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出版者:Ricordi

作者:Morricone, Ennio (COP)

出品人:

页数:63

译者:

出版时间:2004-10-01

价格:USD 24.95

装帧:Paperback

isbn号码:9780634091117

丛书系列:

图书标签:

• morricone
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《史诗的回响：电影音乐大师埃尼奥·莫里康内创作历程探微》 这并非一本收录埃尼奥·莫里康内所有作品的精选集，而是将目光投向这位传奇作曲家非凡创作生涯的幕后，深入剖析他如何用音符构建了一个个令人难忘的电影世界，以及他独特的美学理念和革新性的音乐技法。本书旨在揭示莫里康内音乐的灵魂所在，而非简单罗列其辉煌成就。 一、 启蒙与探索：音乐的种子如何发芽 莫里康内早年的音乐教育，特别是他在罗马圣切契利亚音乐学院接受的严格古典训练，为他日后音乐的广度和深度奠定了坚实的基础。然而，他的艺术之路并非一成不变。书中将追溯他早期在爵士乐、实验音乐以及流行音乐领域的探索。这些看似“不务正业”的尝试，实际上是他打破传统束缚、吸收多元养分的关键时期。例如，他对爵士乐和声与即兴的兴趣，如何悄然融入了他后期电影配乐中那些大胆的旋律和节奏设计。我们将探讨他如何在这种多元的影响下，逐渐形成了自己独树一帜的音乐语言，为他日后与导演们的合作铺平了道路。 二、 跨界与对话：与电影的共生关系 莫里康内的音乐与电影早已密不可分，但他与导演们的合作，并非简单的“为画面配乐”。本书将重点分析他与几位核心导演，如塞尔吉奥·莱昂内、贝纳尔多·贝托鲁奇、朱塞佩·托纳多雷等人的深度合作。我们会看到，莫里康内并非被动地接受指令，而是以一种主动的、极具创造性的方式，与导演进行音乐与影像的对话。 以与莱昂内的合作为例，我们将细致研究《西部往事》、《黄金三镖客》等影片中，莫里康内如何通过音乐塑造人物性格、烘托环境氛围，甚至引导叙事节奏。他如何运用独特的乐器选择（如口哨、口琴、电吉他、甚至人声的实验性运用），以及他标志性的旋律构建方式，来创造出极具辨识度的“西部片”音乐风格。这些音乐不再仅仅是背景，而是成为了影片不可分割的叙事元素，甚至超越了影像本身，成为独立的艺术品。 在与贝纳尔多·贝托鲁奇的合作中，我们会看到莫里康内如何驾驭更具心理深度和时代感的音乐。例如，《1900》的史诗性配乐，如何展现了跨越世纪的宏大叙事和复杂的人物情感。而在《革命前的午餐》等作品中，他如何运用细腻的音乐语汇，捕捉人物内心的微妙波动，展现了其音乐表现力的广度。 三、 创新与突破：打破常规的音乐哲学 莫里康内最令人惊叹之处，在于他不断突破音乐创作的边界。本书将深入探讨他音乐中那些革命性的元素： 非传统的乐器编排与音色运用： 莫里康内对乐器音色的敏感度超乎寻常。他常常会将原本不属于交响乐团的乐器，如电吉他、口哨、打击乐、甚至人声的非歌唱性发声（如哼唱、叹息、低语）融入到他的作品中，创造出前所未有的听觉体验。我们会分析这些非传统音色的选择如何服务于影片的情感表达和叙事功能。 独特的旋律与和声语言： 他的旋律往往简洁而极具记忆点，却又蕴含着复杂的情感张力。书中将剖析他创作旋律的技巧，例如如何运用模进、变奏以及色彩性的和弦，来营造出哀伤、壮丽、神秘或激昂等不同情绪。 结构与形式的实验： 莫里康内不拘泥于传统的奏鸣曲式或赋格曲式，他更倾向于根据影片的需求，自由地构建音乐的结构。我们会探讨他如何在一部影片的不同场景中，运用变奏、对比、重复等手法，构建出连贯而富于变化的音乐整体。 “主题”的解放： 他的许多作品都围绕着一个或几个核心的音乐主题展开，但这些主题并非简单地重复，而是不断地以不同的形式、不同的配器、不同的情绪状态出现，仿佛生命本身在不断演变。我们将研究这些主题如何在影片中扮演“灵魂”的角色，贯穿始终，引导观众的情感。 四、 情感的共振：音乐背后的哲学思考 超越技术层面，莫里康内的音乐之所以能够触动全球无数观众的心灵，在于他音乐中蕴含着深刻的人文关怀和哲学思考。本书将尝试解读他音乐中那些永恒的情感主题：对生命、死亡、爱、背叛、孤独、希望的感悟。 我们不会去评价他具体哪部电影配乐“更好”，而是去理解他如何通过音乐，触及人类最普遍的情感。他那些或悲壮、或凄美、或激昂的旋律，能够唤醒我们内心深处的回忆与共鸣。他音乐的魅力，在于其超越语言和文化的普适性，能够与不同背景的听众建立起情感的连接。 五、 遗产与回响：一位大师的永恒影响 莫里康内的音乐影响了整整一代又一代的电影作曲家，他的创新精神和艺术成就至今仍被广泛研究和模仿。本书的结尾，将简要回顾他音乐的深远影响，以及他对电影音乐这一艺术形式所做出的不可磨灭的贡献。他的作品，如同他的名字一样，早已成为电影音乐史上一座不可逾越的丰碑，其史诗般的回响，将永远在银幕内外激荡。 这本书的目的，是为读者提供一个理解埃尼奥·莫里康内音乐艺术的独特视角，引导大家去聆听那些隐藏在旋律背后的匠心与深情，感受一位伟大艺术家如何用声音雕刻时光，书写不朽的传奇。

