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出版者:

作者:汪纹西 编

出品人:

页数:73

译者:

出版时间:2012-11

价格:68.00元

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isbn号码:9787513403511

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《翰墨丹青：中国古代绘画艺术史略》 导论：笔墨精神的传承与演进 在中国璀璨的文明长河中，绘画艺术以其独特的视觉语言，承载着民族的情感、历史的记忆与哲思的维度。从远古岩壁上粗犷的线条，到宋元名家笔下精妙绝伦的山水人物，再到明清文人画的写意抒情，中国古代绘画始终贯穿着一种独特的“笔墨精神”。这种精神，既是对自然造化的细腻体察，也是对内在情志的深刻表达，更是对宇宙人生宏大命题的哲学追问。 本书旨在梳理中国古代绘画艺术自发端至明清时期的发展脉络，聚焦于各个重要时期、流派及其代表性作品，深入剖析其美学特征、技法创新与时代背景的互动关系。我们并非要穷尽浩瀚的画史细节，而是力求勾勒出一幅清晰而生动的艺术全景图，带领读者穿越时空，感受中华民族在绘画领域所展现出的非凡创造力与深邃智慧。 第一章：远古的回响与秦汉的曙光——图绘的萌芽与早期探索 中国绘画的源头可以追溯至史前时期。新石器时代的彩陶纹饰，虽然朴拙，却已显露出对图形和色彩的初步运用。远古岩画，如阴山岩画、贺兰山岩画，以其生动的写实风格，记录了先民的狩猎、祭祀、生活场景，展现了原始的艺术冲动和对自然的敬畏。 到了夏商周时期，虽然传世绘画作品极少，但文献记载表明，此时已有“图”和“画”的存在，主要用于装饰青铜器、玉器，以及记录历史事件和神话传说。甲骨文、金文中的象形文字，也暗示了早期图形化的倾向。 秦汉时期，随着统一国家的形成和文化交流的拓展，绘画迎来了重要的发展。墓葬壁画，如马王堆汉墓帛画、《论衡》所载的汉画像砖，提供了宝贵的实物证据。这些作品以流畅的线条、饱满的构图，描绘了神话传说、历史故事、出行仪仗、宴饮游乐等内容，显示出初步的叙事性和写实性。人物造型逐渐成熟，线条运用也更加灵活多变。董孝、曹娥等题材的出现，反映了当时社会对孝道伦理的重视。 第二章：魏晋风骨与南北朝的地域特色——精神性的觉醒与技法的精进 魏晋南北朝是中国历史上的一个分裂与融合的时期，也是中国绘画发生深刻变革的关键阶段。这一时期，玄学思潮的兴起，深刻影响了文人士大夫的精神世界，也为绘画注入了新的活力。 顾恺之是魏晋时期绘画的集大成者，其《洛神赋图》、《女史箴图》等作品，虽然原作已佚，但后世摹本依然展现了其“传神写照”的艺术追求。“以形写神”、“迁想妙得”等理论，成为后世绘画创作的重要指导思想。人物造型趋于飘逸、秀丽，线条更加细腻、委婉，注重表现人物的内心世界和精神气质。 这一时期，山水画的雏形开始显现。宗炳提出“山水画，山水，可扫而可画也”，强调绘画与自然的契合，为后来的山水画发展奠定了理论基础。展子虔的《游春图》虽然年代尚有争议，但其对自然景物的描绘，已经具备了早期山水画的特点。 南北朝时期，由于南北政权的对峙，绘画风格也呈现出地域特色。北方绘画更显雄浑、粗犷，北方壁画如敦煌莫高窟的早期壁画，色彩浓烈，线条有力，展现了异域风情和佛教故事。南方绘画则更显秀丽、精致，受到文人阶层的影响，注重写意和情趣。 第三章：隋唐气象与五代十国的繁盛——盛世的辉煌与风格的多样 隋唐是中国历史上一个辉煌的时代，经济繁荣，文化昌盛，绘画艺术也达到了新的高峰，展现出雄浑、壮丽、开放的盛唐气象。 隋代的绘画在继承前代的基础上，更加注重色彩的运用和构图的宏大。展子虔虽然属于北朝晚期，但其作品对隋代绘画产生了重要影响。 唐代绘画更是名家辈出，佳作纷呈。阎立本的人物画，如《步辇图》、《历代帝王图》，线条严谨，造型准确，色彩富丽，深刻体现了唐代帝王的威仪与气度。吴道子以“吴带当风”著称，其宗教画和山水画，线条奔放，气势雄伟，被誉为“画圣”。张萱、周昉的人物画，则以细腻的笔触，描绘宫廷仕女的优美姿态和优裕生活，如张萱的《虢国夫人游春图》（宋摹本）和周昉的《簪花仕女图》，都展现了唐代仕女画的典雅风韵。 山水画在唐代取得了长足的发展。李思训、李昭道的“青绿山水”，色彩鲜艳，金碧辉煌，描绘理想化的自然景观。