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出版者:Oxford Univ Pr

作者:Sadie, Stanley (EDT)/ Macy, Laura Williams (EDT)

出品人:

页数:784

译者:

出版时间:2006-10

价格:$ 45.14

装帧:HRD

isbn号码:9780195309072

丛书系列:

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歌剧的殿堂：从巴洛克到现代的声乐史诗 一部深入探究歌剧艺术演变、流派风格与幕后故事的权威著作。 本书并非对某一部特定歌剧选集的简单汇编，而是一部宏大、细致入微的歌剧艺术通史。我们旨在揭示歌剧这一“综合艺术”是如何从其诞生之初的佛罗伦萨贵族沙龙，一步步发展成为席卷欧洲乃至全世界的、充满激情与戏剧张力的舞台奇观。 本书的结构严格遵循时间脉络与地理演变，从歌剧的源头——十七世纪初意大利的“回声剧院”开始，直至二十世纪末的先锋实验。我们将跨越不同的历史时期，剖析每一时代背景如何塑造了歌剧的面貌，以及那些划时代的作曲家和剧作家如何挑战既有限制，推动艺术向前。 --- 第一部：黎明与黄金时代（1600-1750）：意大利的主导地位 本部分重点剖析歌剧作为一种新生艺术形式的起源与早期发展，尤其聚焦于意大利的佛罗伦萨、罗马和威尼斯。 1. 佛罗伦萨的探索与“文字重于音乐”的理想： 探讨雅各布·佩里和贾科莫·卡奇尼等早期作曲家如何试图复兴古希腊戏剧的概念，创造出“Recitar Cantando”（歌唱性演讲）这一核心技法。我们详述了美第奇家族在推广早期歌剧中所扮演的关键角色。 2. 威尼斯的商业化与“大歌剧”的诞生： 深入分析克劳迪奥·蒙特威尔第的贡献。他的《奥尔费奥》（L'Orfeo, 1607）被视为第一部完整的歌剧杰作，标志着歌剧从宫廷娱乐走向公共剧院的转折点。本书详细考察了蒙特威尔第如何平衡叙事驱动的宣叙调（Recitative）与抒情性的咏叹调（Aria），以及他如何利用乐队色彩来烘托情感深度。 3. 拿波里乐派的兴盛与“正歌剧”（Opera Seria）的定型： 介绍亚历桑德罗·斯卡拉蒂及其后继者。正歌剧的固定结构——严格区分宣叙调与咏叹调、强调炫技的“Da Capo”咏叹调格式（ABA），以及对美声技巧的极致追求——成为十八世纪欧洲歌剧的主导范式。本书会深入解析歌剧“阉伶”（Castrati）在这一时期扮演的复杂社会与艺术角色。 4. 巴洛克晚期的巨匠——亨德尔的贡献： 尽管亨德尔主要在伦敦发展，他的意大利歌剧风格却代表了巴洛克美学的巅峰。我们分析亨德尔如何将意大利的结构与英国观众对宏大合唱的偏爱相结合，塑造出具有史诗气质的英雄叙事。 --- 第二部：启蒙与革新（1750-1820）：理性与情感的交锋 本部分探讨歌剧如何回应启蒙运动的思想，挑战僵化的“正歌剧”传统，并诞生了更富人情味的“喜歌剧”。 1. 格鲁克改革的哲学基础： 克里斯托弗·维利巴尔德·格鲁克力图“回归简单与自然”，反对正歌剧中对炫技的过度强调。本书细致分析了他在《奥尔费奥与欧律狄刻》等作品中如何实现“音乐服务于剧情”的改革目标，并阐述了他在维也纳和巴黎的艺术斗争。 2. 喜歌剧的繁荣与莫扎特的融合： 喜歌剧（Opera Buffa）在意大利的流行，如皮奇尼尼和萨蒂里的作品，为歌剧注入了日常生活的幽默与讽刺。本书将重点剖析沃尔夫冈·阿玛德乌斯·莫扎特。