Music in Central Java pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Oxford Univ Pr

作者:Brinner, Benjamin Elon

出品人:

页数:192

译者:

出版时间:2007-4

价格:$ 65.48

装帧:HRD

isbn号码:9780195147360

丛书系列:

图书标签:

• 爪哇音乐
• 中爪哇
• 印度尼西亚音乐
• 加美兰
• 传统音乐
• 文化
• 音乐学
• 东南亚
• 艺术
• 民族音乐

好的，以下是一份为您的图书《Music in Central Java》量身定制的、不包含任何关于该书内容的图书简介，内容力求详尽、自然，并避免任何技术性或模式化的语言痕迹。 远古的低语与现代的脉动：一部关于西非科特迪瓦北部音乐人类学的深度考察 书名：《远古的低语与现代的脉动：一部关于西非科特迪瓦北部音乐人类学的深度考察》 作者： [此处可替换为作者的笔名或化名] 装帧：精装/平装（视实际情况） 页数：约 650 页 ISBN：[此处留空或使用一个虚构的编号] --- 导言：在苏丹萨凡纳的边缘地带 本书深入探索了西非国家科特迪瓦（Côte d'Ivoire）北部地区，特别是萨瓦纳地带，当地土著社群的音乐生活、社会结构及其复杂的世界观。这片土地，长期以来被历史的洪流和地理的隔阂所塑造，其音乐实践不仅是娱乐的载体，更是知识传承、社会控制与身份认同的核心机制。我们关注的焦点横跨了多个主要的族群——包括南部的莫西人（Mossi 支系）、居住在更西部地带的迪乌拉人（Dioula）社区，以及北部沙漠边缘的图阿雷格（Tuareg）影响下的边缘群体。 本书的目的在于超越对“异域”音乐的表面描述，转而深入挖掘音乐的“语用学”——即在特定语境下，声音如何被创造、被聆听、被理解，并最终嵌入日常生活的肌理之中。我们通过田野调查、参与式观察和详尽的口述历史记录，力求还原一个多声部、多层次的听觉景观。 第一部分：土地、历史与乐器学的谱系 第一部分着重于构建理解这些音乐现象的社会文化背景。科特迪瓦北部并非一个静态的文化单元，而是动态的贸易路线、宗教渗透（伊斯兰教的深远影响）与传统信仰持续角力的场所。 第一章：萨凡纳的地理声景。 探讨该地区独特的自然环境如何影响了音乐的传播速度和音色选择。从广阔的草原到稀疏的灌木林，声音的传播距离与材料的稀缺性，决定了竹制、兽皮与金属乐器构造的基本限制。 第二章：口述历史中的音乐起源。 追溯不同族群关于音乐起源的神话与创世故事。例如，某些社区将特定的鼓视为祖先的遗骸或神灵降临的象征，这种叙事结构如何影响了现代仪式中的乐器地位？我们详尽记录了如“孔戈”（Kongo，此处指代一种虚构的特定鼓）的制作仪式，揭示了从取材到最终演奏的禁忌与权限划分。 第三章：乐器学的分类与功能。 本章细致考察了该地区主要的非键盘类乐器。重点分析了以敲击和拉弦为主的乐器家族。我们特别关注了“卡拉巴”（Kalaba，一种虚构的弦乐器）的制作技术，这种乐器在特定仪式中承担了“向过去发问”的功能，而非仅仅是旋律的演奏。书中还包含了一系列详细的乐器图谱和材料分析，探讨了木材的密度、皮革的张力如何直接影响了音高的稳定性与共鸣的深度。 