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出版者:Hal Leonard Corp

作者:Metheny, Pat (CRT)

出品人:

页数:214

译者:

出版时间:

价格:178.00 元

装帧:Pap

isbn号码:9780634046438

丛书系列:

图书标签:

• 爵士乐
• 吉他
• Pat Metheny
• 器乐
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《和声的迷宫：探索20世纪后半叶爵士乐的音响建筑》 作者： 伊芙琳·里德（Evelyn Reed） 出版社： 蓝调之声出版社 (Blues & Tones Press) 出版年份： 2023年 --- 内容简介 《和声的迷宫：探索20世纪后半叶爵士乐的音响建筑》并非专注于某一位特定演奏家或乐团的传记式叙述，而是一部深入剖析了1950年代中后期至21世纪初，爵士乐在和声理论、节奏结构及即兴哲学方面所经历的革命性转变的学术性音乐学著作。本书旨在揭示，在“酷派”（Cool Jazz）的冷静余韵与“自由爵士”（Free Jazz）的无界宣言之间，存在着一个极其复杂且富有逻辑性的“中间地带”，那里的音乐家们以前所未有的精度和野心重构了爵士乐的音响空间。 里德博士，一位在巴黎高等音乐学院任教多年的作曲与分析专家，以其严谨的分析框架和对跨文化音乐哲学的深刻理解，将我们引向一个由音符、结构和时代精神交织而成的宏大叙事。本书共分七个主要部分，层层递进，解构了现代爵士乐的“骨架”与“血肉”。 第一部分：调式与模态的回归与革新（The Return and Reformation of Modes） 本部分首先回溯了从比波普（Bebop）到硬波普（Hard Bop）阶段的紧张的半音化和弦运动，指出这种密集的和声密度在某些演奏家那里达到了理论上的极限。随后，作者详细分析了1950年代后期，以迈尔斯·戴维斯（Miles Davis）的《Kind of Blue》为标志的模态爵士乐（Modal Jazz）的兴起。但这并非简单的回归古老音阶，里德强调，现代模态并非仅是音阶的重复，而是对“和弦功能”概念的解构与重塑。 她引入了“驻留时间分析法”（Residency Time Analysis），量化了即兴演奏者在特定调式音阶中停留的时长、动机的演变，以及如何在相对静止的和声背景下，通过节奏切分和音色变化来创造张力。重点案例分析了乔治·拉塞尔（George Russell）的“音响概念”（Lydian Chromatic Concept）如何影响了后来的内省派（Introspective）演奏家，及其在调式基础上的色彩扩展。 第二部分：后比波普的和声复杂化与张力构建 此部分深入探讨了那些拒绝完全投身于模态运动，却依然拓展和声疆界的音乐家。重点关注了基于“替代和弦”（Altered Chords）和“延伸音”（Extensions）的精细化运用。里德详细解析了如何利用九音、十一音和十三音的复杂组合，创造出既清晰又模糊的“半透明”和声环境。 一个核心论点是，许多后比波普大师不再遵循标准的II-V-I进行，而是使用基于特里同关系（Tritone Relationships）的和声替换，以及故意引入不协和的音程来“预示”下一个功能和弦的到来，从而制造出一种持续的、可控的“听觉不安感”。 第三部分：节奏的解耦与重组：切分与错位 节奏不再仅仅是支撑和声的框架。本章分析了节奏组（Rhythm Section）如何从严格的“时间保持者”转变为独立的叙事者。里德区分了“多重节奏”（Polyrhythm）和“节奏错位”（Metric Displacement）。 她详细考察了鼓手如何通过对小节线的模糊处理，将重音置于传统弱拍之上，甚至创造出一种“无中心感”的律动。例如，分析了特定的三拍子与四拍子在特定乐曲中如何交织，使得听众的身体感知与音乐结构产生微妙的对抗，最终达成一种更高层次的节奏统一。 第四部分：音色与空间：录音室作为乐器 本书超越了纯粹的乐谱分析，进入了对声音物理特性的考察。作者认为，在1960年代末期，录音技术和工作室设备本身成为了作曲工具。探讨了混响（Reverb）、延迟（Delay）以及早期效果器（如哇音踏板、八度效果器）如何被用于塑造“听觉空间”。 这一部分的分析聚焦于演奏家如何利用音色差异来替代传统和声功能。例如，一个失真（Fuzz）的低音提琴音色，与一个清澈的木吉他和声，在同一和弦上，传递出截然不同的“和声意义”。 第五部分：后传统主义者的对话：欧洲与美国的影响 里德将目光投向了爵士乐与欧洲前卫音乐（Avant-garde）的交汇点。她审视了“欧洲即兴音乐”（Euro-Improv）如何看待美国爵士乐的结构化限制。书中对比分析了美国音乐家对“蓝调根源”的坚持，与欧洲音乐家对序列主义（Serialism）和声碎片化处理的兴趣。本书论证，真正的“全球化爵士”是在理解这些对立哲学后，产生的混合体。 第六部分：融合的边界与后现代的碎片化 本部分关注1980年代及以后，爵士乐如何吸收摇滚、放克（Funk）和世界音乐的元素。重点分析了爵士乐在“复古”（Retro）与“前卫”（Forward-looking）之间的拉锯战。作者特别关注了那些在保留传统和声色彩的同时，引入了极度复杂的、近乎后结构主义的即兴片段的乐手。这不再是简单的融合，而是一种对既有范式的解构与重组，音乐语汇变得更加个性化和不可预测。 第七部分：结论：未完成的建筑 《和声的迷宫》总结道，20世纪后半叶的爵士乐发展，并非一条单向的进步之路，而是一系列复杂的、相互影响的“音响建筑项目”。这些音乐家们不断地在“结构清晰”与“情感直觉”之间寻找平衡点，将和声视为一个可以无限延伸和扭曲的迷宫。本书的最终目的是为读者提供一套分析工具，让他们能够独立地解读这些大师作品中隐藏的逻辑和革命性的尝试。 --- 读者对象 本书适合音乐学院学生、爵士乐专业研究者、资深音乐评论家，以及所有对音乐理论、和声分析和20世纪西方音乐发展史有浓厚兴趣的严肃听众。阅读本书需要具备基本的乐理知识和对爵士乐发展脉络的初步了解。本书的配图包括大量手写和弦分析图表、节奏网格示意图，以及特定演奏片段的音符对比分析。

