The Screenwriting Formula

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出版者:Writer's Digest Books
作者:Tobin, Rob
出品人:
页数:240
译者:
出版时间:2007-11
价格:$ 16.94
装帧:Pap
isbn号码:9781582974620
丛书系列:
图书标签:
  • 编剧
  • 剧本创作
  • 电影
  • 故事
  • 写作技巧
  • 电影制作
  • 创意写作
  • 叙事结构
  • 好莱坞
  • 电影剧本
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具体描述

It's a common misconception that formula films are bad. Bad films aren't formulaic - and that's the problem. In this guide, beginning scriptwriters will learn how to structure their screenplay by using seven critical elements (The Formula) so that every other element falls into place perfectly, creating a saleable, high concept movie.Screenwriter, novelist and lecturer Rob Tobin takes the mystery out of writing and analysing scripts, and making formulaic a good word again by presenting the keys to a successful and saleable script.

电影创作的艺术与技术:从概念到银幕的完整指南 作者:[此处留空,或使用一个虚构的资深电影制作人姓名] 出版社:[此处留空,或使用一个虚构的专业出版机构名称] 篇幅:约1500字 --- 图书简介: 在光影交织的魔力背后,电影创作是一门融合了深刻洞察力、严谨结构和精湛手艺的复杂艺术。本书并非简单罗列公式,而是深入探索电影叙事的核心机制,为有志于驾驭视觉语言的创作者提供一套全面、实用且富有启发性的方法论。我们着眼于超越表面技巧,直抵故事的心脏,探讨如何将抽象的灵感转化为令人信服、情感共鸣的银幕体验。 本书将带领读者踏上一段从零开始构建故事的旅程,涵盖从最初的火花(概念发展)到最终剧本定稿的每一个关键阶段。我们不会拘泥于单一的“万能结构”,而是剖析历史上和当代最成功的电影案例,揭示它们如何巧妙地运用叙事节奏、角色弧光和主题深化来捕获观众的心神。 第一部分:故事的基石——概念与核心冲突的构建 一个伟大的故事始于一个强有力的核心概念。本部分将重点阐述如何提炼一个模糊的想法成为一个具有市场潜力和艺术深度的故事前提(Logline)。我们探讨“高概念”作品的共性,以及如何通过精心设计的“钩子”(Hook)在开场几分钟内牢牢抓住观众的注意力。 主题的诞生与锚定: 主题并非附加在故事上的说教,而是故事的灵魂。我们将深入分析如何将个人哲学和世界观融入叙事,确保每一个情节选择都服务于最终想要表达的深层意义。我们不会提供一个公式化的主题列表,而是指导读者如何挖掘自身的“痛点”和“执念”,将其转化为普世的情感共鸣点。 