Creative Chord Substitution for Jazz Guitar pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

出版者:Alfred Pub Co

作者:Arkin, Eddie

出品人:

页数:120

译者:

出版时间:2004-6

价格:$ 19.15

装帧:Pap

isbn号码:9780757923012

丛书系列:

图书标签:

• 爵士吉他
• 和弦代换
• 音乐理论
• 吉他技巧
• 和声学
• 即兴演奏
• 音乐教育
• 吉他教材
• 爵士乐
• 和弦进行

好的，这是一本名为《爵士吉他即兴与和声进阶：超越基础的色彩构建》的图书简介，内容聚焦于爵士乐即兴技巧、高级和声分析、以及现代和声在吉他演奏中的实际应用，完全不涉及“和弦替换”这一主题。 --- 爵士吉他即兴与和声进阶：超越基础的色彩构建 献给渴望突破瓶颈的进阶吉他手 《爵士吉他即兴与和声进阶：超越基础的色彩构建》 是一部专为已经掌握了爵士乐基本乐理、熟练运用五声音阶和布鲁斯音阶，并渴望将即兴演奏提升到全新艺术高度的吉他演奏者量身打造的深度教材。本书摒弃了对常见和弦替换技巧的探讨，转而将全部精力集中于旋律的构建逻辑、音色塑造、以及如何通过对音阶和琶音的精确运用，在既有和声框架内创造出丰富、细腻且富有个人色彩的即兴线条。 本书的核心理念在于：卓越的即兴并非依赖于不断寻找替代品，而是深植于对既有和声结构的深刻理解和对音色层次的精妙控制。 我们将引导您穿越到爵士乐更深层的旋律殿堂，学习如何“雕刻”音符，而非仅仅“堆砌”音阶。 --- 第一部分：旋律织体与乐句的精细雕琢 本部分旨在彻底革新您对“乐句”的理解，将其从简单的音阶片段提升为具有叙事性的音乐语言。 第一章：节奏的几何学：驱动即兴的内生动力 爵士乐的灵魂在于律动，而真正的律动源于对节奏的精确把握和创新。本章深入剖析了： 1. 细微的时值偏移（Micro-timing）：如何利用延迟（lag）和提前（lead）来赋予音符生命力，模仿萨克斯风或小号演奏者特有的“呼吸感”。 2. 跨小节的节奏母题（Motif Development Across Barlines）：学习如何设计一个短小的节奏骨架，并将其在不同的和声区域内进行发展和变奏，而非简单地将音符堆满整个小节。 3. “空间”的艺术（The Art of Space）：分析大师们如何利用停顿（rests）来构建紧张感和释放感。我们将提供听力练习，训练您在即兴中“呼吸”的能力，使每一个弹奏的音符都具有至关重要的分量。 第二章：旋律线的设计：从功能性到叙事性 本书认为，成功的旋律线是功能性的，它们清晰地回应了和声的走向，并同时讲述了一个完整的故事。 1. 目标音的层级化导向（Target Note Hierarchy）：超越仅仅解决到三音或七音的传统方法。我们将详细分解如何使用上行/下行线条、级进、跳进，有意识地将演奏的重点导向特定的“色彩音”（如9th, 11th, b13th），并探讨如何快速、流畅地到达这些目标。 2. 内涵乐句（Infilling Licks）与外延乐句（Outward Licks）：区分两种主要的乐句类型——服务于和声色彩的内涵乐句，以及用于构建即兴高潮的外延突破乐句。学习何时使用哪种类型，以确保即兴的流畅性。 3. “限制性”练习法：设计一系列严格的限制条件（例如，只能使用特定音程的组合，或必须在四个音符内完成一个和弦的声明），强制大脑开发出更具创造性的连接方式。 --- 第二部分：和声语汇的深度挖掘与色彩音的精确运用 本部分将专注于对和弦结构本身的深刻理解，特别是如何将特定音阶和琶音的独特音符与和声功能精准匹配，从而产生丰富多变的音色。 第三章：音阶与琶音的“解构”与重组 我们不再将音阶视为一堆音符，而是视为可以被拆解和重新组合的“颜料盘”。 1. 琶音的分解与重构（Arpeggio Deconstruction）：系统性地展示如何将一个复杂的九和弦（如Cm9）分解为两个或三个可独立演奏的“微小和弦组”（如C-Eb-G 和 D-F-Bb），以及如何在吉他指板上实现这些组之间的平滑过渡。 2. 特定模式的选择（Mode Selection Beyond Function）：详细解析利底亚（Lydian）、多利亚（Dorian）、减音阶（Diminished Scales）等在不同调性中的细微音色差异。重点在于，如何判断在一个G7和弦上使用G Mixolydian 还是G Altered音阶，其听感上的区别及其在特定语境下的适用性。 3. 全音音阶（Whole Tone Scale）的结构性应用：探讨全音音阶在三全音（Tritone substitution）背景之外的实际应用，例如在特定属七和弦上，如何利用其对称性来构建具有漂浮感的旋律线。 第四章：和声的垂直与水平分析：连接“和弦”与“旋律”的桥梁 本章聚焦于如何通过听觉训练和指板记忆，实现对和弦变化的即时反应。 1. “内声部”的构建（Implied Inner Voices）：学习如何在即兴中“暗示”出和弦的内部声部（如三音和七音的对位运动），即使您只弹奏了三到四个音符。这极大地增强了独奏的厚度和复杂性。 2. 五度和四度和弦（Suspensions and Quartal Harmony）：深入探讨挂留和弦（Sus Chords）如何通过其独特的音程关系来创造张力。随后，系统学习四度和弦（Quartal Harmony）的指板布局，以及如何在即兴中利用这些音程关系来模拟现代爵士或融合音乐的色彩。 3. 指板的重新映射（Fretboard Re-mapping for Interval Focus）：教授超越传统音阶框定的指板练习。例如，专注于指板上所有三度音程的连接，或所有增四度音程的运动，以此打破对传统“方框”音阶的依赖，实现跨越弦之间的音符选择的自由度。 --- 第三部分：风格塑造与即兴的个人化表达 本部分将前两部分的理论知识融会贯通，引导演奏者发现并固化自己的即兴风格。 第五章：模仿与内化：从学习到创造 真正的创新建立在对传统的深刻掌握之上。本章提供了一套结构化的模仿方法，确保您吸收的是“逻辑”而非“模仿”。 1. 转录与“解剖”法（Transcription and Dissection）：选择三位风格迥异的大师（如 Wes Montgomery, Joe Pass, Pat Metheny）的独奏片段。我们将指导您不仅仅记录下他们弹奏的音符，更重要的是分析他们选择特定音符的动机、他们的节奏处理以及他们如何利用吉他的共鸣特性。 2. “语境化”的变奏练习（Contextual Variation Drills）：选取一个固定的乐句，然后在不同的和弦进行（如 II-V-I、Rhythm Changes）上进行演奏。观察并记录下哪些音符需要微调才能完美贴合新的和声背景。 3. 声音的“哲学”：延迟与动态的文学性：详细讨论吉他演奏中的动态变化（Dynamics）——从 pianissimo 的轻触到 forte 的有力拨弦——如何服务于音乐的叙事。分析不同拨片角度和颤音（Vibrato）技术如何为相同的音符赋予截然不同的情感色彩。 --- 结语：演奏者的责任 《爵士吉他即兴与和声进阶：超越基础的色彩构建》 旨在提供一套全面、深入且高度实用的方法论。本书不会为您提供捷径，但它将为您铺设一条通往真正音乐自由的道路——通过对和声的精微洞察和对旋律线条的苛刻要求，您的即兴将不再是音阶的堆砌，而是对音乐结构本身的艺术化重述。 拿起您的乐器，开始雕琢您独一无二的爵士之声吧。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