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这本书的结构安排，简直像是一场精心设计的声学实验，充满了对空间和时间感知维度的操弄。它几乎没有一个可以明确标识的“主角”，人物的出现与退场都带着一种宿命般的偶然性，他们更像是某种概念的载体，而非拥有完整血肉的个体。你很难对其中任何一个角色产生传统意义上的共情，因为作者似乎刻意在他们与读者之间设置了一道透明的、冰冷的屏障。我经常感到自己像一个被放置在巨大博物馆中的观察者，透过厚厚的玻璃墙，审视着那些被定格的场景和进行着象征性行为的人物。更令人玩味的是，叙事视角的不稳定。前一页还是全知全能的上帝视角，冷静地俯瞰着历史的洪流；下一页，视角可能猛地缩进到某个角色的内心深处，那种极度主观、带有强烈个人偏见的瞬间体验会扑面而来，让人措手不及。这种视角上的“闪烁”和“漂移”，使得理解故事的“真相”成为一种徒劳的努力。它更像是在展示“理解”这个行为本身的不确定性。这本书似乎在暗示，我们所认定的现实，不过是无数个相互冲突的主观视角的聚合体，而任何试图寻找单一、统一视角的努力，都注定是徒劳。这种对叙事权威的解构，是本书最令人称道，也最令人困惑的地方。

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这本书最令人印象深刻的，是它在处理“意义”上的克制与大胆并存。它避开了所有直白的道德说教和明确的主题提炼，拒绝成为任何一种意识形态的代言人。相反，它选择了一种近乎炼金术士的方式来处理素材，将日常的、琐碎的事件进行反复的蒸馏和提纯，最终得到一些难以名状的、却极具冲击力的“残渣”。这些残渣，才是作者真正想留给读者的思考素材。比如，书中对“等待”这一行为的反复着墨，从对公交车的漫长等待，到对一封重要邮件的焦灼守候，再到对历史进程的无力等待，所有这些“等待”都被剥离了其功能性，仅仅作为一种纯粹的、消耗生命的时间形态被呈现出来。它没有告诉你等待是为了什么，只是让你沉浸在等待本身带来的精神空耗中。这种对“非行动”的深度挖掘，要求读者放弃对“目标导向”阅读的习惯。它更像是一面高倍放大镜，聚焦于那些我们通常会忽略的、构成我们日常经验的微小裂缝。读完它，你不会得到一个现成的答案，但你会发现，自己看待世界的工具箱里，多了一些前所未有的、精密的、甚至有些锋利的观察工具。

