Exhibiting Fashion Before and After 1971 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Yale University Press

作者:Clark, Judith; de la Haye, Amy

出品人:

页数:192

译者:

出版时间:

价格:0

装帧:

isbn号码:9780300125795

丛书系列:

图书标签:

• 策展
• Fashion
• 艺术
• 时尚
• fashion
• Fashion history
• Museum studies
• Exhibition design
• Cultural studies
• Fashion exhibitions
• Material culture
• Visual culture
• 1970s
• Fashion and art
• History of fashion

专题研究：艺术、媒介与社会变迁中的时尚展示 导言 本书深入探讨了二十世纪后半叶以来，时尚展示（Exhibiting Fashion）领域所经历的深刻变革，及其与艺术思潮、媒介技术和社会文化语境的复杂互动。我们聚焦于一个关键的转折期——1970年代初至今——考察时尚如何从传统的商业陈列模式，逐步演化为具有独立批判性与阐释性的文化实践。 本书的出发点在于，时尚的“展示”不仅仅是物品的陈列，而是一个权力、知识和意义生产的过程。通过对一系列里程碑式的展览、博物馆叙事策略以及零售空间实验的细致分析，我们试图揭示在后现代主义、全球化和数字技术冲击下，时尚的物质性、身体性与象征性是如何被重新构建和解读的。 第一部分：现代主义的遗产与反思（1970s – 1980s） 本部分追溯了二战后时尚博物馆化（Museumification of Fashion）的早期路径，特别是关注那些试图在艺术与商业之间划定界限的机构。 章节一：学院派的谨慎介入 聚焦于1970年代初，大型艺术机构（如纽约大都会艺术博物馆、伦敦维多利亚与阿尔伯特博物馆）在接纳高级定制与成衣设计进入其永久收藏和特展时的内部辩论。我们分析了早期策展人如何运用“设计史”或“工艺史”的框架来合理化时尚的展示，规避其商业本质。重点考察了早期关于“服装的身体性缺失”的理论争论，以及如何通过对历史服装的静态陈列来构建一种永恒的、脱离日常穿着的“艺术品”形象。 章节二：零售空间作为剧场 在商业领域，本部分考察了先锋零售概念店（Concept Stores）的兴起。这些空间不再满足于简单的商品陈列，而是开始尝试营造沉浸式的、具有叙事性的购物体验。我们分析了日本设计师和欧洲先锋零售商如何利用空间设计、灯光和音乐来重塑消费者的感官体验，模糊了橱窗、舞台和博物馆展厅之间的界限。这些实践预示着未来时尚展示将更倾向于“体验经济”。 章节三：时尚与后现代的碎片化 本章深入探讨了1980年代时尚美学对后现代主义理论的回应。我们研究了诸如山本耀司、川久保玲等设计师作品如何挑战传统时装的结构与完整性，以及这种挑战如何在博物馆环境中被翻译和展示。分析了拼贴、挪用（Appropriation）和反风格（Anti-Style）在特展叙事中的应用，以及它们如何引发关于原创性与复制性的讨论。 第二部分：策展的转向与身体的重塑（1990s – 2000s） 进入九十年代，全球化进程加速，时尚展示开始主动拥抱批判性理论，将焦点从服装本身转向服装所承载的社会关系、身份政治和身体观念。 章节四：身份政治与性别的建构 本章详细分析了在“酷儿理论”和身份政治思潮的影响下，时尚展览如何开始直面种族、性别、性取向和亚文化议题。我们考察了那些挑战主流白人、异性恋规范的展示实践，例如如何通过展示跨性别者的服装、非西方传统服饰或边缘群体着装，来解构时尚史的“中心化”叙事。分析了通过服装、图像和个人证词相结合的多媒体装置，来重建被压抑的身体记忆。 章节五：从陈列到装置艺术：沉浸式体验的崛起 本部分将重点放在视觉艺术界对时尚展示的渗透。通过分析将时尚展示转化为大型装置艺术的案例，探讨了“环境设计”如何取代传统的衣架或假人模特。研究了这些展览如何利用感官超载（Sensory Overload）来表达时尚的媒介化本质，迫使观众不再仅仅是观察者，而是成为体验的一部分。我们关注于叙事结构的瓦解，转而采用流线型、非线性的参观路径。 章节六：时尚与全球供应链的伦理审视 随着全球化带来的社会责任讨论升温，部分展览开始将目光投向服装的生产端。本章考察了少数先锋展览如何试图引入关于劳工权益、环境影响和原住民知识产权的议题。尽管操作难度极大，但这些尝试标志着时尚展示开始承担超越美学判断的社会责任，预示着未来展览可能包含更深层次的伦理介入。 第三部分：数字时代的物质性与虚拟边界（2010s 至今） 本部分关注信息技术和社交媒体如何根本性地重塑了时尚的“展示”行为本身，以及实体与虚拟展示之间的张力。 章节七：屏幕上的时装秀与博物馆的屏幕化 本章探讨了社交媒体（尤其是Instagram）如何使时装秀本身成为一种高度精致、即时发布的展示形式。分析了设计师如何针对屏幕视角（Viewing Angle）进行设计，以及这种“即时展示”对传统季度的影响。紧接着，我们研究了博物馆如何反过来利用数字技术（如AR/VR、3D扫描）来增强或替代实体展示，尤其是在应对全球疫情限制的背景下。 章节八：档案、遗失与数字永生 研究了数字技术在时尚档案管理和重建中的作用。当实体服装因脆弱性无法长期展出时，数字影像、三维模型和虚拟重构成为主要的展示媒介。我们探讨了这种数字“永生”对时尚历史真实性的影响，以及数字策展人如何通过算法和数据可视化来创造新的历史连接。 章节九：体验经济的极端化：快闪店与沉浸式叙事 本章回顾了商业领域对展览策略的深度吸收。分析了高端品牌如何通过高度概念化的“快闪”体验（Pop-up Experiences）来模拟博物馆级的叙事深度，但在时间上却是极其短暂和排他性的。这些事件的成功依赖于其在社交媒体上的可分享性（Shareability），这反过来又影响了实体展览的设计，要求其必须具有“可拍摄点”（Photo Opportunities）。 结论 本书总结了时尚展示从“陈列品”（Object Display）到“文化事件”（Cultural Event）的演变轨迹。我们认为，当代时尚展示的核心特征在于其对物质边界的不断测试，以及对观众主体性的主动纳入。它不再是关于“这件衣服有多美”，而是关于“这件衣服如何与我们的世界发生关系”。这种持续的、跨媒介的互动，构成了理解当代视觉文化和消费社会结构的关键窗口。

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