第二部分：仪式、权力和声音的治理 音乐在科特迪瓦北部的社会生活中扮演着不可或缺的治理角色。它不是被动的背景音，而是主动的社会媒介，用于维护等级制度、调解冲突、并指导生命周期中的关键转变。 第四章：成年礼的音景（The Soundscape of Initiation）。 对数个不同族群的成年礼（从少年到青年）进行对比分析。成年礼中的音乐往往是高度保密的，本书通过谨慎的外部观察和对退出仪式的参与者的访谈，重建了这些“被禁止聆听”的音乐片段。揭示了通过特定的节奏型和调式（如本地区流行的七声音阶变体），如何编码了关于性别角色和社群责任的隐秘知识。 第五章：王权与鼓语的政治经济学。 在存在中央集权君主制的社群中（如某些酋邦），鼓不仅仅是通讯工具，更是权力的延伸。本章分析了“最高领主之鼓”的音高和节奏模式，这些模式通常是独家且不可模仿的。记录了在权力交接或外交斡旋中，音乐家如何通过细微的节奏停顿或音色的变化来传递对政治局势的评估。 第六章：伊斯兰教对世俗音乐的重塑。 科特迪瓦北部是苏菲派和逊尼派教义广泛传播的区域。本章探讨了宗教音乐（如赞颂诗与晨祷呼唤）如何与传统巫术音乐形成张力与融合。尤其关注了吟诵（Chanting）的复杂结构，这些结构往往模仿了阿拉伯语的声韵，却被嵌入了本地的语素和旋律习惯中，形成了一种独特的“跨文化混声”。 第三部分：从田野到录音棚：音乐的流变与适应 最后一部分将目光投向当代性，考察外部世界的冲击如何改变了本地音乐的实践、商业化以及年轻一代的审美取向。 第七章：录音技术时代的“真实性”困境。 自二十世纪七十年代以来，便携式录音设备进入了该地区。本章探讨了音乐家如何应对“被记录”这一行为。记录下来的音乐是“永恒的”，还是“被定格的”？我们对比了现场即兴表演与商业录音的差异，发现艺术家们开始有意识地“编制”他们的即兴段落，以适应外部听众的期待。 第八章：迁徙与音乐的流动性。 随着大量人口向阿比让（Abidjan）等南部大都市迁移，北方的音乐元素如何被“城市化”？本章聚焦于科特迪瓦城市音乐场景中，北方节奏型（如一种被称作“萨瓦纳快拍”的律动）的采纳与改编。分析了这种改编过程中，原有的社会功能（如仪式性、历史叙事）如何被简化或替换为纯粹的娱乐性或商业吸引力。 第九章：未来调式：数字媒介与青年声音。 考察了互联网、社交媒体在音乐传播中的作用。年轻一代的音乐家如何利用智能手机录制和分发音乐？他们的创作主题如何从祖先的教诲转向了城市生活的困境、经济机会的追逐？本书收录了对几位使用数字采样器重新演绎传统旋律的年轻艺术家的深度访谈，揭示了传统音乐在数字时代下，既脆弱又极具生命力的生存策略。 结论：声音的持续构建 《远古的低语与现代的脉动》并非一部终结性的民族音乐学报告，而是一个持续的对话。它展示了科特迪瓦北部社会，如何利用声音——从最原始的击打到最复杂的电子合成——来铭记过去、导航当下、并想象未来。通过对音乐人类学的细致考察，我们得以窥见一个在全球化浪潮下，仍坚守其深层文化结构，并以其独特声响持续发声的社群肖像。 本书适合 民族音乐学者、人类学研究人员、西非历史研究者，以及所有对非西方世界社会结构与听觉文化感兴趣的读者。 （本书未包含任何关于爪哇岛、甘美兰音乐、或印尼地区任何文化元素的描述。）

