Music in the School. pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Oxford Univ Pr

作者:Mills, Janet/ Graham, Carolyn

出品人:

页数:256

译者:

出版时间:

价格:0.00 元

装帧:Pap

isbn号码:9780193223035

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《和声的奥秘：西方古典音乐理论入门指南》 一部深入浅出、系统构建音乐思维的权威著作 内容简介： 《和声的奥秘：西方古典音乐理论入门指南》是一部旨在为音乐初学者、爱好者以及渴望系统提升自身音乐素养的演奏者，提供坚实理论基础的综合性教材。本书摒弃了冗长枯燥的学术说教，采用清晰的逻辑结构和大量的实例分析，将西方古典音乐——尤其是巴洛克、古典主义至浪漫主义早期——赖以建立的音乐语言进行拆解、阐释与重构。 本书的核心在于揭示“和声”作为音乐骨架的构建原理。我们相信，理解和声，即是理解音乐如何产生情感张力、如何组织旋律线、以及如何构建宏大的音乐结构。 第一部分：音的基石与调性的构建（Foundations of Tonality） 本部分从最基础的元素开始，为读者打下坚实的理论根基。 第一章：音高、频率与听觉感知 探讨声音的基本物理属性——频率与音高之间的关系。 详细介绍十二平均律的科学原理，以及它如何成为现代西方音乐的通用标准。 分析人耳对音程（Intervals）的感知差异，区分纯律与平均律在听觉上的细微差别。 实践环节： 如何使用调音器和基础听力训练工具，准确识别和分辨大二度、纯五度、三度等基本音程。 第二章：音阶与调式：色彩的源泉 深入剖析大调音阶（Major Scale）的结构和功能，解析其“明亮”情感特质的来源。 系统介绍自然小调（Natural Minor）、和声小调（Harmonic Minor）与旋律小调（Melodic Minor）的构成音差异，以及它们在不同音乐语境下的情感色彩变化。 引入古代调式（Modal Scales）如多利亚、弗里吉亚等，展示它们如何为古典音乐的早期发展提供丰富的调性资源，并为后来的爵士乐和电影配乐埋下伏笔。 第三章：三和弦的语法：和谐的最小单位 详细解析三和弦（Triads）的构成原理，包括其结构音（根音、三音、五音）的确定方法。 系统分类和弦的性质：大三和弦、小三和弦、增三和弦与减三和弦，并结合听觉实例阐述它们的情感倾向。 探讨和弦的转位（Inversions），以及转位如何影响低音线条（Bass Line）的流畅性与和声的稳定性。 第二部分：功能和声的逻辑（The Logic of Functional Harmony） 这是本书的核心部分，专注于解析古典音乐中最常用的和声语法——功能和声。 第四章：主、属、下属：调性的三大支柱 详尽阐述功能和声的三大核心功能：主功能（Tonic, T）、属功能（Dominant, D）与下属功能（Subdominant, S）。 分析为什么属和弦（V）具有强烈的导向主和弦（I）的倾向，引入“导音”（Leading Tone）的关键作用。 通过巴赫的赋格或奏鸣曲的呈示部实例，展示如何运用T-S-D-T的简单循环构建音乐的逻辑闭环。 