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对于我个人而言，这张精选集最大的价值在于其“情绪的普适性”和“情感的穿透力”。有些电影配乐过于依附于特定的画面叙事，一旦离开银幕就显得苍白无力。然而，这些作品则不然，它们已经超越了电影本身，成为了一个独立的情感符号库。我可以想象，在不同的生活场景下播放这些音乐，它们会以不同的方式映照出我当下的心境。比如，在需要高度专注时，那些节奏紧凑、动机明确的段落能有效排除杂念；而在夜深人静时，那些慢板的、充满怀旧色彩的旋律，又能提供一种温柔的慰藉。我最欣赏它对“悲剧性”的刻画——它不像某些音乐那样直接渲染哭嚎，而是通过旋律中微妙的不和谐音程和重复的、似乎永远无法解决的动机，来暗示一种无法逃脱的命运感。这种克制的表达，比任何声嘶力竭的呐喊都来得更持久、更具回味价值。总而言之，这张专辑不只是一张收藏品，它更像是一个情绪的“调频器”，能够根据听者的内心需求，调出最恰当的共鸣频率。

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这张选集带来的感官体验，更像是一次对“氛围营造艺术”的深度解剖。我一直觉得，那些最伟大的电影配乐，其核心魅力在于它们如何定义了电影的“调性”，而这张专辑完美地捕捉了那种独有的、带有强烈地域色彩的戏剧性。听着这些作品，我立刻想到了那种意大利电影特有的、略带夸张的、近乎歌剧般的激情表达。它不是那种好莱坞式的、直给的“情绪标签”，而是一种更内敛、更复杂的心理侧写。例如，某些曲目中那种强烈的复古感，仿佛能闻到老胶片燃烧后的微弱焦味，这归功于对特定乐器音色的选择和处理。人声的运用简直是神来之笔，那些空灵的回响和恰到好处的合唱，没有一句歌词，却比任何对白都更深刻地表达了角色的内心冲突。我发现自己会不自觉地跟着旋律的起伏进行呼吸的调整，这说明配乐已经与我的生理反应产生了连接。而且，它成功地平衡了宏大叙事和个人情感的表达，既有史诗般的战斗场面所需的磅礴气势，也有内心独白时的脆弱和犹豫。对于追求极致聆听体验的人来说，这绝对是值得反复品味，甚至可以说是一种“沉浸式”的听觉盛宴。