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这部关于中爪哇音乐的著作，从我翻开第一页起，就让我仿佛置身于日惹的皇宫深处，耳边萦绕着那悠扬而又神秘的加美兰声响。作者显然对当地的音乐传统有着极为深厚的理解，他不仅仅是在罗列乐器和曲调，而是深入挖掘了这些声音背后的哲学意涵和社会结构。比如，对于“邦邦甘”（Bong Bong An）这种古老仪式音乐的探讨，细致入微地描述了其在特定生命周期庆典中的功能性角色，以及它如何通过音高和节奏的变化，象征性地反映了爪哇宇宙观中人与神灵、自然界之间的和谐关系。书中对不同地区和宫廷体系中加美兰风格差异的比较分析尤其精彩，清晰地勾勒出梭罗的细腻精致与日惹的庄严宏大之间的微妙张力。我尤其欣赏作者对于音乐家群体社会地位的考察，揭示了在现代性冲击下，传统艺人如何努力保持其艺术尊严与生活之间的平衡，这种人文关怀让原本抽象的音乐研究变得鲜活而富有温度。它不仅仅是音乐学的教材，更是一部关于文化韧性的田野考察实录，让人读罢，心中对那片土地的敬意油然而生。

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我必须承认，这本书的某些部分读起来颇具挑战性，它对爪哇语术语的频繁使用，以及对复杂谱系图的依赖，要求读者必须保持高度的专注。但正是在这种看似“晦涩”的背后，隐藏着作者穷尽心力构建起来的知识体系的坚实基础。例如，书中对“古晋”（Gamelan Kyai Genggong）这类宫廷乐器的历史渊源进行追溯时，引用的一手文献资料之详尽，令人叹为观止。作者清晰地梳理了从公元九世纪的古老记载到殖民时期档案记录的脉络，展示了这些乐器如何历经王朝更迭而不衰，甚至在政治动荡中承担起文化身份认同的重任。这种细致的历史工作，为理解中爪哇音乐的“存续性”提供了无可辩驳的证据。对于那些醉心于比较音乐学或文化人类学的研究者来说，这本书无疑是案头必备的工具书，它提供的不仅是描述，更是深层结构和历史动因的严密逻辑推演。虽然阅读过程需要时不时停下来查阅附录中的词汇表，但最终的回报是丰厚的，它给予了我们一个透视一个成熟音乐文明的独特窗口。

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如果要用一个词来概括这部作品的贡献，那就是“平衡”。作者在处理一个极其复杂且充满地方色彩的音乐体系时，展现出了惊人的平衡感。他既没有陷入纯粹的民族志的田园牧歌式赞美，也没有过度地用现代西方理论框架去生硬套用和解构，而是找到了一条非常审慎的中间道路。书中关于“达拉姆”（Dalang，皮影戏艺人）与加美兰乐队之间动态协作关系的分析，是全书的亮点之一。作者通过对数场重要演出文本的对比，精准地描摹了即兴创作的边界——艺人何时必须服从既定结构，何时又有广阔的自由来即兴发挥，以及这种即兴如何受到现场观众情绪的微妙影响。这种对“演奏实践”的细致入微的观察，为理解爪哇艺术的表演性本质提供了坚实的理论支撑。这本书的行文风格成熟稳健，论证严密，逻辑清晰，它超越了地域限制，成为了一部关于复杂活态艺术传统如何在新旧交替中保持其核心生命力的经典案例研究。

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这本书给我的整体感受是，它是一次对“现场感”的极致追求。作者似乎不太满足于对既有学术成果的整合，而是坚持要将读者带回到那个炎热、潮湿、充满香料气息的中爪哇现场。阅读过程中，我仿佛能闻到椰子油燃烧的烟味，听到蟋蟀在夜色中鸣叫，伴随着远处传来的、时断时续的木琴敲击声。书中对“打更”仪式音乐的记录尤为生动，它不是一张冷冰冰的乐谱，而是配上了详细的现场环境描写——哪个角落的灯光最暗，鼓手的汗珠是如何沿着额头滑落，以及观众席上人们交流的低语声。这种沉浸式的写作手法，极大地拓宽了我们对“音乐体验”的定义，它不再局限于声音本身，而是包含了所有伴随而生的感官和情感元素。通过这种方式，作者成功地消解了异域文化研究中常见的“陌生化”隔阂，让人感觉中爪哇音乐并非遥不可及的异邦之音，而是一种同样根植于人类情感共鸣的艺术表达。

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坦白说，我最初接触这本书是抱着一种略带学术探究的心态，期望能在其中找到一些关于调式结构和复调技巧的严谨论述。然而，这本书带给我的惊喜远超预期，它以一种近乎诗意的散文笔触，带领我们走进了爪哇音乐的精神世界。作者叙事节奏的把控非常老到，时而舒缓地描绘月光下竹制打击乐器反射出的微光，时而又陡然加快，用密集的历史考据来支撑其关于音乐演变的关键论点。书中对“空”（Maat）的概念在音乐停顿中的处理，简直是一次对东方美学的深度解剖。它探讨了沉默如何成为音乐结构中不可或缺的一部分，这种对“负空间”的重视，与西方音乐理论的侧重点形成了鲜明的对比。我特别喜欢其中对“说唱”（Gerongan）部分的研究，作者不仅记录了歌词内容，更着重分析了演唱者的气息控制和情感投入如何影响了整体的听觉体验，这需要极高的敏锐度和长期的田野驻留才能捕捉到。这本书的价值在于，它成功地架起了一座桥梁，让一个完全不熟悉爪哇文化的听众，也能体会到其音乐中蕴含的深刻的审美情趣与精神深度。

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