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我必须承认，这本书的语言风格简直是一场风格的盛宴，或者说，是一次对语言边界的无情试探。某些篇章的句子长度已经达到了令人咋舌的程度，它们蜿蜒曲折，层层嵌套，充满了复杂的从句和罕见的词汇，仿佛作者在用文字搭建一座巴洛克式的、过度装饰的建筑，每一个词语都承载着多重象征意义。阅读过程更像是一种智力上的攀登，你需要不断地停下来，查阅字典，回溯前文，才能勉强跟上那狂奔的思绪。这种“高密度”的表达方式，无疑会劝退一部分读者，但对于我这种热衷于语言实验的人来说，它提供了一种近乎冥想的体验。然而，这种风格并非一成不变。在那些宏大叙事之后，作者会突然切换到一种极度简洁、近乎新闻报道的口吻，仿佛一个冷酷的记录者，用最平实的词语描述最残酷的现实。这种极端的反差，使得文字的张力被拉到了极致。它不是在“讲述”故事，而是在“呈现”事物——事物本身的样子，没有任何多余的情感渲染或道德评判。这本书的阅读体验是高度分化的，要么你会完全沉浸其中，被其语言的复杂性和深度所折服，要么你会感到彻底的挫败，认为作者是在故作高深，用晦涩来掩盖内容的空洞。对我而言，我更倾向于前者，那种在文字迷宫中迷失又重获方向的刺激感，是许多平易近来的作品无法给予的。

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阅读这本书的过程，与其说是理解情节，不如说是在体验一种情绪的渐变过程。它没有激烈的戏剧冲突，没有山崩海啸的转折，一切都发生得极为内敛，仿佛是地壳深处的缓慢挤压。起初，我感到的是一种莫名的焦虑，一种对“未被告知之事”的隐隐不安，这种情绪像低频的背景噪音，贯穿始终。然后，随着阅读的深入，这种焦虑逐渐沉淀为一种深刻的、带着诗意的“疏离感”。作者似乎对人类文明的宏大叙事持有一种悲观但又温柔的态度，他笔下的一切都带着消亡和腐朽的痕迹，但这种腐朽却被赋予了一种近乎神圣的美感。比如，他对那些被遗弃的工业遗址、废弃的通信设备的描写，细致入微，仿佛在为这些“无用之物”举行一场盛大的葬礼挽歌。这种对“衰败之美”的执着，让全书笼罩在一层忧郁的、琥珀色的光芒之中。读完最后一页，我没有感到解脱或满足，反而有一种被时间洪流席卷后的空茫，仿佛刚刚经历了一场漫长而安静的日食，世界暂时失去了光芒，但你知道，光芒终将回归，只是那短暂的黑暗已经永远地改变了你的眼睛对光的感知方式。

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这本书，坦率地说，像是走进了一片迷雾缭绕的森林，你看不清前路，却被空气中弥漫的、难以名状的芬芳深深吸引。它不是那种会给你清晰指引的地图，更像是一份晦涩的乐谱，充满了休止符和出乎意料的和弦转换。我花了很长时间才适应这种叙事节奏——它像爵士乐即兴演奏一样，逻辑性时有时无，情绪的起伏却极为真实。作者似乎对“故事的完整性”不屑一顾，更热衷于捕捉那些转瞬即逝的、内在的闪光点。有那么几章，文字的密度高得惊人，每一个句子都像被反复锤炼过的金属，带着锋利的光泽，探讨着一些关于时间、记忆和存在的哲学思辨，读起来需要极大的专注力，甚至需要反复咀嚼。而紧接着，笔锋又会突然转向一种近乎白描的、疏离的观察，记录一些生活中的微不足道的场景，比如雨后街角被遗忘的报纸，或者咖啡馆里两个人沉默的对视。这种强烈的对比和跳跃感，初读时会让人感到困惑和不适，仿佛你正在看一部剪辑极其破碎的电影。但奇怪的是，当你接受了这种“碎片化”的叙事逻辑后，你开始在这些看似不连贯的片段中，搭建起属于自己的、独特的意义网络。它挑战了传统小说对因果关系的依赖，更像是在描绘一种“存在本身”的状态，一种流动的、不确定的真实。

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