我购买这本书的初衷是想解决我在演奏一些Bebop风格乐曲时，感觉和声进行过于“扁平”的问题。这本书的切入点非常精准，它大量使用了次属和弦（Secondary Dominants）的延伸应用，并将其与各种延伸音（Extensions）和变化音（Alterations）结合起来进行讲解。最让我感到惊喜的是，它对于“和弦内音（Chord-Scale Theory）”的介绍是极其克制且实用的。作者避免了不必要的调式转换长篇大论，而是集中火力在“如何用最少的指板移动，达到最丰富的和声效果”。书中提供的一系列“指板路径优化练习”，极大地改善了我的指板移动效率。以前我需要费力地去“找”那个替代和弦，现在，通过作者设计的练习，我的手指仿佛被植入了某种肌肉记忆，能够更快速、更流畅地在不同的和弦色彩之间切换。这种实战导向的教学方法，使得学习曲线变得异常陡峭，我能在短短几周内，就明显感觉到自己在乐队演奏中的贡献度提升了一个档次，这绝对是物超所值。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版和装帧设计简直是一场视觉盛宴。从封面选取那种带有复古绒面质感的深蓝色调开始，我就知道这本书不仅仅是一本技术手册，更像是一件可以被珍藏的艺术品。内页的纸张选材非常考究，厚实且略带米白，有效地减少了长时间阅读带来的眼部疲劳，这一点对于我们这些晚上沉浸在和弦练习中的吉他手来说，简直是福音。更值得称赞的是，作者在章节结构上的用心。每一个新的理论概念都不是突兀地抛出，而是通过精心设计的图形示意图和色彩编码的五线谱/六线谱对照表来逐步引导读者。例如，在讨论到Tritone替换时，作者用了大量的彩色高亮来区分原属音与替代音之间的关系，并且图表的清晰度达到了教科书级别，完全不需要借助其他辅助软件去解码那些复杂的音程关系。我特别喜欢它在案例示范部分采用的“迷你乐句”展示方式，这些乐句既有足够的音乐性，又不会让人感到过于晦涩难懂，仿佛作者正在手把手地带着你走过每一次和弦的“变脸”过程。总而言之，这本书在物理层面的用户体验上，已经超越了我以往接触过的任何同类教材，它让学习过程本身变成了一种享受，而不是一种负担。