他不仅精通喜歌剧的机智对话（如《费加罗的婚礼》），更在“抒情正歌剧”（Opera Semiseria）中达到了人性的深刻洞察，尤其是在《唐璜》中，将喜剧与悲剧元素完美地交织在一起。 3. 早期德语歌剧的发展： 考察约翰·亚当·胡默尔和对德国“歌唱剧”（Singspiel）传统的探索，为未来瓦格纳的“音乐戏剧”奠定语言和主题上的基础。 --- 第三部：浪漫主义的辉煌（1820-1900）：激情、民族性与宏大叙事 浪漫主义时期是歌剧的“黄金二十年”，它成为民族认同的载体，音乐语言空前丰富，戏剧张力达到顶峰。 1. 意大利的“美声”时代——罗西尼、多尼采蒂与贝利尼： 探讨以高难度声乐技巧著称的“美声剧”（Bel Canto）的鼎盛。本书将分析罗西尼的机敏、多尼采蒂的戏剧感染力，以及贝利尼对旋律线条的极致追求（如《诺尔玛》）。 2. 威尔第的民族史诗： 朱塞佩·威尔第是意大利统一的象征。我们详细考察他如何从早期的政治主题（如《纳布科多诺索》）发展到后期的心理深度（如《奥赛罗》和《福斯塔夫》），以及他对合唱和“场景发展”的革命性处理。 3. 法国的“大歌剧”（Grand Opéra）与“抒情歌剧”（Opéra Lyrique）： 分析巴黎对歌剧的严格要求——宏大的历史题材、芭蕾的加入和五幕结构（如迈耶贝尔的作品）。随后，转向更注重私人情感和细腻配器的“抒情歌剧”的兴起，如古诺的《浮士德》。 4. 德语浪漫主义的巅峰——韦伯与瓦格纳的革命： 卡尔·冯·韦伯的《自由射手》开创了德语浪漫歌剧的民族主义色彩。随后，本书将用大量篇幅解析理查德·瓦格纳的“音乐戏剧”哲学。我们将深入研究他的“主导动机”（Leitmotif）系统、对“总体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）的追求，以及《尼伯龙根的指环》在叙事和音乐结构上的颠覆性成就。 5. 现实主义的暗流——“真实主义”（Verismo）： 探究在十九世纪末，随着社会现实主义的兴起，普契尼、马斯卡尼和莱翁卡瓦洛如何将目光投向普通人的悲剧命运和强烈的感官体验（如《卡门》、《蝴蝶夫人》、《丑角》）。 --- 第四部：二十世纪的破碎与重生：多元化的探索 进入新世纪，歌剧面对摄影、电影的竞争，以及音乐思潮的剧变，走向了前所未有的多元化和实验性。 1. 德彪西与印象主义的革新： 克劳德·德彪西在《佩利亚斯与梅丽桑德》中，用极其微妙的管弦乐色彩和近乎口语化的旋律，挑战了瓦格纳式的宏大叙事，开启了印象派的听觉体验。 2. 表现主义的心理风暴： 深入分析理查德·施特劳斯在《莎乐美》和《埃勒克特拉》中对极端情感的描绘，以及阿诺德·勋伯格在十二音体系确立过程中对传统调性的彻底颠覆。 3. 苏联与美国的歌剧实践： 考察沙斯塔科维奇在苏联体制下的创新尝试，以及乔治·格什温等美国作曲家如何试图将爵士乐和美国本土叙事融入歌剧的努力（如《波吉与贝丝》）。 4. 当代实验与后现代语境： 探讨战后歌剧的流派分裂，从布列兹等前卫派的电子与空间运用，到约翰·亚当斯等在历史事件（如《尼克松在中国》）中寻找新叙事可能性的尝试。 --- 本书通过对这些里程碑式作品的深入分析、对时代背景的细致梳理，以及对主要歌唱家和制作理念的探讨，为读者提供了一幅清晰、全面且充满洞察力的世界歌剧艺术发展地图。它不仅是歌剧爱好者案头的必备参考，也是音乐史研究者探究人声艺术发展轨迹的重要文献。 全书特色： 详尽的术语解析： 对宣叙调、咏叹调、歌剧结构、调式系统等关键音乐术语进行清晰解释。 跨学科视角： 将歌剧置于其政治、社会、文学背景下进行解读。 详尽的剧目索引： 涵盖了从早期巴洛克到当代各个流派的代表性剧目分析。

