History of Opera (Norton/Grove Handbooks in Music) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:W. W. Norton & Company

作者:Sadie, Stanley (EDT)

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1990-02

价格:USD 45.45

装帧:Hardcover

isbn号码:9780393028102

丛书系列:

图书标签:

• Opera
• Music History
• Classical Music
• Vocal Music
• Norton Handbooks
• Grove Music
• Musicology
• Performing Arts
• Cultural History
• Music

歌剧的历史：从发源到辉煌的舞台艺术画卷 第一章：文艺复兴的余晖与歌剧的诞生（约1600年前） 歌剧，作为一种集音乐、戏剧、诗歌、舞蹈和舞台美术于一体的综合性艺术，其根源可以追溯到意大利文艺复兴末期的佛罗伦萨。在美第奇家族的赞助下，一个名为“佛罗伦萨嘉莫罗”（Florentine Camerata）的知识分子和音乐家团体，怀揣着复兴古希腊悲剧精神的理想，致力于探索如何将戏剧台词以更具情感张力的旋律形式表达出来。他们认为，古希腊的戏剧是融合了歌唱和朗诵的“音乐戏剧”。 这一时期的探索催生了宣叙调（Recitative）的概念，它模仿自然语言的抑扬顿挫，旨在清晰地传达文本内容，而非像传统复调音乐那样被复杂的对位法所掩盖。早期的歌剧作品，如雅科波·佩里（Jacopo Peri）的《达芙妮》（Dafne，现存部分失传）和《欧律狄刻》（Euridice），标志着歌剧这一全新体裁的诞生。 真正的突破出现在克劳迪奥·蒙台威尔第（Claudio Monteverdi）的笔下。他的《奥尔费奥》（L'Orfeo，1607年）被公认为第一部成熟的歌剧杰作。蒙台威尔第不仅精通当时的音乐语言，更重要的是，他深刻理解了音乐如何服务于戏剧情感的刻画。他巧妙地运用了丰富的配器、创新的和声，并将宣叙调与咏叹调（Aria）——即抒发角色内心强烈情感的纯音乐段落——进行了有效的区分和结合，奠定了歌剧艺术的基本结构。 第二章：巴洛克时期的兴盛与“正歌剧”的确立（1600-1750） 随着歌剧在意大利的传播，尤其是1637年威尼斯首家公共歌剧院的建立，歌剧开始走出贵族的沙龙，走向大众市场。这一转变极大地影响了歌剧的创作方向，娱乐性和炫技性开始占据重要地位。 那不勒斯学派的兴起是巴洛克中后期歌剧的标志。亚历山德罗·斯卡拉蒂（Alessandro Scarlatti）确立了经典的“咏叹调——宣叙调—咏叹调”结构，并普及了“Da Capo Aria”（ABA三段式咏叹调），即第一段旋律重复时，中间段（B段）以不同情绪和装饰音展现，为演唱家提供了极大的炫技空间。 这一时期的歌剧主要分为两大流派：正歌剧（Opera Seria）和喜歌剧（Opera Buffa）的早期形态。正歌剧题材多取自古典神话或英雄史诗，情节庄严，强调英雄主义和道德教化。然而，随着情节日益复杂、对歌手技巧的过度依赖以及对“三一律”（情节、时间、地点的统一）的漠视，正歌剧逐渐变得僵化和矫揉造作。著名的歌剧作曲家如亨德尔（George Frideric Handel）将这种风格带到了伦敦，创作了大量成功的英文清唱剧和意大利语歌剧，如《裘略·凯撒》（Giulio Cesare）。 第三章：改革的呼声与古典主义的平衡（1750-1820） 到十八世纪中叶，对正歌剧形式的强烈不满促使了歌剧改革运动。改革家们主张回归歌剧的本质——戏剧性，要求音乐必须服从于剧情的需要，减少不必要的炫技，使咏叹调和宣叙调的界限更加模糊，以增强戏剧的连贯性。 克里斯托弗·维利巴尔德·格鲁克（Christoph Willibald Gluck）是这场改革的旗手。他的改革歌剧，特别是《奥尔费奥与欧律狄刻》（Orfeo ed Euridice，1762年），以其简洁、朴素和强烈的戏剧张力，摒弃了当时盛行的矫饰之风。格鲁克追求“优美的简朴”，使得音乐服务于人物的内心冲突，为后世的浪漫主义歌剧铺平了道路。 在古典主义时期，歌剧的重心开始向德语和法语地区转移。 