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出版者:McGraw-Hill College

作者:White, Gary C.

出品人:

页数:326

译者:

出版时间:

价格:106.5

装帧:Pap

isbn号码:9780073275000

丛书系列:

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弦音的秘境：一部探寻声音本源与人类情感交织的宏大叙事 作者： [此处留白，但暗示作者为一位深谙声学、历史与哲学的学者] 装帧： 精装，附赠手绘乐谱与历史照片集 页数： 980页（不含附录） 内容提要： 《弦音的秘境》并非一部关于如何演奏乐器的指南，亦非一部聚焦于特定音乐流派的历史编年史。它是一次跨越千年、横跨大陆的哲学思辨与文化考古之旅，旨在探究“声音”这一人类最古老、最基础的感知形式，如何塑造了文明的形态、驱动了个体的精神世界，以及最终如何通过最精密的物理结构——乐器——转化为具有情感穿透力的“音乐”。 本书的核心议题在于解构“听觉”在人类认知系统中的至高地位，并追溯那些被时间洪流掩埋的，关于共振、和谐与失谐的古老智慧。 --- 第一部分：寂静的黎明——声音的形而上学起源 (约 300 页) 本部分深入探讨了在文字出现之前，声音如何成为人类社会交流和宗教仪式的基础。 第一章：空气的雕塑家 “无形之形”的物质性： 分析古希腊哲学家毕达哥拉斯关于“万物皆数，数即和谐”的理论，并将其置于更广阔的古代宇宙观中考察。探讨声音的频率、波长与行星运行、人体比例之间的神秘联系。 从自然之声到人造律动： 考察原始部落中，击鼓、长啸与自然界（风暴、动物鸣叫）声音的模仿与融合，如何催生了早期的人类集体意识和精神寄托。 第二章：被禁锢的共振 早期乐器的考古学： 详尽考证了骨笛、陶制吹管乐器（如中美洲的奥卡里那琴原型）以及早期弓弦乐器（如中国的“丝桐”或美索不达米亚的里拉琴）的物理结构及其社会功能。重点分析这些早期乐器在部落迁徙、狩猎仪式中的媒介作用。 音阶的地理学： 比较五声音阶（东方）与七声音阶（西方）在不同地理环境下的独立演化路径，探讨气候、建筑结构（回音特性）如何潜移默化地影响了不同文明对“完美音高”的定义。 第三章：声场的政治学 声音在早期权力的构建中扮演的角色。宫廷、神庙内部的回音设计，如何服务于统治者对“神谕”的诠释权。对“声音的等级制度”进行深刻剖析，即哪些声音被允许在特定空间内传播，哪些声音被视为混乱或反叛的象征。 --- 第二部分：木石的记忆——乐器制造的失传技艺与科学 (约 350 页) 本部分将焦点从抽象的哲学转向具体的物质载体，探究乐器制作中融合的精密工程学与材料学。 第四章：材料的低语 木材的“生命周期”： 深入研究特定树种（如云杉、枫木、乌木）的密度、年轮结构、干燥工艺对音色产生的决定性影响。作者实地考察了阿尔卑斯山脉老林中，用于制作提琴面板的树木的采伐时间与窖藏方法，揭示古代工匠对“时间”这一变量的掌握。 金属的韧性与泛音： 探讨黄铜、青铜及现代合金在管乐器制作中的应用演变，尤其关注定音鼓皮与早期铜钹的冶炼配方如何失传，以及现代科技如何试图逆向工程这些“黄金比例”。 第五章：弧度与张力的几何 弦乐器的美学悖论： 以小提琴（非指明具体品牌或年代，而是探讨其结构范式）为例，分析琴身内部音梁（Bass Bar）的布置、弧度设计与漆面的化学成分如何协同作用，共同“捕捉”和“投射”琴弦的振动。这部分更侧重于物理力学分析，而非演奏技巧。 风箱的呼吸： 对早期风琴、手风琴（手摇风琴）的皮囊结构、簧片（Reed）的雕刻公差进行细致的物理分析，阐述精确的气流控制如何等同于情感的精确表达。 第六章：来自工匠的隐秘知识 聚焦于那些未被文字记载的、代代相传的制作“秘方”。例如，如何通过特定的打磨角度来控制泛音的丰富度，或如何在乐器内部涂抹未知混合物的过程（被视为“调音”或“开光”）。本书力图将这些技艺还原为可被科学理解的工程学步骤。 --- 第三部分：共振的迷宫——听觉、记忆与文化重构 (约 300 页) 本部分探讨了声音与人类心理、记忆以及社会变革之间的复杂互动关系。 第七章：调音与创伤的关联 频率与情绪的神经学连接： 探讨特定频率范围（如次声波或高频啸叫）如何无意识地影响人类的恐惧、放松或焦虑感。分析不同文化中，利用音乐来处理集体创伤（如哀乐、安魂曲）的机制。 “可被遗忘的旋律”： 研究那些曾在特定历史时期风靡一时，但随后因文化断裂或社会变革而彻底消失的音乐形式，探讨声音的“文化半衰期”。 第八章：空间叙事与听觉的地景 声音的地理学再考察： 声音如何在不同的建筑环境中被“过滤”和“重塑”。分析圆形剧场、哥特式大教堂、以及现代音乐厅在声学设计上的根本差异，以及这些差异如何影响了听众对同一段音乐的情感解读。 录音技术的伦理困境： 探讨早期机械录音技术（如蜡筒、唱片）对声音“自然性”的第一次本质性干预，以及这种干预如何改变了人们对“现场感”和“完美演奏”的认知标准。 第九章：沉默的权力 全书的终极反思：在声音和音乐无处不在的时代，对“选择性失聪”和“主动聆听”的研究。探讨真正的音乐体验是否需要一种对环境噪音的彻底排斥，以及这种主动的隔离本身是否构成了一种新的社会行为。 --- 结语：未完成的协奏曲 作者总结道，我们所拥有的所有乐器，无论多么精巧，都只是人类试图捕捉和固化稍纵即逝的“振动”的徒劳尝试。真正的音乐，存在于制造者、载体（乐器）、传播介质（空气）以及接收者（听众）之间那不断流动的、无法被完全量化的能量转换之中。《弦音的秘境》提供了一套框架，用以理解这套复杂系统。 本书适合： 声音学研究者、历史人类学家、乐器制造爱好者、以及任何对“听觉”如何定义我们存在本质感兴趣的严肃读者。它要求读者不仅用耳朵去“听”，更要用思想去“解构”每一次振动的来龙去脉。