王维则开创了水墨山水画的先河，其画风简洁、写意，强调诗情画意，将山水画提升到哲学和精神的高度。 五代十国时期，虽然政治上分裂，但绘画艺术却延续了唐代的繁盛，并孕育出新的风格。南唐的顾闳中以《韩熙载夜宴图》展现了对人物心理的深刻洞察和对世俗生活的细致描绘。徐熙、黄筌则分别代表了“野逸”和“院体”两派的花鸟画，对后世花鸟画发展产生了深远影响。 第四章：宋代画苑的精粹与文人画的崛起——写实与意境的极致追求 宋代是中国绘画史上的黄金时代，无论是在题材的广度、技法的深度，还是在理论的系统性上，都达到了前所未有的高度。宫廷画院集聚了大量优秀画家，创作出大量精美绝伦的作品，而文人画的兴起，则赋予绘画更深厚的文化内涵。 宋代山水画达到了顶峰。范宽的《溪山行旅图》、郭熙的《早春图》、李唐的《万壑松风图》，构图宏大，笔法苍劲，对自然造化的刻画达到惊人的逼真和写实，同时又饱含着对宇宙人生秩序的思考。全景式山水画的盛行，展现了宋人壮阔的胸襟和对自然敬畏之心。 花鸟画在宋代也得到了极大的发展。黄居寀继承父业，创作出精工富丽的宫廷花鸟画。宋徽宗本人更是位杰出的画家，他创立“宣和画院”，对花鸟画的精细描绘和写实性提出了极高要求，其《芙蓉锦鸡图》等作品，色彩绚丽，栩栩如生。 文人画在宋代开始崭露头角。苏轼、米芾等文人雅士，不仅是优秀的文学家，也是杰出的画家。他们提倡“士人画”，注重笔墨情趣和个人情感的抒发，山水画以“米点”为特色，水墨淋漓，意境深远。这种“以书入画”、“以诗入画”的理念，为中国绘画注入了新的文人气质。 第五章：元代画坛的变革与意匠的升华——游牧文化的影响与文人画的自觉 元代是中国历史上一个特殊的时期，蒙古族统治下的社会环境，对传统文化产生了一定的冲击，但也带来了新的融合与变革。 元代绘画，尤其是文人画，得到了空前的发展。赵孟頫是元代画坛的领袖人物，他提倡复古，以书法入画，将笔墨技巧推向新的高度，其山水画、人物画、花鸟画都取得了极高的成就。他强调“画之为物，非独有能也，亦有其道也”，将绘画上升到哲学和道德层面。 元代文人画强调“意匠”，即画家的主观创造和精神表达。黄公望的《富春山居图》以其深邃的意境、精妙的笔墨，成为文人山水画的典范。王蒙、倪瓒、吴镇等“元四家”，各有风格，或苍秀，或简淡，或雄浑，共同构成了元代文人画的辉煌图景。 在题材上，元代绘画也更加注重表现隐逸情怀和士大夫的闲适生活。花鸟画也出现了新的发展，如王冕的墨梅，笔墨疏淡，意境高远，成为梅花题材的经典之作。 第六章：明清画坛的承继与创新——院体、文人画与地域流派的交融 明清两代是中国绘画发展史上承前启后的重要时期，既有对前代传统的继承，也有新的探索与发展。 明代绘画，一方面，宫廷画院依然存在，继续创作工整富丽的院体画。沈周、文徵明等吴门画派的画家，继承元代文人画的传统，并加以发展，形成“吴门四家”的盛况，其山水画风格多样，既有秀丽温婉，也有苍劲有力。 明代中后期，随着商品经济的发展和市民阶层的壮大，市民趣味的绘画也开始兴起，如唐寅、仇英等人的作品，题材广泛，风格各异，受到广泛欢迎。 清代绘画，承继了明代的文人画传统，并涌现出许多重要的画家和流派。扬州八怪，如郑燮、金农等，以其独特的个性和不拘一格的画风，突破了传统绘画的束缚，展现出强烈的个性和时代精神。 在山水画方面，四王（王时敏、王鉴、王翚、王原祁）是清初宫廷画院的代表，他们继承董其昌的理论，强调“摹古”，以精湛的笔墨技巧，创作出工整秀丽的山水画。而石涛、八大山人等则以其独特的笔墨语言和强烈的个人情感，打破传统，形成“新派”山水画，其作品个性鲜明，充满哲学思考。 花鸟画方面，清代涌现出许多杰出的画家，如恽寿平的没骨花卉，色彩淡雅，意境高远。金陵八家（如龚贤）的画风则更为写实、苍劲。 结语：永恒的笔墨，不息的生命 纵观中国古代绘画艺术的发展历程，我们看到的是一部波澜壮阔的史诗，是一部笔墨精神的传承与演进的宏伟画卷。从远古的神秘符号到唐代的辉煌气象，从宋代的精微写实到元代的意匠升华，再到明清的多元融合，每一时期、每一流派都留下了独特的印记。 本书所呈现的，不过是这浩瀚星空中闪耀的几颗星辰。但我们希望，通过这些片段的勾勒，能够激发读者对中国古代绘画艺术的兴趣，去更深入地了解那些不朽的杰作，去感受那其中蕴含的东方智慧与民族精神。笔墨之间的流转，不仅是线条与色彩的组合，更是情感的抒发、哲思的表达，是中国人民对世界、对生命永恒的探索与赞美。这份宝贵的文化遗产，至今仍然散发着迷人的光彩，激励着我们在新的时代，继续传承与创新，续写中华绘画艺术的辉煌篇章。