意大利的喜歌剧（Opera Buffa）则在乔瓦尼·巴蒂斯塔·佩尔戈莱西（Giovanni Battista Pergolesi）的《女仆作主》（La Serva Padrona）等作品中，通过刻画市民阶层的生活片段，以幽默、生活化的音乐和快节奏的对白，获得了巨大的成功。 沃尔夫冈·阿马德乌斯·莫扎特（Wolfgang Amadeus Mozart）将意大利喜歌剧推向了巅峰，同时也深入创作了德语“歌唱剧”（Singspiel）。莫扎特的歌剧作品，如《费加罗的婚礼》（Le nozze di Figaro）、《唐·璜》（Don Giovanni）和《魔笛》（Die Zauberflöte），达到了古典主义的完美平衡：音乐的精致与结构美感、对人物复杂心理的深刻洞察以及对社会阶层的讽刺，共同构筑了不朽的艺术成就。 第四章：浪漫主义的激情与民族的觉醒（1820-1900） 十九世纪是歌剧艺术的黄金时代，浪漫主义思潮深刻地影响了歌剧创作。作曲家们追求强烈的情感表达、异域风情、对超自然力量的描绘，以及对个人命运的关注。 意大利浪漫主义由乔阿基诺·罗西尼（Gioachino Rossini）的《塞维利亚的理发师》（The Barber of Seville）开启，这一时期的核心在于美声唱法（Bel Canto）的极致运用——强调音色的美感、流畅的旋律线和无瑕的技巧。之后的文森佐·贝利尼（Vincenzo Bellini）和加埃塔诺·多尼采蒂（Gaetano Donizetti）进一步将这种风格推向极致。 随后，朱塞佩·威尔第（Giuseppe Verdi）以其宏大叙事和对人性深刻的挖掘，重新定义了意大利歌剧。从早期的《纳布科多诺泽尔》（Nabucco）到中期的《弄臣》（Rigoletto）和《茶花女》（La Traviata），再到晚期风格成熟的《奥赛罗》（Otello）和《福斯塔夫》（Falstaff），威尔第的音乐充满了强烈的戏剧冲突、鲜明的人物形象和令人难忘的旋律，他将意大利歌剧提升到了前所未有的高度。 与此同时，德语区的歌剧正经历一场结构性的革命。卡尔·冯·韦伯（Carl Maria von Weber）的《自由射手》（Der Freischütz，1821年）被视为德国浪漫主义歌剧的奠基之作，它成功地融入了民间传说、民间音乐元素以及对德国森林和自然的描绘。 理查德·瓦格纳（Richard Wagner）是这场德奥歌剧革新的集大成者。他提出的“总体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）理念，旨在彻底消除咏叹调与宣叙调的界限，创造出一种“无尽的旋律”。瓦格纳通过使用主导动机（Leitmotif）系统，将特定的音乐主题与人物、情感或观念联系起来，并通过乐队进行深层次的心理叙事。他的巨著《尼伯龙根的指环》（Der Ring des Nibelungen）系列，以及《特里斯坦与伊索尔德》（Tristan und Isolde），标志着调性体系开始瓦解，对后世音乐产生了颠覆性的影响。 第五章：现实主义的冲击与世纪末的探索（1880-1910） 在十九世纪末期，歌剧的焦点从神话和英雄转向了普通人的生活，催生了“真实主义”（Verismo）歌剧。受法国自然主义文学影响，真实主义作曲家偏爱描绘社会底层人物的激烈情感、暴力冲突和悲剧命运。皮埃特罗·马斯卡尼（Pietro Mascagni）的《乡村骑士》（Cavalleria Rusticana）和鲁杰罗·莱翁卡瓦洛（Ruggero Leoncavallo）的《丑角》（Pagliacci）是这一流派的代表作，它们以直击人心的旋律和高强度的戏剧张力深受观众喜爱。 在法国，儒勒·马斯内（Jules Massenet）和乔治·比才（Georges Bizet）则在保留传统美学的同时，注入了更为细腻和世俗的情感。比才的《卡门》（Carmen）以其鲜明的西班牙风情、强烈的女性角色刻画和对世俗激情的描绘，成为最受欢迎的歌剧之一。 进入新世纪，德奥两国的作曲家开始挑战瓦格纳的遗产和传统调性。理查德·施特劳斯（Richard Strauss）的作品，如《莎乐美》（Salome）和《厄勒克特拉》（Elektra），以其极其复杂的管弦乐配器、极端的情绪张力和对弗洛伊德式心理的探索，将德语歌剧推向了二十世纪现代主义的边缘。 通过对巴洛克时期的技术探索，古典主义的结构平衡，浪漫主义的激情释放，以及对现实主义的深刻关注，歌剧艺术在一百年的时间内，从宫廷的娱乐活动，发展成为一种能够深刻反映人类复杂情感和时代精神的综合舞台艺术。