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这本书简直是音乐启蒙的宝典！我作为一个从未接触过乐理知识的成年人，一直对音乐抱有好奇却又望而却步，总觉得那些音符和节奏是深奥的科学。然而，当我翻开这本《[书名替换为“音乐之梯”]》时，那种被专业术语轰炸的感觉完全没有出现。作者似乎懂得如何与一个完全的门外汉对话，他用最生活化的比喻，比如将和弦比作积木，将节奏比作心跳，让我瞬间就明白了那些看似复杂的概念。尤其是关于调式的部分，以往我只知道“大调欢快，小调忧伤”，但这本书深入浅出地解释了它们背后的色彩差异，甚至配有非常直观的图示，让我不再是死记硬背，而是真正“听”到了色彩的变化。我尤其喜欢其中关于“聆听的艺术”那一章，它引导我从被动接收音乐转向主动分析和欣赏。读完它，我再去听那些我过去听过无数遍的古典乐或流行曲时，感觉像是第一次戴上了一副高清的眼镜，每一个声部的细节、每一个乐器的音色都变得清晰可辨。这本书真的为我打开了一扇通往更深层次音乐世界的大门，让我从一个旁观者变成了参与者，强烈推荐给所有想真正“理解”音乐而非仅仅“听歌”的人。它不是那种让你成为演奏家的教材，而是让你成为一个更懂音乐的听众的绝佳向导。

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我是在一个艺术沙龙上偶然听到有人推荐这本书的，当时我对音乐理论一窍不通，只知道自己喜欢听一些氛围感很强的电子音乐和后摇滚。我买这本书的时候，心里是有些忐忑的，担心它会过于“学院派”而与我的喜好格格不入。然而，这本书的覆盖面之广超出了我的想象。它不仅仅停留在传统的古典乐范畴，而是将焦点拓展到了现代音乐的声学基础。其中有一章专门讨论了“失真”（Distortion）在音乐中的作用，从物理声波的叠加分析了为什么失真会产生那种我们称之为“力量感”的听觉效果，这一点让我这个电子乐迷感到异常兴奋。它用严谨的科学语言解释了我过去只能凭感觉去理解的音乐现象。此外，书中对不同录音棚技术对声音色彩的影响也有独到的见解，这对于想深入了解音乐制作流程的我来说，提供了非常宝贵的理论支撑。这本书的厉害之处在于，它成功架设了一座桥梁，连接了枯燥的声学物理和我们日常所听到的丰富多彩的音乐世界。它让我意识到，无论多么前卫的音乐，背后都有其可循的规律和原理，这极大地拓宽了我对“音乐”二字的理解边界。