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如果让我用一个词来形容《The Grove Book of Operas》带给我的感受，那将是“敬畏”。这种敬畏感源于作者们对知识的绝对掌控和对艺术的深刻理解。它不是那种轻松愉快的咖啡桌读物，你不能指望在睡前随便翻两页就能获得片刻的安宁。相反，它要求你全神贯注，因为它所提供的细节密度极高，任何一次走神都可能让你错过一个关键的术语解释或是历史典故的串联。在介绍那些复杂的“改革歌剧”时，作者们引经据典，将剧本的哲学基础、巴洛克时期的美学观念、以及当时的宫廷政治纠葛，全部熔铸在一两段精炼的文字中。这种高度浓缩的学术表达，初次接触时会让人感到认知负荷过大，仿佛在试图一次性喝下一整瓶高度蒸馏的烈酒。但一旦你适应了它的节奏，你会发现这种严谨性是构建稳固知识体系的基石。它强迫你去思考，去查阅更多的背景资料，最终的结果是，你对歌剧艺术的理解深度得到了质的飞跃。这本书，是献给那些愿意为艺术深入泥泞的探险家的。

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这本书的视角是极其国际化的，这让我这个常年被德奥体系“洗脑”的听众大开眼界。以往阅读歌剧资料，总会不自觉地被德语或意大利语的语境所主导，但《The Grove Book of Operas》成功地打破了这种地域偏见。它对俄国“五人组”的歌剧，如穆索尔斯基的《鲍里斯·戈都诺夫》，其文本分析的细致入微，简直达到了语言学研究的水平，深入探讨了斯拉夫民族叙事腔调在音乐中的体现。更让我惊讶的是，它对东欧和北欧一些极具地方色彩的歌剧（比如捷克作曲家的作品）的收录和介绍，详略得当，既没有敷衍了事，也没有喧宾夺主。这种全球性的视野，让我意识到歌剧这门艺术形式从诞生之初就带有强烈的地域烙印，它不仅仅是音乐的结合，更是特定文化语境下的戏剧表达。阅读时，我仿佛在进行一场跨越大陆的文化旅行，从米兰的斯卡拉歌剧院到圣彼得堡的马林斯基剧院，每翻过一页，听到的音乐色彩和戏剧张力都在发生奇妙的转变。对于希望构建一个全面、非中心化歌剧知识体系的读者来说，这本书是不可或缺的指南针。

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说实话，这本参考书的阅读体验更像是“使用”而非“阅读”。我很少会从头到尾通读它，而是把它当作一个工具箱，需要时立刻找到对应的那把扳手。它的索引系统做得极为出色，无论你想查找某个特定的作曲家、某部作品的首次演出年份，还是某位特定的配角，都能迅速定位。不过，这本书也展示出一种“时间感”上的局限性。鉴于歌剧艺术的不断发展和新作品的涌现，任何“大全集”都不可避免地会在某些前沿领域显得有些滞后。比如，对于近二十年来的新歌剧实践，它的记录和分析自然无法跟上最新的动态，这也很正常。但我发现作者在处理那些仍在世的作曲家作品时，其笔调显得格外谨慎和保守，似乎总是在权衡其历史地位与当下影响。这种平衡感是值得称道的，它确保了书的严肃性，但偶尔也让人觉得，它更像是一部梳理历史的权威之作，而非拥抱未来的先锋宣言。它教会我尊重历史的沉淀，但也同时提醒我，歌剧的“林子”还在不断生长。

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我必须承认，我拿到这本书时，是带着一种“希望它能解决我所有歌剧困惑”的期待的。但看完之后，我发现它更像是一个极其专业且略带学术腔调的伙伴，它不会轻易地给你“标准答案”，而是提供给你足够多的线索让你自己去构建认知地图。它的排版设计是那种典型的学术参考书风格，密密麻麻的文字，小小的字体，似乎在暗示着“你得为此付出努力”。我特别喜欢它对那些早期、相对不那么主流的歌剧的处理方式。市面上很多歌剧指南往往只关注莫扎特、瓦格纳和普契尼，但这本书却给了大量篇幅给像格鲁克早期的改革歌剧，甚至是某些被遗忘的法国大歌剧。作者对这些“冷门”作品的论述，其严谨程度丝毫不逊于对《尼伯龙根的指环》。这让我体会到歌剧史的广阔与深邃，不再局限于那几部经常上演的作品。唯一让我感到挫败的是，由于篇幅的限制，一些复杂的乐剧分析不得不戛然而止，留下了太多的悬念，让人意犹未尽，恨不得作者能再写上三倍的篇幅来详细阐述其中的对位法和和声创新。这是一种幸福的烦恼，一本让人渴望知识却又因其浩瀚而感到无力的好书。

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这本关于歌剧的“林中之书”——哦，抱歉，我记错了书名，它叫《The Grove Book of Operas》。这本书的厚重感和内容密度简直让人望而生畏，我花了整整一个周末才啃完前三分之一。首先要赞扬的是它那近乎百科全书式的详尽程度。对于每一部被收录的歌剧，从首演的日期、地点，到具体的幕次结构、主要角色的声乐要求，乃至于那些常常被忽略的，比如当时的政治气候如何影响了剧本的创作，它都有所涉及。尤其让我印象深刻的是，作者没有满足于简单的罗列，而是深入挖掘了那些经典作品背后的“为什么”。比如，他们对威尔第的某几部作品的分析，不是简单地复述情节，而是将其置于意大利统一运动的大背景下考察，分析了那些看似家国情怀的咏叹调是如何在民间层面引起共鸣的。这种深挖历史语境的做法，让原本可能略显枯燥的文本分析变得鲜活起来，仿佛能听到百年前剧院里观众的呼吸声。对于初学者来说，它可能过于庞杂，像一座需要专业向导才能穿越的迷宫；但对于资深乐迷而言，它无疑是一座等待你去探索的知识宝藏，每一次翻阅都能带来新的发现和顿悟。那种沉浸在十九世纪欧洲歌剧黄金时代的体验，是其他任何导览手册都无法比拟的。

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