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坦率地说，这本书的深度足以让业余爱好者望而却步，但对于那些真正想钻研歌剧艺术的学者或音乐人而言，它无疑是一座金矿。我最欣赏的地方在于它对不同地域和文化背景下歌剧发展差异的对比分析，那种跨国界的视野非常开阔。比如，它并没有将德语乐派的崛起仅仅归结为瓦格纳个人的天才，而是将其置于十九世纪德意志民族主义思潮和哲学思辨的大背景下进行考察，这种宏观的架构能力非常罕见。书中的一些章节，比如关于中欧轻歌剧（Operetta）在维也纳黄金时代的社会功能分析，简直像是一堂精彩的社会学选修课，揭示了艺术如何作为社会情绪的晴雨表。作者似乎对每一个时代的服饰、舞台技术、乃至观众的座位安排都了如指掌，将歌剧体验还原成一个多维度的文化事件，而非仅仅是听觉艺术。当然，它的学术性也意味着阅读过程是需要高度专注的，但回报是显著的，它让你对歌剧的理解从“欣赏旋律”提升到了“理解结构与语境”的层面。

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这部著作简直是音乐史爱好者的一场盛宴，它以一种近乎百科全书式的严谨态度，将我们带入了一个个宏大而精致的歌剧世界。作者的叙事功力令人赞叹，他似乎能洞察每一个伟大作曲家在创作巅峰时的呼吸与心跳。我尤其欣赏它对早期歌剧形态，特别是意大利美声学派兴起时期的细致梳理。那些关于美第奇家族赞助下的佛罗伦萨卡梅拉塔如何试图“复活”古希腊戏剧的描述，不仅仅是枯燥的历史陈述，更像是一部精彩的文化侦探小说，充满了理论碰撞与艺术理想的火花。书中对早期咏叹调和宣叙调的结构分析，即使对于一个自认为对古典音乐有一定了解的听众来说，也提供了全新的视角。它不满足于仅仅列出时间线，而是深入探讨了技术革新如何反过来塑造了艺术表达的可能性。阅读过程中，我常常需要停下来，去寻找那些被提及的歌剧录音，那种即时的听觉印证，极大地丰富了文字的厚度。这本书的价值在于，它不仅仅记录了“发生了什么”，更深入挖掘了“为什么会以这种方式发生”。

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从装帧设计和排版来看，这本书就散发着一种经典与权威的气息，让人忍不住想将其置于书架的最显眼位置。然而，真正让我感到惊喜的是其详尽的索引和参考书目系统。对于任何希望进行深入研究的读者来说，这本书不仅仅是一个终点，更是一个极其可靠的起点。我发现自己多次被书中脚注引用的其他研究文献所吸引，这极大地拓宽了我对相关主题的探索范围。作者的学术态度是极其严谨的，他对那些存在争议的历史事件或诠释，往往会并列呈现不同的学派观点，而不是武断地下结论，这体现了高度的学术良知。这种公正性使得读者能够形成自己的批判性思维，而不是被动接受单一的叙事。特别是关于“国家歌剧院”体系建立初期，政府干预与艺术创作自由之间矛盾的探讨，描绘出了一幅复杂的权力与美学博弈的图景，视角既宏大又微观，令人回味无穷。

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这本书最让我感到震撼的是它对歌剧艺术如何在不同时代和不同社会阶层中扮演“镜像”角色的深刻剖析。它成功地超越了单纯的音乐史叙述，上升到了文化人类学的层面。比如，书中对十八世纪宫廷歌剧的奢华铺陈与十九世纪中产阶级对“民族英雄”歌剧的狂热需求的对比，清晰地勾勒出欧洲社会结构变迁对艺术消费和生产的决定性影响。作者对于剧本（Libretto）的重视程度，也远超一般音乐史著作，他将剧本视为与音乐同等重要的文学载体，深入分析了歌词的韵律、戏剧张力以及它们如何与特定时期的美学标准相耦合。阅读完后，我再回听那些熟悉的咏叹调时，脑海中浮现的不再仅仅是旋律线，而是那些宏伟的舞台布景、穿着特定服饰的演员，以及他们所处的那个特定的历史瞬间。这本书提供了一种全面的、沉浸式的理解框架，让歌剧从一个遥远的艺术形式，变成了一个活生生的、呼吸着的历史现场。

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这本书的魅力在于其叙事节奏的灵活多变，它知道何时该快刀斩乱麻，聚焦于关键的转折点，也知道何时该慢下来，细细品味那些里程碑式的作品。我特别喜欢它在处理十九世纪后期“写实主义”歌剧（Verismo）时的笔调。作者没有将它们简单地视为对早期浪漫主义的背离或退化，而是将其描绘成一种对工业化社会下普通人情感困境的诚实回应。书中对普契尼作品的分析，充满了对人性微妙之处的洞察，那种对生老病死、爱恨情仇的直白刻画，在严肃的学术著作中是难得一见的“情感温度”。此外，它对二十世纪现代派歌剧的梳理也相当到位，成功地将那些结构复杂、和声晦涩的作品，用清晰的逻辑链条串联起来，帮助读者理解这些“反传统”创作背后的思想动机。这本书就像一位技艺精湛的指挥家，知道如何引导听众的情绪，从宏大的历史场景切换到某个特定场景中主角的内心独白，衔接得自然流畅，毫无滞涩感。

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