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坦白讲，我是一名已经接触了十年小提琴演奏的业余爱好者，我对乐理知识有一定的基础，但总觉得自己的音乐知识体系有些零散，像是碎片化的记忆。我购买《[书名替换为“声之脉络”]》的初衷，是希望能找到一本能够帮助我梳理和系统化这些知识点的书籍。这本书在这一点上做得非常出色。它没有浪费篇幅去介绍如何拿弓、如何按弦这些演奏技巧，而是专注于“音乐是如何构建的”这一核心问题。作者在讲解复调音乐时，那种层层递进的逻辑分析，让我茅塞顿开，理解了巴赫赋格曲中那些看似复杂的线条是如何完美交织在一起的。特别是书中关于“动机发展”的论述，结合了大量不同时期作曲家的范例，我终于明白了为什么同一段旋律在不同作品中能产生截然不同的情绪效果。这本书的叙述风格偏学术但又不失流畅，它要求读者有一定的基础知识储备，但对于我这种想要进阶的爱好者来说，它提供的思维框架是无价的。它让我学会了如何从结构上去“解剖”音乐，而不仅仅是从情感上去“感受”音乐。它更像是一本高级音乐鉴赏的“操作手册”，而不是简单的入门读物。

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这本书的装帧设计实在是太精致了，厚厚的精装本拿在手里很有分量，感觉像是收藏品。我是一个对实体书有着特殊偏爱的人，这本书的纸张质量和印刷清晰度都堪称一流，即便是那些复杂的五线谱示例，看起来也毫无压力。购买之前，我其实对内容抱有疑虑，因为很多音乐理论书籍往往内容扎实但排版陈旧，让人提不起阅读的兴趣。但《[书名替换为“和声的秘密”]》完全颠覆了我的认知。它将美学和实用性完美结合。我个人最欣赏的是它对“音乐语汇”的构建方式。作者并没有生硬地灌输规则，而是通过大量的历史案例，展示了音乐语言是如何随着时代演变的。比如，它对比了巴洛克时期和浪漫主义时期在和声进行上的核心区别，不是简单地说“后者更复杂”，而是详细分析了“不协和音程如何被更有目的地用于推动叙事张力”。这本书的阅读体验非常舒适，大量的留白让我在阅读复杂理论时可以随时停下来思考，而不是被密集的文字淹没。对我而言，这本书不仅是一本学习工具，更是一件可以时常翻阅、品味其中设计美感的艺术品。它的价值体现在每一个细节中，从封面设计到知识的呈现方式，都体现出对读者的尊重。

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我给我家那个刚上小学四年级的女儿买了这本书，原本是抱着试试看的心态，毕竟小孩子很容易分心，但没想到她竟然爱不释手。这本书的插图简直是神来之笔，色彩鲜艳，人物造型可爱，而且信息密度控制得非常好，不会让孩子感到压力。最让我惊喜的是，它不是那种枯燥的知识点罗列，而是设计成了一场探险之旅。每一页都像是一个新的小谜题等待解答，比如“为什么有些乐器听起来响，有些听起来轻？”这类充满童趣的问题，都被拆解成了孩子能理解的物理原理。我观察到，自从她开始看这本书，她对电视里出现的背景音乐的关注度都提高了，会主动问我：“爸爸，刚才那个配乐好像用了小提琴在快速地拉，是不是在表现紧张？”这种主动联系现实生活的能力，我觉得比死记硬背五线谱要重要得多。这本书的排版非常灵活，文字和图画的互动性很强，有时候只需要看图就能理解一个概念，这对于初学的小朋友来说是极大的鼓励。它成功地将音乐的“抽象美”转化成了“具象的乐趣”，作为家长，我非常欣慰地看到她对艺术的兴趣不再是短暂的兴趣班三分钟热度，而是真正萌生了探索欲。

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