冲突的层级化设计: 冲突是驱动一切戏剧的引擎。本书细致区分了外部冲突(人物与环境、人物与人物)和内部冲突(人物的自我挣扎)。关键在于,成功的剧本往往将两者紧密编织,使角色的内心抉择直接引发外部行动,反之亦然。我们将研究如何设定清晰的赌注(Stakes),确保观众能感受到如果主角失败,他们将失去什么。 世界观的建立(Worldbuilding): 无论是奇幻史诗还是写实的家庭剧,都需要一个可信的背景设定。本部分强调“展示而非告知”的原则在环境构建中的应用,探讨如何通过场景设计、对话和角色行动,自然而然地让观众沉浸在故事发生的空间和时间维度中。 第二部分:角色——不可或缺的驱动力 电影的持久力往往取决于角色的深度和复杂性。我们坚信,观众是为“人”而来,而非为情节而来。 动机、需求与欲望的辩证关系: 本部分将深入剖析角色的“公开欲望”(Want)与“内在需求”(Need)之间的张力。一个圆满的角色弧光,往往是角色最终放下旧有信念,拥抱内心真实需求的旅程。我们将考察如何通过角色“不愿面对的真相”来塑造他们的行动模式和决策偏误。 塑造可信的反派: 一个平庸的反派会削弱整个故事。本书致力于引导读者创造出逻辑自洽、动机清晰的对立面。反派必须是主角信念的有力挑战者,而非简单的恶意化身。我们将分析“反英雄”和“灰色地带”角色的创作技巧。 对话的艺术与潜台词: 对话不仅仅是信息的传递工具,更是揭示角色内心状态和推动情节的利器。我们将研究如何让角色说话的方式(语气、节奏、用词习惯)与其背景和心理状态保持一致,并着重探讨如何利用潜台词——角色没有说出口的话语——来增加场景的戏剧张力。 第三部分:结构、节奏与场景的精妙编排 结构是故事的骨架,但节奏则是流淌在骨架中的血液。本书将探讨多种叙事组织方式,强调灵活性而非僵化遵循。 场景的微观动力学: 每一个场景都必须是微型的故事,拥有自己的目标、冲突和转折点。我们将教授如何运用“场景卡片”技术,确保每个场景都带着角色向前移动,避免冗余和情节停滞。 节奏的控制与释放: 节奏的控制是导演和编剧共同的语言。我们分析如何在动作场景中运用快速剪辑和密集的对话来提升紧张感,同时在情感高潮前运用慢节奏和留白来酝酿情绪的爆发。本书将分析“铺垫与回报”(Setup and Payoff)机制在不同层面的运用,从一个道具的引入到一条情感线的回收。 高潮的构建与尾声的处理: 电影的高潮必须是所有前期铺垫的最终兑现。我们将研究如何通过“多重危机”和“最终牺牲”来提升最终对决的重量感,并探讨不同类型的结局(开放式、解决式、反转式)对观众后续体验的影响。 第四部分:剧本的实际操作与专业标准 本部分聚焦于将创意转化为可供制作的蓝图所需的专业技能。 格式的严谨性: 讨论当前行业标准的剧本格式要求,强调清晰、简洁的场景描述,以及如何在有限的篇幅内最大化视觉效果的呈现。 协作的视角: 剧本是团队的起点。我们将探讨如何撰写“可拍摄的剧本”,即充分考虑到预算、选角和导演的视觉意图。这包括对动作场面和特效镜头的合理预估与描述。 重写的力量: 伟大的剧本是“重写”出来的。本书鼓励创作者建立批判性的自我审查机制,并提供了一套系统化的重写清单,帮助创作者识别并修复结构性弱点、角色动机模糊或对话失真的环节。 结语: 本书旨在培养创作者的独立思考能力,而非提供一蹴而就的捷径。电影创作是一场持续学习的旅程。通过对优秀作品的解构和对自身叙事工具的熟练掌握,你将能够打破束缚,创造出属于自己、震撼人心的银幕传奇。这本书是你的思维伙伴,陪伴你从书桌前的概念,走向全球观众的银幕。