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这本书的装帧和整体气质，透露着一种低调而又奢华的格调，完全符合其主题应有的庄重感。我喜欢它对不同朝代、不同流派画作的收录平衡性，没有过度偏爱某一个时期，而是形成了一个相对完整的视觉脉络。读着附带的简短介绍（虽然文字不多，但都切中要害），能感受到编者对这些艺术品的敬畏之心。特别是那些描绘园林与自然景色的篇章，那份宁静与和谐，与宫廷的威严形成了有趣的对比，展现了古代文人士大夫在权力中心之外的精神寄托。我建议大家不要急着快速翻阅，而是应该放慢速度，对着其中一两幅作品细细品味，去琢磨那些看似随意的线条背后隐藏的深厚功力。它更像是一本可以常置案头的“静心之书”。

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我是在一个朋友的推荐下购入此书的，起初抱着试试看的心态，毕竟市面上的“大部头”太多了。然而，这本书真正做到了“内容为王”。它不仅仅是图像的堆砌，更像是一次精心策划的沉浸式展览。最让我震撼的是几幅大幅面的巨制复制品，展开时那种扑面而来的气势，即便隔着纸张，也能感受到原作的震撼力。这些作品的选材非常讲究，它们似乎在讲述一个连续的故事，关于皇家的生活礼仪、季节更迭，乃至信仰和祭祀。这种叙事性的组合，让这本书的阅读体验远超一般的画集。如果说有什么可以改进的地方，也许是希望能有更深入的专业解读，但或许正是这种克制，才让观者有更多的自主解读空间，不至于被条条框框的理论束缚。

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这本画册真是让人爱不释手，色彩的运用简直达到了出神入化的地步。每一页都仿佛在低语着历史的厚重与艺术的灵动。我尤其欣赏它在细节上的考究，无论是人物的衣着纹理，还是山水的晕染层次，都处理得极其到位。翻阅时，我仿佛能感受到古代画师们蘸墨时的心境，那种对笔触精准的把控，以及对意境深远的追求。特别是几幅描绘宫廷宴饮场景的作品，人物神态各异，栩栩如生，那种盛世的繁华景象跃然纸上，让人不禁沉浸其中，久久不能自拔。装帧的设计也十分精美，纸张的质感厚实而又不失细腻，使得即便是复制品，也能感受到原画的某种气韵。对于任何一个喜爱传统艺术，尤其是对中国古典绘画有浓厚兴趣的人来说，这本书无疑是一笔宝贵的收藏。它不仅仅是图画的集合，更像是一部无声的艺术史诗，引导着我们去探索那些尘封在宫墙之内的审美哲学。

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对于一个纯粹的艺术欣赏者而言，这本书提供了一个绝佳的窗口，去窥见中国古代宫廷艺术的巅峰水平。我个人偏爱其中那些描绘动物的画作，那些马匹的鬃毛、飞鸟的羽翼，无不体现了画家对生命形态的细致观察和精准捕捉。这种“形神兼备”的境界，是现代许多画作难以企及的。纸张在光线下呈现出的微微的肌理感，也让观感提升了一个层次，仿佛能触摸到历史的温度。这本书的整体装帧风格是内敛的古典美，没有过多的浮夸装饰，让所有的焦点都集中在那些跨越时空的杰作之上。它让我重新审视了“古典美”的定义，那种沉淀下来的、经得起时间考验的精致与韵味，才是真正的艺术价值所在。

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说实话，我原本以为这类题材的画册都会是那种规规矩矩、略显刻板的风格，但这本书完全超出了我的预期。它的排版布局非常大胆且富有创意，不同主题的画作穿插安排，节奏感极强，丝毫没有让人感到审美疲劳。有些页面的留白处理得恰到好处，反而衬托出了主体画作的磅礴气势，这种“计白当黑”的东方美学思想被运用得炉火纯青。我注意到，它似乎更侧重于展示那些在其他普及性画册中较少露面的珍稀摹本，这对于我们这些资深爱好者来说，简直是意外的惊喜。每一次翻阅，都有新的发现，像是和一位博学的艺术史家进行着私密的对话。它的印刷技术也值得称赞，色彩还原度极高，很多工笔画中微妙的过渡色都被忠实地再现了出来，让人几乎可以分辨出绢本与纸本的不同触感。

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好玩

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故宫画谱 真是一套好书

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大开本 画面很好 可惜为了配合古风 文字排版是竖着来的 看不下去

评分☆☆☆☆☆

对于《簪花仕女图》中罗衣透明效果的表现手法，觉得很神奇，怎么画出来的？想起来以前看蒙纱的雕塑，也想知道是怎么做到的！

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对于《簪花仕女图》中罗衣透明效果的表现手法，觉得很神奇，怎么画出来的？想起来以前看蒙纱的雕塑，也想知道是怎么做到的！