的形象变得无比立体和饱满，不再是舞台上那个遥不可及的神祇，而是一个在日常生活中挣扎、寻找出口的鲜活个体。这本书对“复杂性”的拥抱，是我认为它远超一般传记作品的关键所在。

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这本书的阅读体验，如同在聆听一场精心编排的音乐会，高潮迭起，低回婉转。我特别喜欢其中关于“技艺与情感平衡”的讨论部分。很多音乐家往往在技巧的炫耀与情感的真挚之间摇摆不定，而书中对这位音乐家如何逐步找到那个黄金分割点进行了深入的挖掘。作者似乎拥有某种魔力，能够将那些抽象的音乐理论，转化成我们普通读者也能感同身受的具象化描述。比如，书中对某个和弦进行的处理，竟然能被描述得如同一次精密的建筑结构设计，既有理性支撑，又不失美学上的冲击力。这种对细节的精准把握，使得即便是对古典音乐不太熟悉的读者，也能从中获得极大的乐趣和启发。它不仅仅是一本关于音乐家的书，更像是一部关于“如何将内在世界外化为艺术品”的绝佳范本。读完后，我感觉自己对艺术创作的本质，有了一种全新的、更加敬畏的理解。

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这本书的封面设计本身就散发着一种温暖而内敛的魅力，那种色调和排版，让人一看就知道这不是一本浮躁的作品。我通常对音乐传记类的书籍抱有一种审慎的态度，因为很多时候它们倾向于将人物神化，或者过度沉溺于华丽的辞藻中，反而失掉了人性的真实触感。然而，这本书的开篇就成功地抓住了我，它没有急于去罗列成就，而是巧妙地从一种更具哲学性的角度切入，探讨了“家”这个概念，对于一个创作者而言，究竟意味着什么。我尤其欣赏作者在处理早期创作阶段的那些尝试和挫折时所展现出的那种克制而富有洞察力的笔触。它没有使用那种煽情到令人尴尬的语言，而是通过对特定音乐片段的细致剖析，让我们得以窥见创作者内心深处的挣扎与和解。这种叙事手法非常高明，它让你在阅读的过程中，仿佛不是在被告知一个故事，而是在亲自经历一次心灵的探索之旅。整体来说，初读下来，给我留下的是一种沉静的力量感，仿佛一首尚未完全奏响，却已预示着深远意境的乐章。

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最终留在我脑海中的，是一种难以言喻的温暖和完成感。这本书没有试图提供一个“标准答案”式的结局，它让你跟随人物的脚步，走到时间的尽头，然后放手让你自己去回味和思考。在收尾的几章，作者的笔力似乎变得更加凝练和深刻，不再着重于外部的成就，而是回归到最核心的命题——创作的持续性与生命的意义。我感到作者在这里，已经完成了对传主的致敬，并将叙事的主权交还给了读者，引导我们每个人去联系自己的生活经验。它不提供廉价的慰藉，而是提供了一种面对人生成长轨迹的勇气。整本书读完后，我没有急着合上封面，而是让它静静地躺在膝头，享受那种余音绕梁、回味无穷的感觉。这本书的价值，在于它成功地架起了一座桥梁，连接了音乐厅的辉煌与创作者内心的寂静。

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