作者简介

目录信息

读后感

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用户评价

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这本书的实操性达到了一个令人难以置信的高度。与其他许多理论派著作不同,它的大部分论述都建立在大量具体、可分析的文本之上。作者没有停留在“应该怎么做”的层面,而是深入到“具体是怎么做出来的”的微观操作。我特别关注了关于“对话的张力”的章节。作者极其精辟地指出了冗余对白的危害,并提供了一套“减法”原则,教你如何在看似平静的对话中,埋下未说出口的潜台词和暗流涌动的权力博弈。这不仅仅是关于写出机智的台词,更是关于写出“真实的人与人之间的交流障碍”。此外,书中关于后期修改的建议也极其中肯,它告诫我们,初稿只是一个开始,真正的魔力往往诞生于无情的删减和重构之中。这本书就像一本打开的幕后笔记,毫不保留地展示了高手的思考过程和工作流程,其深度和广度,足以让一个初学者受益终身,也让一个资深创作者获得新的启发。

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我是一个偏爱独立电影叙事结构的写作者,往往对那些过度商业化的写作手册感到排斥。但这本书的包容性让我感到惊喜。它既没有完全摒弃经典的好莱坞三幕式结构,也没有盲目推崇实验性的非线性叙事,而是提供了一个强大的“工具箱”,鼓励读者根据自己的故事气质来选择和定制结构。关于“视觉化叙事”的那几页内容,简直是为我量身定做的。作者阐述了如何用镜头的语言而非对白来推进剧情,如何通过环境的细节暗示人物的情绪变化。这种对“电影感”的强调,让这本书在众多侧重文学性的写作书籍中脱颖而出。读起来,我仿佛能清晰地看到那些文字被转换成光影的画面,感受到那种强烈的沉浸感。它教会我的不仅仅是写什么,更是如何**呈现**,如何让观众**看到**故事,而不是仅仅**听见**故事,这对任何一个致力于电影或电视剧创作的人来说,都是极其宝贵的财富。

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这本书的独特之处在于它对“主题的植入”有着近乎偏执的关注。很多新手写作者都会犯一个错误,就是把主题喊得震天响,结果反而显得矫揉造作。但在这本书里,作者展示了如何将核心理念像藤蔓一样,自然而然地缠绕在人物的选择和环境的设定之中,让主题成为故事的呼吸,而不是突兀的口号。我尤其欣赏其中关于“冲突的层次性”的分析。他将冲突从外在的物理对抗,逐步深化到内在的道德困境和认知失调。这种递进式的冲突升级,为剧本提供了源源不断的驱动力,避免了故事陷入平庸的“打斗-和解-再打斗”的循环。读完这一部分,我对自己剧本中人物动机的单薄性有了深刻的反思。作者鼓励我们去挖掘角色最深层的恐惧和渴望,只有当角色被逼到绝境,为之奋斗的东西足够重要时,观众才会真正为之动容。这本书就像一位严厉又耐心的导师,不断地鞭策你挖掘角色的真实性。

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老实说,我最初是被这本书封面设计吸引的,那种略带复古的字体搭配简洁的排版,散发着一种成熟的专业气息。然而,真正让我爱不释手的是它对待“节奏感”的探讨。市面上太多关于剧本写作的书籍,要么过于侧重格式规范,要么陷入玄之又玄的哲学思辨,但这本书却精准地找到了一个平衡点。作者没有给你一堆生硬的公式,而是用一种近乎音乐理论的方式来解析剧本的内在韵律。他细致地剖析了高潮、低谷、喘息点的设置,如何像交响乐的乐章一样,层层递进,最终达到情感的爆发。我印象最深的是他对“信息释放的艺术”的论述,那种对观众心理的精准拿捏,让人不得不佩服作者深厚的实战经验。他强调,最好的悬念不是隐藏信息,而是以恰当的顺序揭示信息,让观众总是在“快知道”和“被蒙在鼓里”之间徘徊。这种细腻的心理学应用,让这本书的价值远远超出了单纯的写作指南,更像是一部关于如何进行有效沟通的教科书。

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这本书的结构简直像是一份精心设计的迷宫地图,引导着你一步步深入到故事构建的核心奥秘之中。我花了整整一个周末才算勉强消化了前三分之一的内容,那种感觉就像是站在一座巨大的知识宝库前,既兴奋又有些不知所措。作者对于人物弧光的描绘,绝非那种教科书式的呆板论述,而是充满了对人性细微之处的洞察力。他通过一系列看似不相关的案例分析,巧妙地串联起了“动机”、“冲突”与“转变”这三者之间错综复杂的关系网。特别是关于“次要情节如何支撑主线张力”的那一章,简直是醍醐灌顶,它彻底颠覆了我以往对剧本结构的理解,让我意识到那些被我们习惯性忽略的配角和支线叙事,才是真正让故事拥有生命力的关键所在。而且,这本书的语言风格非常具有画面感,读起来一点都不枯燥,仿佛作者正在你耳边低语,手把手地教你如何捕捉那些稍纵即逝的灵感火花。我甚至在读完某个关于场景转场技巧的章节后,立刻感到手痒,恨不得马上拿起笔来重写我手头上那个卡壳已久的项目。

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