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说实话，我原本以为这种“精选集”听起来多少会有些拼凑感，毕竟很多曲目出自风格迥异的电影，但这张专辑的编排却展现出一种惊人的叙事连贯性，简直像是为一部未曾拍摄的史诗电影量身定做的配乐。它最成功的地方在于，它没有沉溺于重复那些最耳熟能详的片段，而是巧妙地穿插了一些相对不那么“热门”但艺术价值极高的配乐片段。这让我发现了一些过去被我忽略的作曲家的细腻之处。比如，有一段长达五分钟的器乐段落，它从极简主义的重复音型开始，像水滴一样敲击着你的神经，然后慢慢加入了大提琴组的低沉和声，那种情绪的堆叠，远比直接抛出高潮要来得更具力量。我特别欣赏它对“寂静”的处理，你知道，有时候声音的缺席比声音本身更有说服力。在几首紧张的追逐戏配乐中，作曲家似乎懂得如何利用短暂的停顿来制造更大的恐慌感，每一次鼓点的回归都像是心脏漏跳的一拍。这张合集对于研究配乐如何塑造电影氛围的爱好者来说，简直是一本活生生的教科书。它证明了优秀的配乐，即使脱离了画面，依然可以独立存在，并且拥有强大的感染力，它构建的世界是完整的、自洽的，充满了一种令人着迷的、略带忧郁的美感。

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这部电影配乐合集，简直就是一趟穿越时空的音乐之旅，尤其对于那些深爱着那个黄金年代西部片和意大利哥特惊悚片的乐迷来说，简直是无法抗拒的诱惑。我记得第一次戴上耳机听这套录音时，那种铺陈开来的宏大感和细微之处的精巧，瞬间就把我拉到了那个尘土飞扬的荒漠场景，或者说是阴森潮湿的罗马小巷里。乐团的演绎无疑是大师级的，每一个音符的起落都带着恰到好处的戏剧张力。特别是那些标志性的口哨声和女高音的吟唱，它们不仅仅是旋律的填充，更像是叙事的一部分，仿佛在低语着那些没有说出口的故事和宿命。我注意到弦乐组在处理那些缓慢、压抑的段落时，那种颤抖和渐强，处理得极其细腻，让人毛骨悚然却又忍不住想听下去。鼓点和打击乐的运用也极为考究，它们精准地卡在节奏的关键点，增强了画面的冲击感，而非仅仅是节拍器。光是听着这些作品中那种独特的配器——比如木管的哀鸣、铜管的英雄式宣泄——我就能感受到创作者在试图用声音描绘出人性中最原始的挣扎与高贵。这套专辑的混音效果也值得称赞，音场的宽度和深度都让人满意，即便是用普通耳机，也能清晰分辨出不同乐器在空间中的位置，这对于体会配乐的立体感至关重要。可以说，这是一张录音质量和艺术水准都保持在巅峰状态的合集，它让那些经典画面重新在脑海中鲜活起来。

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如果让我用一个词来形容这张精选集的整体感受，那大概是“结构之美”。它不仅仅是一堆曲子的堆砌，而是像一座精心设计的音乐迷宫，引领听众在不同的情绪区域间穿梭，而每一次的“出轨”或“回归”，都显得如此顺理成章。我特别留意了那些过渡乐段的处理。从一段极度紧张的弦乐赋格，到突然切换到一段只有吉他和低音提琴的简朴对话，这种戏剧性的张力突然的松弛，比直接的音量变化更能震撼人。这体现了编曲者对节奏和情绪波动的深刻理解。它避免了那种“一上来就全力以赴”的通病，而是采取了一种“循序渐进、步步紧逼”的策略。这让听众在后半段还能持续感受到新鲜感和惊喜。很多配乐的精髓在于其配器的独特性，比如使用了一些不那么主流的民族乐器，或者用非常规的方式演奏标准乐器，来营造出那种“异域”或“非现实”的感觉。这张选集精准地捕捉了这种“声音的异质性”，让听众在熟悉的旋律框架下，依然能体验到探索的乐趣。它证明了真正的艺术作品，即使被剥离了原始语境，其内在的逻辑和美感依然能经得起最严苛的审视。

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