评分☆☆☆☆☆

这本书的价值远远超出了单纯的和弦替换技巧。我尤其欣赏作者在处理“风格化”问题上的细腻笔触。比如，当讲解如何应用在Wes Montgomery或Joe Pass的演奏中常见的那些微妙替换时，书中不仅仅是给出了和弦形状，更重要的是，它用附注的形式，描述了这些替换在特定年代和特定演奏家音乐语境中的“味道”和“态度”。这对于那些希望深入理解爵士乐历史和不同大师个人风格的读者来说，提供了宝贵的文化背景信息。例如，书中区分了在1950年代的硬波普（Hard Bop）语境下，比尔·埃文斯式（Bill Evans-esque）的和弦处理与七十年代融合爵士（Fusion）中对同一和弦进行替换时，在节奏和张力处理上的本质区别。这种对音乐“历史感”和“语境敏感度”的培养，是我在许多纯技术性教材中学不到的。它教会我，和弦替换不是一套死板的规则，而是一种随着音乐潮流和个人审美不断演变的“对话语言”。这本书真正做到了“授人以渔”，让我学会了如何在任何音乐情境下，用听觉来驱动我的和弦选择。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，市面上关于爵士和声的书籍多如牛毛，但真正能够让一个中级水平的学习者实现“质的飞跃”的却凤毛麟角。这本书的理论深度是毋庸置疑的，它真正击中了那些困扰我多年的“瓶颈点”——比如如何在高把位不使用太多开放弦或空弦来演奏复杂的和弦结构，以及如何确保替代和弦在不破坏原曲旋律线的前提下保持其张力。作者在“功能性分析”这一块的处理非常精妙。他没有仅仅停留在教授“X和弦可以被Y替代”，而是深入探讨了为什么这种替换在特定的调式或调性环境中会产生更佳的张力释放效果。书中引入了一个我从未在其他地方见过的“张力释放曲线图”，它用图形化的方式直观展示了在快速的进行中，何时应用更激进的替代，何时需要回归到更保守的色彩。这使得我不再是机械地记忆和弦图，而是开始形成一种基于听觉反馈和理论预期的演奏策略。对于那些渴望从“模仿者”蜕变为“思考者”的乐手来说，这种层面的指导是极其宝贵的。

评分☆☆☆☆☆

我是一个主要从事布鲁斯和传统爵士标准曲目演奏的吉他手，对于一些过于现代、偏向融合或前卫和声体系的书籍，我往往会感到消化不良。这本书的独特之处在于，它找到了一个绝佳的平衡点——既没有完全沉溺于过于学院派的理论推导，也没有将复杂的和弦替换简化到失去灵魂。它的核心论述非常务实，聚焦于如何“听起来自然”地融入到爵士乐的语境中。举例来说，书中对于Dominant 7th和弦的九种可行替换方案的讲解，都不是孤立的罗列，而是嵌入到了一个经典的II-V-I进行中进行对比演示。作者巧妙地运用了一些相对不那么为人所知的“延伸”技术，比如在某些特定调性下，如何用降九度音（♭9）的色彩来柔化原本生硬的替代效果。我发现，通过这本书的练习，我不仅学会了新的“和弦指型”，更重要的是，我开始理解为什么这些替代会在听觉上产生特定的情感色彩。这已经超越了“弹奏”的范畴，开始触及到“理解”和“创造”的层面，这对于提升我的即兴流畅度和音乐深度，具有不可估量的价值。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