第五章：和弦的连接与进行（Chord Progressions） 指导读者如何从功能角度解读复杂的和弦序列。 介绍常见的和弦进行模式，如帕歇尔和弦进行（Pachelbel’s Canon）的结构分析，以及“蓝调进行”的早期雏形。 深度解析终止式（Cadences）的种类，包括完全终止式、不完全终止式、伪终止式（Deceptive Cadence）和伪终止式（Plagal Cadence），阐明它们在乐句收尾中的情绪控制力。 第六章：七和弦的扩展与色彩（Seventh Chords and Coloration） 引入属七和弦（Dominant Seventh Chord）——一种极具张力的和声实体，分析其解决倾向的必然性。 介绍副属和弦（Secondary Dominants）的概念，即暂时性地借用其他调性的属和弦来加强向当前和弦的导向，这是古典和声色彩变化的关键手段。 解析小调中的七和弦应用，尤其是减七和弦（Diminished Seventh Chord）在制造戏剧性冲突中的重要地位。 第三部分：和声的拓展与变奏（Expansion and Variation） 本部分将理论应用于更复杂的音乐织体，涉及模进、转调和非功能性色彩。 第七章：转调的艺术：空间感的构建 介绍古典音乐中最常用和最有效的转调技巧：平行调转调（Parallel Key Modulation）和关系调转调（Relative Key Modulation）。 详细讲解如何利用共同和弦（Pivot Chord）作为桥梁，实现平稳且逻辑清晰的调性转换，以莫扎特奏鸣曲的展开部为例进行演示。 探讨快速、戏剧性的转调手法，如半音阶转调，分析其在浪漫主义音乐中的情感张力表达。 第八章：非功能性和声的引入（Chromaticism and Non-Functional Harmony） 深入探讨借用和弦（Borrowed Chords）的用法，即从同主音的小调或大调中借用和弦，为音乐增添意外的色彩。 解析那不勒斯六和弦（Neapolitan Sixth Chord）的特殊结构和强烈的情感色彩，分析其在贝多芬作品中的典型运用。 介绍增六和弦（Augmented Sixth Chords）——意大利式、德国式、法国式——作为连接远关系调性或增强属和弦解决力的强有力工具。 第九章：和声与旋律、织体的互动 探讨和声如何在多声部写作中支撑和驱动旋律的走向，分析对位法（Counterpoint）与和声学的结合。 分析分解和弦（Arpeggios）、和弦外音（Non-Chord Tones）如经过音、倚音、经过音等，如何丰富和弦的表面纹理，增加音乐的流动性。 案例研究： 选取巴赫的《平均律键盘曲集》或海顿的弦乐四重奏片段，进行自上而下的和声分析，展示理论在实际音乐作品中的完美体现。 总结与展望： 本书的最终目标是培养读者“用耳朵听和声，用头脑分析和声”的能力。通过对西方古典音乐中和声语言的系统学习，读者不仅能更好地欣赏大师们的作品，更能为自己的创作、演奏和音乐理解插上理论的翅膀，真正跨入音乐的深层殿堂。本书提供的理论框架，是通往更高级的对位法、曲式分析乃至现代配器法学习的必经之路。 目标读者： 音乐学院学生、器乐专业教师、严肃的古典音乐爱好者、渴望提升即兴创作和编曲能力的音乐人。

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读完这本《Music in the School》，我最大的感受是，它提供了一种近乎人类学的视角来审视校园音乐现象。与那些专注于课程设计或评估标准的书籍截然不同，本书更像是一部细腻的田野调查报告，捕捉了音乐在特定社会文化背景下的微妙运作。例如，书中对学校乐队和合唱团内部权力结构的分析，简直是一部微缩版的社会学案例研究。谁拥有指挥棒，谁的声音就更被听见；音乐选择背后隐藏的阶层偏好和文化资本的较量，被揭示得淋漓尽致。作者采用了多重视角交叉分析，文本的复杂性和层次感非常丰富，需要读者带着批判性的眼光去细细咀嚼。我尤其欣赏其对“沉默”的探讨——在喧嚣的排练室里，哪些声音被系统性地压制或忽略了？这种对缺失部分的关注，比对已发生部分的描述更具穿透力。虽然阅读过程中需要一定的专注度来消化其中引用的理论框架，但一旦进入作者构建的世界观，你会发现许多你曾习以为常的校园音乐现象都变得可疑和值得推敲。这是一部挑战既有观念的力作，绝非轻松的读物，但回报丰厚。

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这本书带给我一种回归本源的震撼。它没有过多关注音乐教育的“宏大叙事”——如何培养未来的音乐家，或者如何提升国家整体的艺术素养——而是将镜头聚焦到音乐与个体身份建构的微观联系上。书中讲述了几个极具代表性的故事，关于那些在学校音乐课堂上感到格格不入，却在其他音乐形式（比如电子乐制作或民间音乐学习）中找到归属感的青少年。这些故事的叙述笔法极为简洁有力，没有多余的煽情，却直击人心。作者成功地描绘了音乐如何成为青少年在面对身份迷茫时，构建自我、划分群体边界的一种工具。它探讨了“好品味”与“坏品味”在校园里的流变，以及这种价值判断对学生自信心的影响。我发现自己不断地在回忆学生时代那些无声的站队和音乐偏见，这本书为这些模糊的集体记忆提供了清晰的分析框架。它不像教科书，更像是一面镜子，映照出我们对“学校音乐”这一概念的过度简化和刻板印象。读完后，我开始更审慎地对待我过去对“主流”与“边缘”音乐的划分。

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这本书读起来有一种奇特的“温度感”。它不满足于冰冷的理论推导，而是热衷于捕捉音乐教育中那些转瞬即逝的情感瞬间。书中关于“集体体验的脆弱性”的描述，让我印象深刻。作者细致地描绘了一场失败的校内音乐会，它没有成为教育的典范，反而暴露了组织、沟通和文化差异带来的巨大裂痕。这种对“不完美”的坦诚书写，恰恰是它最有价值的地方。它承认了音乐教育的理想与现实之间的巨大鸿沟，并探讨了如何在不完美的框架内寻求真实的艺术表达。不同于那些鼓吹“变革”的书籍，本书更倾向于“理解”现状的复杂性。它提醒我们，学校里的音乐活动往往是社会期望、行政压力和学生个人愿望交织的产物，很少是纯粹的教育行为。这本书的文字风格非常具有画面感，读着读着，仿佛能闻到体育馆里汗水和旧乐器混合的味道，能感受到舞台灯光下的紧张气氛。它是一部关于“教育的局限性”的深刻寓言，也是对所有在音乐教育现场努力付出的人们的一种温柔的致敬。

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我必须说，《Music in the School》的结构安排堪称一绝，它完全颠覆了我对学术著作的刻板印象。它的叙事像是一部层层递进的交响乐，开篇或许略显低沉和晦涩，但一旦进入中段，各种元素开始互相渗透、发展，最终汇聚成高潮。本书最令人称道的是其跨学科的融合能力。它不仅扎根于教育学，更大量借用了文化研究、媒介理论，甚至是一些后结构主义的思辨。这种多元视角的碰撞，使得即便是对传统教育体系持保留态度的读者，也能找到新的切入点。我特别留意了其中关于“技术中介的音乐学习”的部分，作者对早期互联网时代音乐学习社区的分析，充满了历史的洞察力，远超出了当前技术热潮下的肤浅讨论。它探讨的不是技术本身有多先进，而是技术如何重塑了音乐学习中师生关系和知识的权威性。阅读过程就像是在解一个复杂的谜题，每读完一个章节，都会有一块拼图落位，让整体图景更加清晰。需要耐心，但绝对值得投入时间去深入钻研。

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这本《Music in the School》着实让我耳目一新，它没有直接探讨我们通常在学校里接触到的那种标准化的音乐教育，反而将焦点投向了更广阔、更具生活气息的领域。作者巧妙地避开了枯燥的乐理分析和教学法探讨，而是深入挖掘了音乐如何在学生日常生活中“发生”。我特别喜欢其中关于“非正式学习空间”的章节，那里描述了学生们如何在课后的小组排练、宿舍里的即兴合奏，甚至是网络上的音乐分享社区中，构建出属于他们自己的音乐生态。这些场景的描绘极其生动，让我仿佛能听到那些略显粗糙但充满热情的旋律。书中引用了大量学生访谈的片段，他们的语言是如此真实，充满了对音乐发自内心的热爱与困惑，这使得整本书的学术性被包裹在浓厚的人文关怀之中。它让我重新思考，学校里的音乐课究竟是知识的传授，还是激发潜能的催化剂。作者提出的“流动性教学”概念，强调了音乐经验的跨界流动性，这无疑是对传统教育模式的一次有力挑战。整本书的叙事节奏张弛有度，学术论证与感性描述交织，读起来非常畅快淋漓，是一本能启发教育者和音乐爱好者深思的好书。

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